Le directeur de la photographie de 'Nomadland' Joshua James Richards s'efforce de repenser la façon dont les films sont réalisés

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'Mon sentiment est que beaucoup de choses que vous voyez aujourd'hui seront tellement datées dans 15 ans.'

Y a-t-il une bonne façon de faire un film ? Sûrement pas. L'approche de Chanter sous la pluie était tout à fait différente de l'approche Les 400 coups ce qui était tout à fait différent de l'approche de Conducteur de taxi , mais cela ne rend aucun de ces films moins brillants ou influents. Mais après 100 ans à faire des films, le directeur de la photographie Josué James Richards pense qu'une partie d'Hollywood est devenue complaisante et tient à faire bouger les choses pour le mieux.

Le dernier film de Richards est réalisateur Chloé Zhao le drame brillant et émouvant Nomadland , qui met en vedette Frances McDormand en tant que femme qui vend la plupart de ce qu'elle possède et décide de vivre sur la route. C'est une histoire intime, axée sur les personnages, sur l'empathie et le chagrin, mais aussi sur la liberté de lâcher prise et la chaleur de trouver une communauté à laquelle vous vous sentez connecté. L'approche visuelle de Zhao et Richards sur le film perpétue une esthétique qu'ils ont établie avec leur film de 2017 Le cavalier – le film est baigné de lumière naturelle et s'attarde sur les visages et les corps, soulignant l'humanité des personnes au centre de l'histoire. C'est magnifique, certes, mais magnifique avec un but - la photographie naturaliste de Richards met l'accent sur la beauté du paysage américain, mais aussi sur la beauté des gens qui le peuplent.

J'ai récemment eu la chance de parler avec Richards de son travail sur le film, et il a parlé de sa relation avec Zhao et de la façon dont leur approche de Nomadland diffèrent de leur approche de Le cavalier . Il a également parlé de travailler avec des acteurs non professionnels et d'utiliser la caméra pour souligner l'histoire du point de vue du personnage de McDormand. Richards a également parlé avec passion de repousser l'obsession de l'industrie pour la beauté cosmétique, et comment dans Nomadland il y avait un respect pour les gens tout autant qu'il y avait un respect pour le paysage.

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Richards a également parlé d'essayer d'amener les gens à penser différemment la façon dont les films sont faits, en particulier en ce qui concerne la façon dont il pense que les équipes plus importantes ne se reflètent pas nécessairement dans des films plus beaux. Et à cette fin, avec Richards servant de caméraman sur le film Marvel très attendu de Zhao Éternels , nous avons parlé de la façon dont lui et le directeur de la photographie Ben Davis a maintenu l'esthétique caractéristique de Zhao sur un grand film Marvel tout en utilisant beaucoup de lumière naturelle.

C'est une conversation de grande envergure au cours de laquelle il est clair que Richards n'est pas seulement passionné par le cinéma et la cinématographie, mais aussi par la remise en question des conventions lorsqu'il semble que les conventions n'ajoutent rien de substantiel au film en cours. Il fournit également un aperçu fascinant de la façon dont l'un des meilleurs films de l'année a été réalisé.

Consultez l'interview complète ci-dessous. Nomadland sortira sur Hulu et dans certains cinémas et ciné-parcs le 19 février.

Image via Searchlight Pictures

Je suis curieux de savoir quand vous avez rencontré Chloé pour la première fois, quelle était votre relation de travail à l'époque et comment a-t-elle évolué au cours de votre collaboration ?

JOSHUA JAMES RICHARDS: Ouais, eh bien, nous nous sommes rencontrés pour la première fois à NYU, et notre premier film ensemble était Chansons que mes frères m'ont apprises . Et avec le recul, je pense que nous avons souffert de ce que font beaucoup de cinéastes débutants. Vous créez en quelque sorte votre propre chaos, je pense, il y a beaucoup d'anxiété et de défensive à propos de vos idées. Je pense que Chloé et moi avons, au fur et à mesure que les films avançaient, vous gagnez en confiance et une sténographie et une langue que vous voyez fonctionnent. Et donc vous commencez simplement à construire cela ensemble, et il y a tellement d'avantages à tirer de ces collaborations, car cela devient vraiment un raccourci tacite. Et ce qui est génial à ce sujet, c'est que cela permet en quelque sorte aux erreurs et à d'autres choses de s'infiltrer, car vous savez que vous avez une sténographie et une approche très solides. Donc c'est un peu comme la musique ou le jazz, on connaît la progression des accords, et ça permet... De temps en temps quelqu'un peut partir faire un petit solo ou un riff.

