Comment obtenir un emploi en animation aux Walt Disney Studios

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À WonderCon 2015, les recruteurs de Disney donnent des conseils sur la façon de décrocher un emploi en tant qu'animateur aux Walt Disney Animation Studios et à Disney Television Animation.

À WonderCon ce week-end, je me suis amusé à couvrir les studios d'animation Walt Disney et Disney Television Animation: Careers at Disney Animation panel avec Camille Eden (Manager, Recrutement), Matt Roberts (Recruteur artistique), et Brooke Keesling (Réalisateur, Développement des talents) qui a partagé certains des différents rôles créatifs qui aident à faire des films d'animation et des émissions de télévision. La discussion était animée par l'animateur de Disney Darrin Butters , qui a travaillé sur Grand héros 6 et Congelé , et a offert un aperçu des coulisses de cette forme d'art incroyable. Le panel a commencé par une courte projection présentant l'animation cinématographique et télévisuelle la plus populaire des studios Disney et s'est terminé par une séance de questions-réponses.

Les panélistes ont parlé des différentes approches de chaque studio; ce que c'est de travailler dans un studio vertical où tout est fait en interne; le processus de développement dans le pipeline du studio; l'environnement de travail collaboratif, rapide et amusant; comment l'art et la technologie sont combinés; comment chacun travaillant chez Disney contribue au processus; l'importance de rester fidèle à la vision de l'ensemble de l'organisation; pourquoi ils veulent des candidats ayant un fort sens de l'attrait, de l'esthétique et de la narration; leur programme de formation et leurs possibilités de stages; ce qu’ils recherchent dans le portfolio d’un candidat; les meilleurs postes de niveau d'entrée pour les récents diplômés du collège; et l'importance du soutien par les pairs et de la rétroaction honnête.

Photo via Sheila Roberts

Voici 15 choses importantes à savoir si vous souhaitez poursuivre une carrière dans l'animation chez Walt Disney Studios:

  • Disney Television Animation est un environnement au rythme rapide et comporte généralement environ 12 séries à différents stades de production à un moment donné. Ce sont des émissions axées sur les créateurs. De nouvelles personnes qui veulent être des créateurs viennent présenter des idées. S'ils sont approuvés, ils font des pilotes et DTVA décide lesquels seront allumés en vert pour une nouvelle série. Ils ont également des propriétés patrimoniales qui prennent des idées de propriétés existantes dans l'héritage de Disney.
  • À Disney Television Animation, les créateurs d’émissions sont aux commandes et apportent leur vision à la table, mais ils ne sont pas nécessairement les réalisateurs de leurs propres émissions. Parce qu'il y a tellement d'émissions en cours à un moment donné, le créateur de l'émission supervise tout cela, mais il y aura différents réalisateurs.
  • Walt Disney Animation Studios est plus axé sur les réalisateurs. Ils font un film par an. Ils travaillent actuellement sur leur 55efilm, Ils ont également un programme de courts métrages et des projets spéciaux. Leur contenu est cultivé localement et leurs écrivains font partie du studio. Il faut avoir le statut de réalisateur pour présenter un film.
  • Walt Disney Animation Studios a trois normes importantes, qui sont de raconter des histoires fascinantes, de créer des mondes crédibles et des personnages attrayants. Tout commence et se termine par une histoire.

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  • Le processus de réalisation de films est divisé entre 14 départements dans trois grands domaines: le développement, la production d'éléments et la production de plans. C'est un studio vertical, ce qui signifie que tout est fait en interne. C’est un environnement très collaboratif et leurs services travaillent ensemble en permanence tout au long du processus.
  • Chez Disney Animation, l'art et la technologie sont combinés et fonctionnent ensemble. Le studio dispose de spécialistes de la technologie qui travaillent pour l'ensemble du pipeline.
  • Walt Disney Animation Studios dispose d'une équipe d'artistes en développement visuel, tandis que Disney Television Animation recherche des rôles très spécifiques tels que le directeur artistique, le concepteur d'arrière-plan, le peintre d'arrière-plan et le styliste couleur.
  • Les artistes de l'histoire de Walt Disney Animation Studio travaillent de manière très grossière et gestuelle, car ils font beaucoup d'itérations de nombreux plans et scènes identiques à mesure que le film se développe. Dans l'animation télévisée, l'histoire et les révisions sont plus serrées.
  • Disney n'a pas tendance à embaucher beaucoup d'écrivains pour l'animation télévisée, car la plupart de leurs émissions sont axées sur le storyboard et les artistes du storyboard en font l'écriture.
  • Photo via Sheila Roberts

