Les films les plus dérangeants de tous les temps (vous savez, une lecture légère!)

La discrétion du spectateur est fortement, fortement, fortement conseillée.

[Note de l'éditeur: l'article suivant contient des descriptions graphiques d'images et de contenus horribles, tabous et potentiellement déclencheurs.]

Nous aimons regarder les actes de violence à l'écran. Des manigances de Looney Tunes les dessins animés aux Avengers battant la merde de Thanos dans un blockbuster à quatre quadrants, les cinéphiles apprécient les gens qui prennent un coup de pied. C'est peut-être un acte de catharsis par procuration; c'est peut-être parce que nous savons que tout est faux, ce qui nous donne la «permission» d'en profiter; c'est peut-être parce que les enjeux réels, à la fois dans et hors du texte, semblent si faibles. Je ne suis pas ici pour inculper les gens qui aiment ce type de contenu - je suis l'un d'entre eux. Au lieu de cela, je suis ici pour examiner ce qui se passe lorsque les cinéastes tournent ce cadran au-delà du point de rupture.



Il existe un sous-ensemble du cinéma qui s'intéresse à l'exploration de l'extrême, du profane, du tabou, de l'inquiétant. Une marque de film qui marque le spectateur, brûlant son cerveau avec des images inoubliables et une dissection des impulsions humaines les plus viles et les plus perverses - des impulsions qui pourraient bien avoir quelque chose en commun avec la forme plus `` aseptisée '' de violence à l'écran que nous trouvons acceptable (oups, J'imagine que je m'indique un peu moi-même!). Certains de ces films ne sont faits que pour choquer par une provocation creuse; certains ont quelque chose d'authentique à dire au fond; tous vous dérangeront.

Voici donc les films les plus dérangeants de tous les temps, une liste de cinéma transgressif qui vous laissera choqué et recroquevillé. Regardez à vos risques et périls.

Un film serbe

Image via Jinga Films

réalisateur : Srdjan Spasojevic

Écrivains : Aleksandar Radivojevic, Srdjan Spasojevic

Jeter : Srdjan Todorovic, Sergej Trifunovic, Jelena Gavrilovic, Slobodan Bestic, Katarina Zutic

La franchise du titre de ce film devrait vous indiquer la franchise de son contenu. Un film serbe met l'ensemble de la Serbie dans sa ligne de mire, son directeur Srdjan Spasojevic commentant explicitement non seulement les implications plus larges de la vie dans une société et un gouvernement déchirés par la guerre et à tendance fasciste, mais sur les hypocrisies spécifiques de ce même gouvernement finançant des films bourgeois, `` sûrs '' qui cherchent à blanchir leurs propres atrocités. Pour faire valoir ce point, Spasojević et le co-écrivain Aleksandar Radivojević ont conçu un complot qui nous emmène au-delà de la pègre. Star du porno à la retraite Miloš ( Srdjan Todorovic ) a du mal à prendre soin de sa famille. Alors, malgré ses meilleurs instincts, il accepte de jouer dans un film porno artistique d'un auteur provocateur ( Sergej Trifunovic ). Mais les méthodes et les sujets du réalisateur consistent à calmer Miloš dans un état de catatonie et à le forcer à faire des choses indicibles devant la caméra. Et quand je dis «indicible», je ne suis pas hyperbolique. Les tabous impliquant la violence sexuelle, la nécrophilie, l'inceste et la pédophilie sont mis en lumière avec des détails irréprochables, donnant au film un sentiment instantané de notoriété sur le circuit des festivals. Le coup final et la décision prise sont purement mauvais.