Plus précisément en ce qui concerne Nomadland , je veux dire, je sais que vous avez travaillé ensemble sur Le cavalier . Mais sur quoi portaient les premières conversations Nomadland ? Y avait-il quelque chose de différent de votre approche ici que vous vouliez aborder, que vous avez en quelque sorte appris sur Le cavalier ou d'autres choses que vous vouliez essayer cette fois ?

RICHARD : Oui. La plus grande chose avec Nomadland était le genre de paysage changeant. Le film parle d'identité, mais d'une sorte d'identité liée à un lieu spécifique. Un garçon Lakota qui se demande s'il doit rester à la maison ou partir à l'université, un jeune cow-boy qui se demande qui il est s'il ne peut pas faire ce pour quoi il est né, et soudain ce paysage devient une prison. Alors qu'en Nomadland , les premières discussions portaient sur : ' Comment pouvons-nous déplacer un public à travers ce paysage qui change et change constamment ? Comment les ancrer dans ce film, comment inventer le langage qui ponctue ces moments, et on peut les tracer très clairement géographiquement mais aussi émotionnellement très clairement ? Et c'est ainsi que nous utilisions le paysage.

J'ai donc lu un article sur Chloé et comment elle a en quelque sorte opéré sur ce film, où une équipe rencontrait les acteurs non professionnels la nuit précédente, et elle adaptait en quelque sorte le scénario en fonction de ce qui en résultait. Mais je suis curieux de savoir très précisément à quoi ressemblait le flux de travail pour vous. Parce que vous essayez de faire quelque chose de cinématographique et d'avoir l'air réel, mais aussi de vous ouvrir à la possibilité de spontanéité et d'autres choses qui pourraient arriver avec ces acteurs non professionnels.

RICHARD : Ouais. Je veux dire, je pense que d'après ce que j'ai appris, je pense juste que la préparation est la clé pour moi. Mais le flux de travail pour moi, mon pote, consistait à s'engager dans ce projet aussi longtemps qu'ils me le permettraient. Je voulais vraiment... J'ai juste pensé : 'Si je ne fais jamais un autre film, qu'il en soit ainsi. Mais c'est le film. J'étais juste là, mec. J'ai dit à mes agents, 'Pas de publicités, rien.' Et j'ai juste cherché pendant des mois, je cherchais des photographes et voyager avec Chloé ensemble, rencontrer les nomades était une grande partie de la préparation. Je sais que cela ne ressemble pas au flux de travail d'un directeur de la photographie, mais dans ce cas particulier, c'était vraiment le cas. Je voulais une relation avec les nomades, d'abord. Mais il fallait que j'en ai un pour que ce mode de prise de vue soit possible.

Il s'agit d'amener la caméra dans le lieu de l'intimité qui n'est pas forcée, mais réelle. D'une certaine manière, c'est bizarre, c'est comme une caméra qui écoute, et il y a une connexion entre la caméra et le sujet. Et ça, je pense juste que cela vient du fait que l'opérateur se soucie vraiment du sujet.

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L'un des plus grands pouvoirs du film pour moi, c'est qu'il ouvre cet accès à l'empathie pour chaque personne qui est à l'écran, et c'est évidemment une grande partie du travail de Chloé. Mais vous aussi, vous en tant que cadreur, vous êtes cette fenêtre à travers laquelle le public vient pour comprendre et comprendre les luttes que traversent tous ces gens. Évidemment, le dialogue le fait aussi, mais vous faites beaucoup avec votre appareil photo.

RICHARDS: Oui, et l'éclairage - c'est complètement la philosophie de l'éclairage, vraiment, si vous y réfléchissez. Je veux dire, imaginez que j'entre là-dedans et que je me dise: 'Ouais, ouais, c'est génial à propos de l'Hirondelle, Swanky. Mais ça te dérange si on te maquille juste ?' Je veux dire, qui serais-je ? Je viens de faire une diatribe à ce sujet auparavant, mais je veux le répéter parce que c'est [important]. En Amérique, mon pote, l'industrie cosmétique est la plus grande industrie. Donc nous, en tant que cinéastes, nous tous dans les médias mettant des images dans le monde avons une décision à prendre, n'est-ce pas ? Voulez-vous présenter les gens tels qu'ils sont, ou une version impossible de leur apparence afin qu'une jeune fille qui grandit regarde ces images et se rende compte qu'elle ne pourra jamais ressembler à ça ? Ou les gens ont tellement peur de vieillir qu'on se mutile le visage. Alors quand je vois Frances McDormand et Swanky... Je veux dire, juste en tant que directeur de la photographie, ça a été l'une des joies de ma vie de filmer leurs visages, parce que les visages deviennent de plus en plus intéressants avec le temps, mec. Nous avons tellement empoisonné notre mentalité, et nous avons tellement peur de la mort que nous ferons tout notre possible pour prétendre que ce n'est pas réel. Alors que ce film parle d'embrasser la mort, et il s'agit d'embrasser les fins, comment on finit, tu sais ? Et en ce qui concerne notre place dans ce monde, cette planète et ce paysage dans lequel nous nous trouvons. Si Dieu existe dans un film de Malick, le paganisme existe dans un film de Chloe Zhao.