    Travailler chez Disney Animation est amusant, rapide, et les artistes s'entendent très bien et se nourrissent mutuellement de leur créativité. Vous travaillez avec vos pairs et apprenez les uns des autres. Tout le monde est là pour réaliser le meilleur film possible.
  • Si vous postulez pour un poste de débutant, votre portfolio doit révéler votre capacité à raconter une histoire telle qu'un film d'étudiant, un roman graphique ou une bande dessinée que vous avez créée. Le studio recherche un savoir-faire solide, une capacité à faire une variété de styles, et que vous observez de la vie et pas seulement en dessinant à partir d'autres dessins.
  • Un révisionniste de storyboard, qui nettoie les dessins de storyboard d'un artiste de storyboard chevronné, est un bon travail d'entrée de gamme. Si Disney Television Animation aime votre capacité à raconter des histoires, il vous enverra un test de scénarimage pour évaluer votre potentiel.
  • Walt Disney Animation Studios propose un programme de formation au développement de films pour les artistes d'histoire qui a lieu deux fois par an. Les disciplines varient en fonction des besoins des studios. Il s’agit d’un mentorat rémunéré d’une durée de 3 mois à 1 an dans le cadre duquel vous êtes jumelé à un artiste Disney résident. (Aller à DTVATALENT@DISNEY.COM et DISNEYANIMATION.COM/CARRIERES pour plus d'informations)
  • Dans un grand studio comme Disney, vous avez tendance à être embauché pour une chose en particulier. Il est bon d’avoir une spécialité, comme une majeure qui se concentre sur l’histoire, mais aussi une mineure qui se concentre, par exemple, sur la conception de personnages. La polyvalence dans les deux mondes vous rend plus commercialisable pour l'industrie en général.
  • C’est un moment cool pour essayer de vous lancer dans l’industrie de l’animation, car vous avez les ressources du monde à portée de main aujourd’hui. Entourez-vous d'un groupe d'artistes que vous respectez, qui ne vous diront pas nécessairement ce que vous voulez entendre et qui vous mettront au défi et vous donneront des commentaires honnêtes.

Consultez une transcription complète du panel ci-dessous.

Photo via Sheila Roberts

Modérateur DARRIN BUTTERS: Commençons par nous présenter.

BROOKE KEESLING: Je suis le directeur du développement des talents d'animation pour Disney Television Animation. La télévision est un environnement au rythme très rapide où nous avons généralement environ 12 séries à différents stades de production à un moment donné. Notre objectif principal, ce sont les émissions axées sur les créateurs. Gravity Falls a été créé par Alex Hirsch. Il est le créateur de cette émission. C’est la personne qui apporte la vision à la table. Nous avons Penn Zero et Star contre les forces du mal . C’est le spectacle de Daron Nefcy. Elle apporte la vision à la table pour ce spectacle. Nous avons quelques émissions à venir, dont Future-Worm! et Cornichon et arachide sortira bientôt. Ils sont vraiment drôles. Notre objectif principal est nos émissions axées sur les créateurs, mais nous avons également des propriétés patrimoniales, ce qui signifie que nous pouvons prendre des idées de toute propriété existante de l'héritage Disney, comme le Mickey shorts. Paul Rudish est la personne qui dirige le Mickey shorts. Il a eu une longue carrière dans l’animation. Il a pris ce que tout le monde aime chez Mickey et a réfléchi à la façon de le rafraîchir tout en restant fidèle à son personnage. Nous avons un calendrier très rapide. Nous faisons toujours plus d’un épisode à la fois. Nous faisons également des pilotes. Donc, nous avons de nouvelles personnes qui veulent être les créateurs de nos prochaines propriétés et elles viennent nous présenter des idées. Et puis, nous faisons des pilotes et nous décidons lequel de ces pilotes nous voulons donner le feu vert à une nouvelle série. C'est Disney TV Animation.