Audition

Image via Vitagraph Films

réalisateur : Takashi Miike

Écrivain : Daisuke Tengan

Jeter : Ryo Ishibashi, Eihi Shiina

Takashi Miike est un réalisateur au-delà du prolifique, dont les films les plus notoires comme Ichi le tueur et Visiteur Q imprégnez régulièrement le spectateur de viscères imaginatifs et de tabous psychologiquement punitifs. Pourquoi Audition faire la coupe sur ses nombreux autres films? En partie, à cause de son appât et de son interrupteur à la limite cruel. Audition commence par une prémisse et le ton d'un drame romantique léger - Shigeharu Aoyama ( Ryo Ishibashi ) est un veuf solitaire qui cherche un nouvel amour. Sous les conseils de son ami producteur de films ( Jun Kunimura ), Aoyama commence littéralement à `` auditionner '' les femmes pour être potentiellement son amour, et tombe immédiatement amoureuse d'Asami Yamazaki ( Eihi Shiina ). Les deux s'engagent à des sentiments d'amour profonds et mélancoliques l'un pour l'autre. Et puis ... la merde devient bizarre. Le basculement de Miike vous frappe au visage, vous obligeant à affronter la prémisse intrinsèquement problématique du film et le sexisme inhérent aux rencontres, aux activités romantiques et même à l'industrie cinématographique. Quand Asami Yamazaki commence enfin à jouer avec sa propre agence, hoo boy, fais attention. Images de torture à l'aiguille, de démembrement et de consommation d'un liquide corporel qui devrait certainement ne pas être mangé se heurte à une intense obsession psychosexuelle d'une manière qui pousse le spectateur à se soumettre. Qui est, précisément, Yamazaki et Le but de Miike.

Mordum d'août Underground

Image via Toetag Pictures

Réalisateurs / Écrivains / Acteurs : Killjoy, Fred Vogel, Cristie Whiles, Jerami Cruise, Michael Todd Schneider

Fred Vogel 's Toetag Pictures est une société indépendante de production de films d'horreur et un studio connu pour ses œuvres à petit budget et repoussant les limites du cinéma extrême. Leur déclaration déterminante se présente sous la forme d'une trilogie brutale, agressivement nihiliste, d'images trouvées de chaos connue sous le nom de Août Underground . Les trois films impliquent une famille retrouvée de tueurs en série voyageant et se tirant des images les uns des autres instillant des formes misérables de torture et de mort à leurs malheureuses victimes. Les trois films sont tournés avec une qualité faible et irrégulière, ce qui donne une esthétique qui se rapproche aussi d'un film de tabac à priser littéral que quiconque a produit dans un long métrage narratif. Les trois films présentent des effets incroyablement réalistes et des acteurs engagés prêts à se faire de la merde sauvage et sauvage. Mais le deuxième chapitre, Août Underground Mordum de , pourrait être le plus abjectement dérangeant du lot. Les corps ne sont rien de plus que des opportunités anonymes de dissections morbides et de corruptions, et l'équipe de Toetag est plus que disposée à tout nous pousser à la figure, chaque scène réussissant à surpasser la précédente dans son horrible cruauté. Y a-t-il un point au-delà du chaos du contenu sur sa valeur nominale? C'est une question que je ne suis pas sûr que Toetag souhaite poser.

Holocauste cannibale

Image via United Artists Europa

réalisateur : Ruggero Deodato

Écrivain : Gianfranco Clerici

Jeter : Robert Kerman, Carl Gabriel Yorke, Francesca Ciardi, Luca Barbareschi, Perry Pirkanen

réaction de la saison 8 de Game of Thrones

Un film d'horreur notoire de 1980 qui est un texte fondamental dans le genre des images trouvées, a été carrément interdit dans plusieurs pays, a abouti au réalisateur. Ruggero Deodato se faire arrêter et avoir à prouver au tribunal que les effets spéciaux ont été truqués, a contribué à lancer une vague de cinéma d'exploitation cannibale et a influencé les cinéastes dans son sillage (peut-être le plus explicitement Eli Roth avec L'enfer vert ). Holocauste cannibale raconte, sous forme de faux documentaire, l'histoire d'un groupe d'anthropologues qui se rendent dans un village amazonien pour tenter de sauver un groupe de cinéastes qui y sont restés. Quand ils arrivent, ils découvrent des bobines de séquences avec des actions horribles perpétrées par les indigènes cannibales, aboutissant à un récit noué et métatextuel qui insiste de manière agressive sur le sauveurisme blanc, le colonialisme, le rôle des nouvelles télévisées sensationnelles dans l'exacerbation de la violence, et même le rôle du membre du public qui regarde ce film. Maintenant c'est Holocauste cannibale seulement intéressé à faire valoir ces points avec une perspicacité intellectuelle irréprochable? Certainement pas. Les images présentées, avec des détails irréprochables, sont clairement conçues pour courtiser la controverse et, dans certaines séquences de cruauté envers les animaux, peuvent suivre une ligne de texte sans but pour certains. Mais il est indéniable Holocauste cannibale a beaucoup en tête, et il est prêt à manger des esprits pour essayer de faire valoir ses nombreux points.