J'aime ça.

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RICHARDS : Vraiment. Et je m'identifie à ça. Sur ce tournage il y avait un respect du paysage autant qu'il y avait des gens. Parfois, ces grands films maintenant, nous traversons ces endroits en trombe et nous laissons une cicatrice. Et cela n'arriverait jamais dans un film de Chloe Zhao. L'éclairage en ce qui concerne l'empathie, mais aussi la vérité et l'honnêteté, et aussi écouter et accepter les gens tels qu'ils sont, et capturer cela au lieu d'essayer d'imposer nos choses cinématographiques, cosmétiques, raffinées, embellissantes sans aucune autre raison que de gagner de l'argent, n'allait jamais trouver sa place dans ce film. Et il ne trouvera probablement pas sa place dans tout ce que je photographie. Et aussi, je suis plus enthousiasmé par la technologie avec les caméras et les capteurs qui se passe en ce moment, et le fait qu'ils deviennent plus ergonomiques et plus petits.

Je ne peux pas attendre que mon neveu puisse prendre un appareil photo, il a neuf ans, et il a le même capteur dessus que j'utilise pour filmer n'importe quoi, et il est capable de capturer ces images et de les comprendre et comment utiliser cet outil, et c'est juste à sa disposition. Et c'est ce que fait ARRI. Et quand vous évaluez un appareil photo comme nous l'avons fait sur Nomadland à 12h80, c'est comme une putain de vision nocturne, mec. Vous apportez des ombres. Et donc, voici le truc, qui prend moins d'équipe, ce qui est bien pour Chloé et moi, la façon dont nous voulons faire des films, mais pas nécessairement génial pour l'industrie hollywoodienne, si nos équipes deviennent plus petites et plus petit. Mais je me soucie un peu plus que la narration devienne de mieux en mieux, et visuellement plus excitante.

Eh bien, d'une certaine manière, vous supprimez davantage l'artifice, pour faire ressortir davantage la beauté naturaliste. Et c'est ce que je trouve si ironique à propos de ce film, c'est qu'il est beau et qu'il est obsédant dans sa beauté en éliminant tout cela. Cela semble un peu naturaliste et cela ne semble pas trop stylisé, mais c'est cinématographique. Et je me demandais comment vous respectiez cette ligne entre, vous ne faites pas un documentaire, vous ne faites même pas nécessairement un docudrame, mais cela semble naturaliste.

RICHARD : Ouais. Je veux dire, ce mot, cinématographique, c'est comme, qu'est-ce que c'est ? Hitchcock fait un bien meilleur travail que je n'aurais jamais pu le faire dans Hitchcock/Truffaut, ce grand livre. Une grande partie de ce livre ne fait que discuter de ce qu'est cette chose, cinématographique? Pourquoi dois-je regarder ça ? Pourquoi est-ce Fenêtre arrière si cinématographique? Parce que ça ne peut pas être une pièce de théâtre, ça ne peut pas être un livre, ou ce ne serait pas aussi bon. Le tout est de regarder, de voir. C'est vraiment ce que le cinéma signifie pour moi. C'est comme si vous pouviez désactiver le dialogue dans Nomadland , et j'espère que vous le comprendrez toujours et que vous ressentirez toujours quelque chose. Donc, vous racontez des histoires avec des images en fin de compte, mais je passerai le reste de ma carrière à explorer ce que signifie le cinéma.

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Je suis également curieux de connaître votre relation avec Frances, car cette histoire est racontée de son point de vue, et la caméra, encore une fois, est cet œil vers son point de vue. Et donc il doit y avoir eu une sorte de relation symbiotique entre elle et la caméra et comment vous y opériez.