CAMILLE EDEN: Je gère le recrutement chez Walt Disney Animation Studios. L’une des différences entre nous par rapport à l’animation télévisée est que nous faisons un film par an, et en plus de cela, nous avons un programme de courts métrages. Bref de l’année dernière, Le banquet, a effectivement remporté l'Oscar. Nous avons également des projets spéciaux dans les studios. Tout cela combiné est une partie du travail que nous faisons chez Walt Disney Animation. Notre contenu est développé chez nous. Tout est original en studio. Nos écrivains font partie du studio de Walt Disney.

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MATT ROBERTS: Je gère tous les rôles artistiques frontaux comme l'animation, le développement visuel, l'histoire et la modélisation. Nous sommes davantage axés sur les réalisateurs, à l'exception de notre programme de courts métrages. Si vous présentez un film dans notre studio, vous devez avoir le statut de réalisateur. Peu importe qui est notre réalisateur ou quel est le film, nous essayons de soumettre tout film que nous réalisons à trois normes très importantes, à savoir raconter des histoires captivantes, créer des mondes crédibles et également créer des personnages attrayants. Ce sont trois vérités que vous devriez, espérons-le, trouver dans n'importe quel film, qu'il s'agisse d'un court métrage, de projets spéciaux ou d'un long métrage qui vient de nous.

Pouvons-nous parler des différences dans les rôles créatifs du studio?

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ROBERTS: Avec Walt Disney Animation Studios, notre processus de réalisation de films est réparti entre 14 départements répartis en trois grands domaines: le développement, la production d'éléments et la production de plans. Je vais commencer par le développement. Nous sommes un studio vertical, ce qui est une façon obscure de dire que tout est fait en interne pour nous. Cela va de l’histoire à l’éclairage et à l’éditorial à l’arrière. Nous sommes un environnement très collaboratif. Nous ne sommes pas vraiment un pipeline linéaire où un département fait quelque chose, puis jette le travail par-dessus la clôture pour que le département suivant s'en charge. Nous essayons de travailler de manière plus circulaire, où tout le monde est en train de résoudre les problèmes ensemble pour nous assurer que nous allons avoir un pipeline vraiment propre et fluide et que tout le monde y participe ensemble. En ce qui concerne les rôles créatifs dans le développement, tout commence vraiment par une histoire. L'histoire est vraiment dirigée par le réalisateur, le responsable de l'histoire et le scénariste. Mais, dans la salle d'histoire, ce sont les trois qui travaillent avec toute l'équipe de l'histoire, c'est-à-dire tous nos artistes qui travaillent ensemble pour résoudre les problèmes et créer les mondes, étoffer les personnages et faire en sorte que nous ayons un film vraiment divertissant. De plus, nous avons un cheminement de carrière que je ne pense pas que beaucoup de gens connaissent, mais nous avons une équipe de développement qui a généralement une formation en rédaction. Ils travaillent également avec le réalisateur à l'avant, pour l'aider à décrire les mondes et à étoffer l'histoire avant qu'ils ne soient allumés en vert et n'entrent en production.

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En plus de l’histoire dans le front-end, nous avons également le développement visuel, qui sont les artistes qui font tous les beaux arts que vous voyez dans les livres «l’art des» chaque fois qu’un film sort. Ils sont comme deux extrémités. Ils peuvent faire les choses vraiment amusantes et exploratoires à l'avant, ce qui aide le réalisateur à visualiser les idées. Mais ensuite, ils ont aussi un vrai aspect technique à leur travail où ils doivent faire des peintures vraiment techniques ou des délais de dessin pour préciser à quoi les actifs doivent ressembler plus loin dans la production de CG.

EDEN: La prochaine étape est la production d'actifs. C’est là que sont créés de nombreux personnages et environnements. Donc, nous aurons la modélisation et le rigging. C’est un environnement collaboratif. Ces services travaillent constamment ensemble tout au long du processus et font équipe. Dans certains studios, vous pouvez l'avoir là où vous gérez un actif, puis vous le transmettez au groupe suivant. Chez Walt Disney Animation Studios, nos départements travaillent en étroite collaboration tout au long du film. Et puis, une fois qu'ils ont travaillé sur la production d'actifs, ils se lancent dans la production réelle de plans où les choses entrent comme les effets et l'éclairage, où vous prenez la scène et vous l'éclairez. Cela passe tout au long de la stéréo. Tout cela se passe dans le back-end. Encore une fois, cette collaboration peut aller de l'avant du pipeline à l'arrière et de l'arrière à l'avant, mais nos équipes travaillent constamment ensemble. Un autre domaine qui est unique aux studios d'animation Disney est que l'art et la technologie sont combinés. Nous travaillons constamment avec notre département de technologie et nous avons également des spécialistes de la technologie dans chaque discipline qui travaillent parfois pour l'ensemble du pipeline.