Tête de gomme

Image via Libra Films International

réalisateur /Écrivain : David Lynch

Jeter : Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph, Jeanne Bates

Le premier long métrage du célèbre cauchemar-agitateur / météorologue David Lynch , Tête de gomme est probablement le plus proche que j'ai jamais ressenti de vivre dans le surréalisme décontracté et rongeant d'un cauchemar réel sous forme cinématographique. Utilisant une photographie en noir et blanc et une conception sonore inexplicablement terrifiante, Lynch raconte l'histoire d'Henry Spencer ( Jack Nance ), un homme faible et sensible qui vit dans une société apocalyptique post-industrialisée bizarre. Sa vie est bouleversée par la présence (ou la menace) de la domesticité, de l'éducation des enfants, des rapports sexuels et même de l'au-delà. Lynch présente ces défis à la fois avec un style crawlant et sans style du tout; alors que la conception de la production de ce film est sans égal dans son atmosphère, tant d'images obsédantes du film se produisent presque par inadvertance, sans aucun commentaire sur sa morne bizarrerie. Tout cela culmine dans la révélation d'un enfant dont le visage reste controversé pour les méthodes dans lesquelles Lynch peut l'avoir fait. D'une manière ou d'une autre, Tête de gomme rend parlables les choses de notre subconscient que nous ne pouvons pas parler, en parlant à peine du tout. Chantez-le avec moi: `` Au paradis, tout va bien ... ''

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Henry: Portrait d'un tueur en série

Image via Greycat Films

réalisateur : John McNaughton

Écrivains : Richard Fire, John McNaughton

Jeter : Michael Rooker, Tom Towles, Tracy Arnold

Si ce qui précède Août Underground est le thrash metal du `` film d'horreur de la famille des tueurs en série '' Henry: Portrait d'un tueur en série est l'improvisation jazz tranquille. John McNaughton Le film d'horreur de 1986 à petit budget présente une performance principale de carrière de Michael Rooker dans le rôle titre. Le travail de Rooker ici est étonnant, réussissant à trouver les crevasses de l'humanité chez une personne si câblée pour n'infliger que des dommages nihilistes et insignifiants à ceux qui l'entourent, en particulier à ceux qui osent montrer quoi que ce soit qui ressemble à de l'affection humaine. Quant aux images trouvées de tout cela: Henri n'est pas entièrement rendu à l'aide de caméras dans le texte. La plupart des scènes les plus calmes et les plus meurtrières psychologiquement du film sont tournées dans une simple couverture de 16 mm, les couleurs de McNaughton se sentant atypiquement profondes et luxueuses pour une affaire horrible et à petit budget. Mais les moments de carnage meurtrier les plus brutaux du film - et, surtout, la peur qui a conduit à ces explosions - sont filmés dans le texte par Henry et son équipe. La désinvolture du carnage, l'inévitabilité d'une telle destruction gratuite est ce qui restera dans l'esprit longtemps après le visionnement. Henri . C'est le portrait d'un tueur en série, et le portrait de ce qui peut arriver si nous nous permettons d'être déshumanisés et désensibilisés à un point où l'empathie est impossible.