RICHARDS: Ouais, et c'était une première pour moi, et un plaisir d'avoir un acteur qui sait... Il ne s'agit pas de trouver ses angles, c'était d'apprendre d'elle en tant que conteuse. Encore une fois, ce n'est pas cosmétique avec Fran, elle se coupe les cheveux, pas d'équipe de maquillage à l'horizon, et j'ai travaillé assez étroitement avec elle et Chloé avec le costume aussi, et aussi dans la construction de Vanguard du point de vue de la conception de la production . Juste pour commencer, Fran avait beaucoup à dire, parce que Vanguard est vraiment un personnage du film, je veux dire qu'il l'est vraiment. Et elle nous a aidés à construire ça, c'était son idée par exemple d'apporter les assiettes de son père, des petits accessoires comme ça. Mais ouais, et c'était incroyablement intime là-dedans avec Fran et moi, tu sais ? Un critique qu'elle aime citer a un jour décrit son visage comme un parc national, et c'est très vrai, je peux en témoigner.

Et j'ai l'impression d'avoir très bien connu cette partie, et il y a une complexité dans le visage de Fran, il y a une complexité pour elle en tant que personne et ses performances qui, depuis que j'ai vu Fargo enfant, je l'identifiais comme l'un des géants du cinéma. Et aussi, je pense juste qu'elle apporte un humour et une relativité aux personnages que vous voyez rarement.

Nous avons créé son look basé sur un film de Carl Dreyer, Jeanne d'Arc , qui a également influencé les gros plans et la façon dont nous avons tourné le film. Si vous voulez parler d'empathie, je veux dire ce film, c'est tout. Si je devais décrire à quelqu'un ce qu'est l'empathie, je lui montrerais probablement Jeanne d'Arc . Et nous avons également parlé de Buster Keaton et de Charlie Chaplin. Je pense que, comme cette scène où elle erre dans les badlands, je suis aussi tombé amoureux du langage corporel de Fran. Et donc ces plans plus larges d'elle marchant, je voulais constamment m'éloigner de Fran parfois aussi, à cause de son jeu physique. Et oui, c'était vraiment parfois comme si elle canalisait quelque chose de... Je veux dire, cette séquence, mec, dans les badlands quand elle est perdue, mec, ce n'est pas facile de faire ça en tant qu'acteur. 'Allez, vous avez l'air perdu.' Et le faire pour frapper ces rythmes, et je réagirais juste en quelque sorte à elle, vraiment. Je lui disais généralement : 'Ecoute, je dois regarder dans cette direction, Fran, à cause évidemment de la lumière et tout ça. Mais vas-y, je m'adapterai, ne t'inquiète pas. Et c'est là que le Ronin 2 est vraiment utile, il s'agissait de s'adapter à ce qui se passait plutôt que de donner aux gens des marques et des choses très spécifiques à frapper. Nous avions vraiment besoin de permettre à la liberté de se faire sentir tout le temps.

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Chloé fait-elle tout le storyboard ?

RICHARDS: Ouais, sur nos premiers films, nous aurions peut-être dessiné plus de diagrammes. Des diagrammes pour la plupart, comme une sorte de diagramme aérien aérien. Mais ensuite je pense qu'au moment où il est venu Nomadland , il y a une telle confiance entre nous, et vous avez vraiment vécu le film pendant des mois avant d'arriver sur le plateau, donc il y a une compréhension silencieuse. Mais Chloé viendra aussi et aura parfois des cadres très spécifiques à l'esprit, et je n'aurai aucun problème à ce qu'elle mette la main sur l'appareil photo, ce faisant. Mais aussi, elle a scénarisé sur Marvel Éternels , ça c'est sûr. Elle fait de beaux storyboards. Mais non, j'adhère à Werner Herzog, 'Le storyboard est pour les lâches'.

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Eh bien, vous avez mentionné Marvel. Je suis curieux, je sais que vous étiez cadreur sur Éternels . Lorsque vous vous présentez sur le plateau, et que des centaines de millions de dollars ont été investis, et que vous avez des costumes partout et une conception de production énorme. Je suis curieux de savoir quelle a été spécifiquement votre collaboration avec Ben Davis en tant que directeur de la photographie, comment c'était pour vous de... Je ne sais pas si prendre du recul est le bon mot, mais soyez le caméraman, mais en veillant toujours à ce que cela ressemble à un film de Chloe Zhao.

RICHARD : Ouais. Je pense que tu y as répondu là, mon pote. C'était, Ben était au courant de notre collaboration, et j'étais conscient que je n'avais pas l'expérience pour naviguer sur ce navire en fait. J'ai été le premier à lever la main et à dire cela, et je voulais vraiment que Chloé ait autant d'expérience et de soutien derrière la caméra que possible. Je pense qu'au fur et à mesure que leur collaboration avançait, ils se sont dit: 'Eh bien, écoutez, hé, que diriez-vous d'amener un opérateur avec lequel vous êtes tout à fait à l'aise, qui vous comprend, qui comprend votre langue… Et vraiment, c'est moi. J'étais heureux de plonger et d'apprendre de Ben, et de voir à quoi cela ressemble de naviguer sur un navire aussi gros.