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Nous avons également un éditorial qui fonctionne par le biais de la gestion de la production. La gestion de la production va du début à la fin. Ils portent vraiment le film à travers et aident à faire avancer ces plans tout au long du processus. Encore une fois, vous verrez tous les croisements, avant et arrière. Nous devons vraiment travailler ensemble. Comme le dit le proverbe, il faut un village. Nous croyons vraiment que tout le monde dans le studio est un cinéaste parce que tout le monde fait partie de ce processus tout au long.

ROBERTS: Tout le monde prend des notes sur nos films au fur et à mesure que nous parcourons les différentes projections et itérations.

BUTTERS: C'est amusant parce que vous avez la possibilité de dire au réalisateur et au producteur ce que vous avez pensé du film dans la scène dans laquelle il se trouve. Vous pouvez dire: «Je ne comprends pas pourquoi ce personnage serait motivé pour faire ça», et vous arriver à envoyer ce droit au sommet de la chaîne. Et ils écoutent. Ils lisent chaque note. C'est incroyable. Une chose que je voudrais également souligner est que vous ne faites pas l’histoire pour ensuite passer à l’animation. L'histoire travaille tout le film.

ROBERTS: John Lasseter aime utiliser cette vieille phrase où nous disons qu'aucun de nos films n'est jamais terminé. Ils viennent juste de sortir. Si vous mettez le pouvoir entre les mains de nos artistes, ils continueraient à le retravailler pour essayer de rendre les choses de plus en plus parfaites. Mais cela arrive juste à un point où vous devez le publier au public et j'espère qu'ils l'apprécieront.

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KEESLING: Les rôles créatifs pour Disney Television Animation sont un peu différents. En tant que recruteur pour notre studio, beaucoup de gens me postuleront parfois en me disant: «Oh, je veux faire Vis-Dev, qui est l'abréviation de développement visuel. C’est un titre qui vous convient davantage. Vous avez une équipe d'artistes Vis-Dev. Pour la télévision, Vis-Dev se décompose en toutes les petites parties. Le développement visuel serait le directeur artistique, le concepteur d'arrière-plan, le peintre d'arrière-plan et le styliste couleur. Il y a quelqu'un appelé un styliste de couleur à chaque émission. Ils choisissent toutes les couleurs de tout ce que le peintre d’arrière-plan ne peint pas. Et puis, nous avons aussi des artistes de storyboard et des révisionnistes de storyboard. J'aime dire aux plus jeunes, aux étudiants, que s'ils sont intéressés par l'histoire, faire des révisions de story-board est un bon travail d'entrée de gamme dans Disney Television Animation. Donc, tous ces rôles sont ceux qui fonctionnent pour nous. Ce sont des designers et des scénaristes. Puis, à la barre, il y a le créateur de la série et ce sont eux qui apportent la vision à la table. Les créateurs d'émissions ne sont pas nécessairement les réalisateurs de leurs propres émissions, et cela peut être un peu déroutant pour les gens. Il y a tellement de spectacles à tout moment. Nous en avons un sur lequel ils sont toujours en train de lancer les tableaux et il est toujours sur les miniatures. Et puis, nous en avons un autre où l’histoire est plus étoffée. Donc, le créateur de l'émission supervise tout cela, alors qu'il y aura différents réalisateurs. Chaque équipe peut avoir deux ou trois réalisateurs qui travaillent sur tous les différents épisodes à venir. C'est vraiment rapide, mais c'est très amusant et il y a beaucoup de superpositions qui se produisent dans chaque équipage. J'espère que c'est clair pour vous. Il y a beaucoup de similitudes avec la façon dont nous travaillons et puis il y a des différences subtiles.