The Human Centipede 2 (séquence complète)

Image via IFC Midnight

Réalisateur / scénariste : Tom Six

Jeter : Ashlynn Yennie, Laurence R. Harvey

Tom Six de Le mille-pattes humain , sorti en 2009, avait une prémisse rauque qui est instantanément devenue notoire non seulement parmi les cinéphiles extrêmes, mais à travers le paysage cinématographique général. Et si vous faisiez un «mille-pattes humain» en attachant la bouche des gens aux fesses des autres? Je ne vous blâmerais pas si cette prémisse vous faisait rire, et la palette de couleurs étrangement brillante du premier film et la performance charismatique de Laser Dieter se penche sur la nature accessiblement et noirement comique de tout cela. Mais sa suite, The Human Centipede 2 (séquence complète ) , prend n'importe quel sens de l'accessibilité et l'écrase avec une voiture, lui écrasant le crâne. Et oui, c'est malheureusement une allusion à quelque chose qui se passe dans le film.

Emprunter une touche de Le nouveau cauchemar de Wes Craven , Humain mille-pattes 2 se concentre sur Laurence R. Harvey donnant une performance engagée comme un homme souffrant de maladie qui est obsédé par —brace-toi - le film Tom Six Le mille-pattes humain . Ce méta-choix audacieux est porté à son extrême le plus évident alors que Harvey, qui a pris goût au sang macabre après avoir envoyé graphiquement avec sa mère abusive, décide de créer son propre mille-pattes humain à partir de son propre, très «fournitures médicales» amateur. Assis au sommet de ce mille-pattes? Préparez vous - Ashlynn Yennie , jouant 'Ashlynn Yennie, star de Le mille-pattes humain ». Bien qu'il y ait quelque chose d'indéniablement engageant et d'autocritique inattendu avec Six repliant sa mythologie sur lui-même, il l'utilise principalement comme une rampe de lancement pour des représentations d'une cruauté indicible dans un noir et blanc graisseux et écœurant. La séquence `` d'écrasement du crâne '' susmentionnée arrive à une personne que vous faites ne pas veulent voir cela arriver; le fil de fer barbelé est utilisé de manière sexuellement violente; et une scène impliquant le mille-pattes humain, euh, «manger» est au-delà de vil. Le mille-pattes humain 2 ressemble au film que tout le monde attendait de la première partie, pour le «meilleur» ou pour le pire.

Dans une cage de verre

Image via les films Lauren

Réalisateur / scénariste : Agustí Villaronga

Jeter : Günter Meisner, Marisa Paredes, David Sust

De tous les différents sous-genres du cinéma d'exploitation, Nazisploitation est peut-être le plus désireux de briser et de vous enfoncer les tabous. L'effet d'entraînement des émissions d'horreur psychosexuelles évoquant les nazis comme Ilsa, elle loup des SS et Dernière orgie de la Gestapo pourrait être vu dans des images de prestige comme Le veilleur de nuit et dans des œuvres modernes comme Rob Zombie de Grindhouse bande annonce Femmes loup-garou des SS et le programme Amazon Chasseurs . Dans une cage de verre fait passer l'aiguille de Nazisploitation entre la «valeur de choc vide» et «quelque chose à dire» de manière maladroite mais efficace, en utilisant pour démarrer la réalisation cinématographique inhabituellement atmosphérique.

La personne dans la cage de verre titulaire est Klaus ( Günter Meisner ), un ancien médecin nazi qui a torturé, expérimenté et commis des actes horribles de violence sexuelle contre des enfants pendant et après l'Holocauste, où il s'est exilé en Espagne. Dans un épisode où ses démons le rattrapent, Klaus tente de se suicider et échoue, ce qui le fait incuber dans un poumon de fer. Une infirmière du nom d'Angelo ( David Sust ) propose de prendre soin de lui, mais ce n'est pas une infirmière ordinaire. Il est une victime de Klaus, grandi et désireux non seulement de se venger du médecin nazi, mais d'habiter l'identité du médecin nazi aussi littéralement que possible. Le récit qui en résulte est punitif, inquiétant et psychologiquement fascinant, une dissection efficace des traumatismes persistants et des effets qui se produisent à la fois pour les agresseurs et les victimes de violence.