De votre point de vue, vous semble-t-il en phase avec Nomadland et Le cavalier ?

RICHARD : Ouais. Je veux dire, Ben Davis l'a mieux dit, lui et je pense que son chef discutait et ils se disaient: 'Oh, le temps où nous pouvions faire des films avec 25 personnes ne vous manque-t-il pas?' Et Ben a dit: 'Eh bien, nous le faisons toujours d'une certaine manière. Les 25 chefs de département sont les mêmes, donc le noyau interne est un peu le même. C'est juste qu'ils ont tous 10 assistants, ou une plus grande équipe travaillant sous eux. Mais savez-vous ce que je veux dire ? En termes de prise de décision et d'essence réelle du cinéma, le langage est le même. Donc c'est juste que les outils grossissent, et donc la main d'oeuvre se multiplie drastiquement, ouais.

J'ai interviewé Rachel Morrison lorsqu'elle faisait des reprises sur Panthère noire . Et elle a dit que le plus grand défi pour elle était de maintenir la profondeur de champ et la cohérence de l'éclairage, car vous tournez une scène qui est censée se dérouler sur trois minutes, mais vous la tournez sur deux semaines à l'extérieur, et vous avez affaire avec une couverture nuageuse différente et tout comme ça. Était-ce l'un des grands défis pour vous les gars?

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RICHARDS : Je vois ce que vous voulez dire. Ouais, tu sais quoi mec ? Je dirai, rien de ce que dit Rachel Morrison ne s'applique en aucune façon au film de Chloé, c'est ce que je peux dire. Ce qui signifie que si Chloe Zhao veut filmer en pleine lumière, elle le fera, et il y a une scène dans Éternels qui a été tourné exactement de la même manière que nous avons tourné Nomadland . Une lumière complètement naturelle, un peu d'équilibre, cinq acteurs qui courent partout, une course contre le soleil exactement comme nous l'avons fait Nomadland . Et je pense que c'est génial, et je pense que nous devons... Chloé et moi sommes sur le point de repenser ou de réfléchir à la façon dont nous voulons faire les films. Je pense que c'est une conversation beaucoup plus importante et intéressante, c'est très rare et c'est sur la façon dont nous faisons des films. Cela ne se présente pas, car une fois que vous avez trouvé un modèle qui rapporte de l'argent, pourquoi voudriez-vous le changer ?

Eh bien, vous pouvez me prouver le contraire, car ils le font depuis des lustres et cela rapporte beaucoup d'argent. Mon argument est : 'Oui, mais la forme d'art est toujours coincée dans le canal de naissance, et donc ce soi-disant professionnalisme dont vous parlez est une illusion.' C'est comme si j'avais une formation en peinture. Imaginez-moi me promenant en disant que je suis un peintre professionnel. Vous sauriez que je ne suis pas un très bon peintre si je vous disais cela, et je ressens la même chose avec le cinéma. « Alors, vous êtes un professionnel ? » Je me dis: 'Je n'ai aucune idée de ce que cela signifie vraiment. Voulez-vous dire que je sais ce qu'est la lumière à trois points ? En tant que directeur de la photographie, soyons francs, qu'est-ce que cela signifie ? Que je sais me servir d'une grosse grue Condor ? Est-ce cela qui fait de moi un professionnel ? Ce qu'il fait, c'est que les gens ne pensent souvent pas aux différentes façons de faire des films, ou à la bonne façon de faire le film.

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C'est juste ces approches arbitraires. J'ai été sur d'autres gros sets, pas nécessairement une tonne de ceux-là. Mais d'autres grands décors, et je vois juste une telle surabondance d'équipes et d'éclairages, et je ne peux pas, pour ma vie, voir ce que cela ajoute. Pourquoi est-ce que ça a l'air mieux que si vous le faisiez simplement naturel? Je me bats ici. La plupart du temps, je suis désolé, c'est parce que cela montre des gens de l'industrie qui ne savent pas ce qu'est la cinématographie. [Ils pensent] que vous êtes équipé pour utiliser tout cet équipement, alors vous êtes un professionnel. Et je ne sais pas nécessairement ce que cela a à voir avec la narration. Il y a des films qui, bien sûr, aiment laisser fleurir des milliers de fleurs, mais à la fin, il y a un million de façons d'éclairer quelque chose. J'ai l'impression que beaucoup de choses que vous voyez aujourd'hui seront tellement dépassées dans 15 ans.

Nomadland sortira sur Hulu et dans certains cinémas et ciné-parcs le 19 février.