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ROBERTS: Même stylistiquement quand elle parle d'histoire, pour les artistes de l'histoire de notre studio, nous voulons que vous travailliez très grossièrement, très gestuellement, car vous faites beaucoup d'itérations de beaucoup de mêmes plans et scènes encore et encore. le film se développe. Donc, nous avons besoin que vous travailliez rapidement mais toujours avec ce sentiment d'attrait très fort, alors que dans l'animation télévisée, votre histoire et vos révisions sont beaucoup plus serrées.

KEESLING: Rapide et sale. Ils sont super lâches au début. Ce sont parfois de petites vignettes sur de petits post-it. Et puis, au fur et à mesure qu’ils seront plus satisfaits de l’histoire, ils la placeront dans un endroit plus serré. On va vers une sorte d'animatique final très serré qui ira ensuite au département animation. Une question que je reçois souvent concerne les écrivains. Nous n'avons pas tendance à embaucher une tonne d'écrivains pour l'animation télévisée, car la plupart de nos émissions sont axées sur le storyboard, ce qui signifie que les artistes du storyboard font également l'écriture. Nous avons des émissions basées sur des scripts, mais la plupart d'entre elles sont basées sur des scénarimages.

Qu'est-ce que ça fait de travailler chez Disney Animation? KEESLING: C’est super rapide mais c’est vraiment amusant. C’est un excellent lieu de travail. Les artistes s'entendent toujours très bien. Nous nous nourrissons toujours mutuellement de leur créativité. Le rythme est rapide car il y a tellement d'épisodes à faire et les horaires des épisodes ne sont pas si longs. Donc, à ce niveau, si vous aimez l'environnement au rythme plus rapide, c'est certainement un endroit où vous vous épanouiriez. C’est super amusant, très axé sur l’équipe.

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En tant que responsable du recrutement là-bas, si je sais qu'une personne est en pause d'une émission, comme si nous avons un artiste de storyboard qui part de Errer , Je dirai: 'Hé, Gravity Falls , avez-vous besoin d'un scénariste en ce moment? ' Nous essayons de garder notre talent autant que possible et nous réussissons très bien avec cela. Nous sommes très favorables et nous pensons tous que nous sommes honorés de faire partie du Disney Studio, l'environnement Disney. Nous avons un héritage à conserver. Nous devons rester fidèles à la vision de l'ensemble de l'organisation et nous faisons de notre mieux pour la maintenir et nous amuser avec elle. Cela fait partie du contrat de travail pour Disney. De plus, nous pouvons aller à Disneyland, ce que nous aimons. Il y a donc de nombreux avantages à travailler chez Disney. C’est une entreprise formidable, vraiment amusante et axée sur la famille.

EDEN: Une des parties de notre culture est l'héritage. Nous sommes actuellement sur notre 55efilm, Zootopie , que nous prévoyons de publier au printemps de l'année prochaine. Je suis vraiment excité à ce sujet. Nous ne cessons de dire collaboration mais c'est vrai. C'est un environnement hautement collaboratif. C'est juste une partie de la clé. Une chose spéciale qui est incroyable à propos du studio est que vous travaillez avec vos pairs et que nous apprenons les uns des autres. Nous partageons. C’est une constante dans tout ce que nous faisons. C'est amusant de travailler chez Disney.

ROBERTS: Ce que j'aime vraiment dans notre studio, c'est qu'il y a très peu d'ego. Tout le monde est là pour faire le meilleur film possible. Nous sommes très, très fiers du succès de Congelé et Grand héros 6 , mais nous célébrons essentiellement pendant une semaine, puis c'est comme si nous devions faire Zootopie aussi bien que possible. Donc, c’est comme sauter dans le tuyau pour nous assurer que nous faisons tout ce que nous pouvons pour travailler ensemble pour offrir au public un film vraiment génial.

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De plus en plus, c’est l’art et la technologie qui travaillent ensemble. C’est comme si les deux côtés s’inspiraient mutuellement ces jours-ci, là où la technologie dit: «Que pouvons-nous faire pour vraiment faire briller notre art dans le domaine de la CG?» Dans le même temps, nos artistes sont de plus en plus à l'aise de s'adresser à nos ingénieurs en disant: «C'est une idée que nous avons. Existe-t-il un moyen de créer un outil pour rendre cela plus facile pour les films à venir? » Avec chaque film, nous essayons de ne pas nous répéter. Nous voulons vraiment offrir au public une expérience différente. Nous voulons vraiment pousser la forme d'art et notre réalisation de films avec chaque cheval hors de la porte. Nous faisons tout notre possible pour vous divertir. Nous vous remercions de venir voir notre film.