À l'intérieur

Image via La Fabrique de Films

Directeurs : Julien Maury, Alexandre Bustillo

Écrivain : Alexandre Bustillo

Jeter : Béatrice Dalle, Alysson Paradis

Parmi les nombreuses expériences cinématographiques violentes produites pendant le mouvement cinématographique des années 2000 connu sous le nom de New French Extremity ( Martyrs , Problème tous les jours , Haute tension , et d'autres morceaux de cinéma français qui rendent brutalement tout ce qui est transgressif), aucun ne colle à mes os aussi horriblement que À l'intérieur (connu en France sous le nom de À l'intérieur ). L'intrigue est plus que simple: Sarah ( Béatrice Dalle ), veuve récente, est enceinte et seule. Et puis une femme nommée simplement `` La Femme '' ( Alysson Paradis ), envahit sa maison, obsédée par l'idée que le bébé de Sarah lui appartient. Et elle l'obtiendra par toutes les méthodes possibles. Ce qui en résulte est une expérience vicieusement méchante, physique et viscérale de brutalité abjecte et de légitime défense, tourbillonnée de manière agressive avec des provocations psychologiques de traumatisme, de droit et de maternité - le tout impliquant une femme incroyablement enceinte. Les derniers instants de ce film tendu et terrifiant me font frissonner encore aujourd'hui.

Irréversible

Image via Mars Distribution

Réalisateur / scénariste : Gaspar Noé

Jeter : Monica Bellucci, Vincent Cassel, Albert Dupontel

En parlant de nouvelle extrémité française, enfant terrible Gaspar Noé , l'auteur derrière d'autres œuvres dérangeantes comme Je suis seul et Climax , a mis sa marque à la fois sur ce mouvement contemporain et sur le sous-genre d'exploitation plus omniprésent du `` viol et de la vengeance '' avec les résultats dégoûtants de 2002 Irréversible . Dans l'exploitation traditionnelle travaille dans ce moule, comme La dernière maison sur la gauche , Je crache sur ta tombe , ou alors Thriller - Une image cruelle , nous apprenons à connaître une protagoniste féminine, nous sommes horrifiés par les abus sexuels vils qu'elle subit et nous sommes justifiés lorsqu'elle se venge violemment de ses agresseurs masculins. Noé, littéralement, retourne le scénario, présentant ce récit dans l'ordre inverse. Le film commence par une cacophonie en roue libre de son, de couleur, de caméra tourbillonnante et de carnage abject, alors que le morceau de `` vengeance '' est instillé sur quelqu'un dont nous n'avons aucun contexte (notamment commis non par une femme qui retrouve son pouvoir, mais par un homme rempli de rage). C'est une tranche brutale de violence sans contexte avec laquelle commencer un film - et la scène suivante implique une longue prise de Monica Bellucci Le personnage principal du personnage a été violé graphiquement, avant d'être battu dans le coma. Encore une fois, Noé nous présente les rythmes typiques d'un thriller de viol et de vengeance, mais en inversant leur ordre, il nous oblige soit à examiner la nature arbitraire de la violence et le vide de la vengeance, soit à être un putain de connard qui a fait un film sans valeur, selon votre prise. Le reste de Irréversible montre `` miséricordieusement '' des moments d'amour, de développement de caractère et d'humanité concernant Bellucci, mais tout cela a une pâleur sombre et écœurante, un rappel inconscient que les actes de mal sont en effet irréversibles, quelle qu'en soit la raison.