BUTTERS: Et juste le fait qu'ils restructurent notre bâtiment en ce moment. Nous avons une nouvelle construction et tout est destiné à nous rendre plus collaboratifs, ce qui nous facilite la tâche, et c’est passionnant. Où que vous travailliez, demandez-leur de vous offrir une barre de céréales. Il y a des distributeurs de céréales et vous pouvez descendre avec un bol et le remplir. Ils ont un réfrigérateur avec tous les types de lait auxquels vous pouvez penser. C’est du glaçage sur le gâteau.

ROBERTS: Nous avons des vendredis bagels où ils ont des bagels pour tout le monde vendredi matin. Nous avons des fruits frais.

KEESLING: Nous accueillons le chef choisi par John Lasseter dans notre économat. C’est pour de vrai.

ROBERTS: Nos céréales sont de marque renommée. Nous sommes General Mills depuis le début.

BEURRES: Ouvrons cela au public pour des questions et réponses. Comment travaillez-vous avec d'autres départements tels que le marketing ou le merchandising des produits?

EDEN: Le marketing fait partie des Walt Disney Animation Studios. Comme Matt l'a dit, nous sommes un studio vertical, nous avons donc notre propre service marketing et notre propre service financier. Ils sont tous au studio avec nous. Ils travaillent avec une plus grande entreprise, mais encore une fois, ils font partie de ce pipeline tout au long du processus. Ils sont là depuis le début jusqu'à la sortie du film et au-delà.

ROBERTS: Nous avons également un rôle assez récent qui est comme un ambassadeur auprès de nos autres divisions. Lorsque nous avons des produits de consommation et des trucs qui sortent pour nos films ou des liens avec les parcs à thème, nous avons quelqu'un qui travaille en tant que représentant de notre studio qui se rend dans ces divisions pour superviser la qualité de la marchandise qui va être liée. un film ou tout autre thème qui va le représenter. Nous voulons nous assurer d'avoir une qualité artistique constante pour nos films.

Envisagez-vous d'intégrer l'une des séries actuellement à la télévision dans un long métrage?

ROBERTS: Malheureusement, nous ne savons pas. Là où se situe actuellement notre culture créative, nos réalisateurs présentent des idées originales au sein de notre studio. Je pense que nous sommes très admirables dans ce que fait chaque studio.

KEESLING: Le contraire se produit plus en ce moment. Il y a certaines choses dont je ne peux pas parler, mais certaines choses qu’ils ont faites avant nous et qui pourraient maintenant faire un pas.

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ROBERTS: Ce qui est drôle, c'est qu'avec le Mickey shorts, nous avons fait le Obtenez un cheval bref en même temps que Paul Ruddish faisait le Mickey shorts pour eux. Ce n’était pas censé être un lien. C'était juste une coïncidence. Et puis, au fur et à mesure que chaque film se terminait, je pense que les créateurs se réunissaient et se disaient: 'Oh, qu'est-ce que tu fais?' et il y avait cette admiration mutuelle entre les réalisateurs qui pensaient que c'était tellement cool que vous preniez Mickey de cette façon.

Quels sont les postes d'histoire d'entrée de gamme auxquels un récent diplômé d'université pourrait postuler? Que recommanderiez-vous à quelqu'un qui souhaite se lancer dans le développement d'histoire et éventuellement raconter des histoires avec la famille Disney?

KEESLING: Pour l'animation télévisée, une chose que je recherche dans les portfolios, c'est que j'aime voir les films d'étudiants des gens. Si vous allez dans une école qui ne vous fait pas faire un film, alors faites-vous un film, car nous aimons voir votre capacité à raconter une histoire. Je regarde aussi les romans graphiques et les bandes dessinées, c'est donc quelque chose que je recherche dans les portfolios. Un travail d'entrée de gamme serait un révisionniste de storyboard, qui est une personne qui nettoie les dessins de storyboard qu'un artiste expérimenté de storyboard aurait dessiné. Postuler à des postes révisionnistes est une bonne voie à suivre. Nous enverrons des tests. Si nous recherchons un artiste de storyboard dans une émission ou un révisionniste de storyboard, nous pouvons vous envoyer un test de storyboard. Vous devez d'abord faire approuver votre portfolio, car nous ne voulons pas envoyer de test bon gré mal gré à des centaines de personnes. Mais s’ils voient une lueur de ce qu’ils recherchent dans leur émission, nous vous enverrons un test, puis vous le renvoyez, et vous pourriez être la personne qui décrochera le poste.