L'homme mord le chien

Image via Roxie Releasing

Directeurs : Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde

Écrivains : Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde, Vincent Tavier

Jeter : Benoît Poelvoorde, Rémy Belvaux, Jenny Drye, Jacqueline Poelvoorde-Pappaert, Malou Madou, André Bonzel

De tous les nombreux films dérangeants que j'ai vus au cours de ma vie, un seul a eu le pouvoir de me faire avancer rapidement dans une scène à cause de mon inconfort personnel. Ce film est L'homme mord le chien , connu dans son pays d'origine belge sous le nom de C'est arrivé près de chez vous (une interprétation de l'expression «Cela pourrait vous arriver»). Depuis son titre, le faux documentaire en noir et blanc (un autre film d'horreur de fond d'écran) s'intéresse à la façon dont nous consommons et divinisons les actes de violence et leur sentiment de peur `` amusant '', en particulier dans les médias d'information. Un groupe de journalistes suit un homme nommé Ben ( Benoît Poelvoorde , étonnamment brillant). Il est charmant, drôle et se trouve être un tueur en série prolifique et sadique. Les journalistes visent à filmer lui et ses crimes de plus en plus violents avec un sens d'objectivité à l'écart. Mais tranquillement, sournoisement, mal à l'aise, les journalistes ne peuvent s'empêcher de participer activement à ses crimes, inculpant non seulement les médias d'information du monde entier, mais même nous pour vouloir regarder et rire (oui, rire, le film est souvent noir) ) dans un film comme celui-ci. Tout cela culmine avec une scène médiane de carnage et de ses conséquences qui est montrée si négligemment, si graphiquement et si sans remords, que j'aimerais pouvoir l'avancer rapidement dans mon cerveau.

Mélancolie des anges

Image via Shock Entertainment

réalisateur : Marian Dova

Écrivains : Marian Dova, Carsten Frank

Jeter : Zenza Raggi, Carsten Frank, Janette Weller, Bianca Schneider, Patrizia Johann, Peter Martell, Margarethe von Stern

Cinéaste allemand notoire Marian Dova a fait de nombreuses œuvres d'un dégoût implacable (ne cherchez pas sur Google ce qui se passe dans Carcinome , pour votre propre bien). Mais en 2009 Mélancolie des anges ( La mélancolie de l'ange ), il aurait pu faire son, euh, 'chef-d'œuvre'. D'une durée punitive de deux heures et demie, Mélancolie des anges a beaucoup de réflexions philosophiques en tête, conduisant généralement à une forme de nihilisme absurde tel que pratiqué par Katze ( Carsten Frank ), qui pense qu'il approche de la fin de sa vie. Ainsi, dans un effort pour repousser les limites de l'existence aussi loin que possible avant qu'elle ne s'éteigne avec désinvolture, lui et un groupe d '«amis» se livrent à des actes de dépravation de plus en plus horribles, graphiques et apparemment non simulés. Ces actes de dégradation humaine, filmés dans une vidéo numérique intrinsèquement laide, sont filtrés à travers toutes sortes de `` grandes idées '' impliquant les philosophies de Dova et les idéaux catholiques de culpabilité et de rédemption, mais il est difficile de s'éloigner de ce film avec une autre pensée que `` Pourquoi?' Ce qui, je suppose, est le point. Si tu souhaitais Richard Linklater de Avant que la trilogie avait des scènes impliquant de la merde, Mélancolie des anges pourrait être pour vous.

Hommes derrière le soleil

Image via Grand Essex Enterprises

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réalisateur : T. F. Mou

Écrivains : Mei Liu, Wen Yuan Mou, Dun Jing Teng

Jeter : Gang Wang, Hsu Gou, Tie Long Jin, Zhao Hua Mei, Zhe Quan, Run Sheng Wang, Dai Wao Yu, Andrew Yu

Les atrocités de la guerre, rendues avec des détails misérables. Hommes derrière le soleil , du cinéaste chinois T. F. Mou , détaille les expériences horribles perpétrées sur les prisonniers chinois et sibériens par les commandants militaires impériaux japonais pendant la Seconde Guerre mondiale avec des effets spéciaux grotesques et écœurants. Au-delà des troubles viscéraux évidents du film, il y a aussi des ramifications psychologiques martelées, à la fois à l'intérieur et à l'extérieur du texte. Hommes derrière le soleil veut explorer les traumatismes authentiques et la douleur réelle, veut dépeindre les limites du patriotisme et l'échelle mobile du nationalisme, veut communiquer le message nécessaire que la guerre est, et sera toujours, l'enfer. Mais il veut aussi être un film d'horreur exploitant avec des effets gore poussant les enveloppes. Peut-il avoir les deux? Le mérite-t-il? Si cela réussit, vaut-il encore notre temps? Existe-t-il d'autres moyens plus agréables de digérer et de traiter les horreurs infligées aux humains par d'autres humains sous le couvert de la guerre? Ou est-ce que des messages francs comme celui-ci sont vraiment, vraiment le seul moyen de coller à notre cerveau?

Nécromantique

Image via les fonctionnalités de loisirs

réalisateur : Jörg Buttgereit

Écrivains : Jörg Buttgereit, Franz Rodenkirchen

Jeter : Daktari Lorenz, Beatrice Manowski, Harald Lundt

Devinez rapide: que pensez-vous Nécromantique est sur, basé sur son titre aone? Ding ding ding, correct, fam! Il s'agit vraiment, sincèrement et sans vergogne de baiser un cadavre - et un réalisateur Jörg Buttgereit est vraiment, sincèrement et sans vergogne intéressé à tout montrer. Le film suit un couple, Rob et Betty ( Dr Lorenz et Béatrice Manowski ), qui sont passionnément et morbidement intéressés entre les intersections de l'amour, du sexe et de la mort. Rob travaille pour une entreprise qui nettoie les cadavres des sites d'accidents et, eh bien, il aime garder des souvenirs et des trophées pour lui et sa petite amie. Finalement, cela s'intensifie dans le vol complet d'un cadavre à part entière, ce qui se transforme en une étrange situation triple impliquant l'utilisation la plus odieuse d'un tuyau en acier que j'ai jamais vu au cinéma. Nécromantique , pour ceux dont le sens de l'humour est prêt à franchir le pas, extrait en fait une quantité décente de comédie noire de sa prémisse presque non imprimable, jouant des rythmes d'amour romantique et de jalousie exaspérante avec un engagement ironique et un attrait extérieur. Mais cela n'empêche pas le film de se faufiler dans les représentations les plus viles de la chair humaine, et ses moments de fin sont à la fois étonnants et étrangement poétiques.

Salò, ou les 120 jours de Sodome

Image via United Artists

réalisateur : Pier Paolo Pasolini

Écrivains : Pier Paolo Pasolini, Sergio Citti

Jeter : Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Umberto Paolo Quintavalle, Aldo Valletti, Caterina Boratto, Elsa De Giorgi, Hélène Surgère, Sonia Saviange, Inès Pellegrini

Le grand-père du cinéma inquiétant, un morceau d'horreur choquant qui a, malgré (à cause?) Son contenu extrême, mérité cette rare canonisation du cinéma de prestige. C'est vrai, mes amis: vous pouvez acheter Salò, ou les 120 jours de Sodome dans un ensemble blu-ray sophistiqué de la collection Criterion, avec ses représentations graphiques agressives du fascisme corrompu et de l'impulsion animale se déchaînent dans des détails exigeants et exaspérants. Jetée Paolo Pasolini le dernier film avant son meurtre, Salò s'inspire à parts égales de Marquis de Sade de Les 120 jours de Sodome , un travail influent sur les limites et les points de rupture de la dégradation humaine et de la sexualité (c'est de là que vient le mot «sadisme»!), et les horreurs réelles infligées par un gouvernement fasciste italien pendant la Seconde Guerre mondiale. D'innombrables jeunes sont torturés, mutilés, contraints de commettre des actes indicibles les uns contre les autres et tués d'une manière qui semble exister uniquement pour satisfaire les caprices de plus en plus sinistres de leurs oppresseurs. Salò est une montre brutale, une montre que je ne suis pas sûr que quiconque puisse «recommander», mais c'est une montre vitale. C'est un film qui met à nu le mince bord entre l'humanité et le mal sous les auspices de structures de pouvoir hiérarchiques, un film qui montre à quel point la cruauté profonde peut fonctionner. Il n'est pas idéal de regarder en mangeant.

Les meurtres de Snowtown

Image via Madman Films

réalisateur : Justin Kurzel

Écrivains : Shaun Grant, Justin Kurzel

nouveau film de tortue ninja mutante adolescente

Jeter : Daniel Henshall, Lucas Pittaway, Louise Harris

Les meurtres de Snowtown , basé sur une série de meurtres réels à Adélaïde, en Australie, est une brûlure lente atroce, un regard sous le microscope décrépit de communautés de petites villes dysfonctionnelles, un croisement entre Harmony Korine et Michael Haneke , un premier long métrage féroce pour le réalisateur Justin Kurzel . Déterminé à débarrasser sa communauté de la menace explicite des pédophiles et des homosexuels, qu'il est plus que disposé à confondre de manière toxique, John Bunting (un terrifiant Daniel Henshall ) recrute un groupe de gens de la classe inférieure, dont la victime de violences sexuelles Jamie Vlassakis (un Lucas Pittaway ), pour trouver, torturer et assassiner ceux qui le méritent. Le cadre de Kurzel est à la fois sans ménagement et d'un style dérangeant, utilisant à la fois la puissance du carnage explicite et de la terreur implicite pour pousser constamment un tournevis dans les tripes du spectateur. Psychologiquement, Snowtown ne laisse jamais personne s'en tirer - pas les pédophiles assassinés, ni les téléspectateurs qui pourraient trouver que cette action se justifie d'une manière ou d'une autre, ni Jamie tombant sous l'emprise de ce nouveau personnage tentant, et certainement pas John Bunting lui-même. C'est un truc sinistre, sinistre et sinistre, un film qui explore la nature humaine la plus vile et la plus vile d'une manière qui vous fera ressentir de l'empathie, puis vous donnera besoin d'une douche.

Tetsuo: L'Iron Man

Image via Manga Entertainment

Réalisateur / scénariste : Shinya Tsukamoto

Jeter : Tomorowo Taguchi, Kei Fujiwara, Shinya Tsukamoto

Si tu trouves Miroir noir inquiétant, vous n'avez encore rien vu. Tetsuo: L'Iron Man est une montre dure. C’est un cauchemar expérimental en noir et blanc en dialogue avec des classiques cultes similaires comme ceux mentionnés ci-dessus Tête de gomme ou alors Engendré . Il s’intéresse moins à un récit de science-fiction au goût agréable qu’à une exploration sans faille de l’humeur. Et «l'ambiance», gracieuseté du célèbre cinéaste culte japonais Shinya Tsukamoto , est «sombre». Tetsuo est techniquement un film cyberpunk . La fiction cyberpunk s'intéresse au mélange des êtres humains avec des améliorations cybernétiques. Et Tetsuo: L'Iron Man prend cette impulsion et la catapulte à ses extrêmes cristallisés, en enlevant toutes les autres parties dans le seul but de «l'homme plus le métal». L '«homme» de cette équation, joué avec l'obsession hypnotique du réalisateur du film, considère les morceaux de métal comme des objets fétichistes violents qui méritent autant que possible nos éloges et notre fusion - sa toute première action dans le film est d'ouvrir la sienne. jambe et poussez un morceau de métal dedans. Mais quand un salarié (le mot japonais pour «col blanc») joué par Tomorowo Taguchi commence littéralement à faire germer du métal comme le point culminant de ses rêves violents et de ses fantasmes brouillant la réalité, les deux s'affrontent d'une manière implacablement nihiliste.

Tetsuo: L'Iron Man regorge d'images bouleversantes, en particulier lorsque le titulaire Iron Man et sa petite amie entièrement humaine ( Kei Fujiwara ) tente de copuler même s'il est, tu sais, un Iron Man. Mais ce n'est pas un choc pour le choc - Tsukamoto a beaucoup de choses en tête, et chaque facette de son rêve de fièvre, des effets de maquillage à la main sinistres à l'appareil photo maculé de 16 mm, parle au service de sa thèse ultime: la fusion de la technologie et la race humaine nous détruira tous totalement.

Bonne écoute, tout le monde! :)

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