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ROBERTS: Pour notre studio, nous avons en fait un programme de formation au développement de films pour les artistes de l'histoire. Nous n'aimons pas jeter les jeunes diplômés sur un film tout de suite parce que c'est très stressant pour quelqu'un qui n'a jamais travaillé sur un film auparavant. Notre programme de formation a lieu deux fois par an. Les disciplines varient parce que nous essayons d'anticiper les besoins que nous allons avoir sur toute la ligne, nous espérons donc vous préparer à un emploi. C'est de 3 mois à un mentorat rémunéré d'un an où vous êtes en fait jumelé à un artiste Disney résident qui va vous encadrer et vous montrer les ficelles du métier et essayer de développer vos compétences pendant cette période pour essayer de vous préparer à travailler sur un film. C’est censé être pour les étudiants diplômés. Il est conçu pour les artistes qui ont de 0 à 3 ans d’études universitaires, c’est donc le cadre. Nous voulons que vous soyez plus du côté des juniors parce que nous voulons voir le potentiel en vous et nous voulons essayer de développer cela dans la façon dont notre studio fait des films.

À quelle fréquence un poste d'artiste conceptuel est-il proposé pour l'animation télévisuelle?

KEESLING: Il est difficile de dire à quelle fréquence. Nous ne suivons aucun calendrier de saisons strict. L'action en direct est comme la saison pilote. Nous sommes toute l’année. Nous allumons les choses au vert au fur et à mesure qu'elles deviennent fraîches et prêtes à passer au feu vert. Donc, je ne peux pas dire à quelle fréquence. Comme je l’ai dit plus tôt, nous n’utilisons pas d’artiste conceptuel. Nous ne recherchons pas un artiste Vis-Dev. Nous recherchons les rôles très spécifiques. Alors, je recherche des peintres d'arrière-plan. Je cherche des dessins de personnages. Nous aimons voir un dessin vraiment fort et nous aimons voir que vous pouvez faire une variété de styles parce que nos spectacles sont tous différents les uns des autres.

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La façon dont le programme de mon école est organisé, je dois faire un choix entre la télévision, le cinéma, l’art et l’écriture, mais je veux tout faire. Dans quelle direction dois-je aller?

KEESLING: Vous avez toute votre vie devant vous. Ne laissez pas la pression à la baisse de l’homme, étant votre école, vous décider aujourd’hui. Ne les laissez pas vous effrayer. Choisissez-en un et essayez-le, et si ce n’est pas le cas, réalisez simplement que vous n’avez pas à apprendre tout ce que vous devez savoir à l’école. Vous en apprendrez beaucoup une fois que vous serez sorti et que vous travaillerez. Alors, choisissez la chose qui vous semble la plus proche de ce que vous pensez vouloir faire. Et si vous changez d'avis, vous pouvez changer d'avis. C’est un pays libre.

ROBERTS: Lorsque vous êtes embauché dans un plus grand studio comme nous ou TV Animation, vous avez tendance à être embauché pour une chose spécifique. Ce n’est pas comme si vous alliez flotter partout, mais cela dit, je pense qu’il est bon d’avoir une spécialité, comme avoir une majeure, mais peut-être avoir une mineure. Donc, si l'histoire est ce que vous voulez faire, mettez vraiment l'accent sur l'histoire. Mais si vous êtes également intéressé par la conception de personnages ou quelque chose comme ça, je dirais quand même de développer ces côtelettes aussi, car si vous avez cette polyvalence dans les deux mondes, ou même dans plus de mondes que cela, je pense que vous vous rendez plus commercialisable. à l’industrie en général.

KEESLING: Essayez d'obtenir un stage pendant que vous êtes à l'école, car lorsque vous êtes étudiant et que vous travaillez dans un studio, vous commencerez à voir: «Oh, je pensais que je voulais faire ça, mais vraiment Je veux faire ça.'

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ROBERTS: De plus, lorsque vous postulez, vous voulez que votre portfolio soit aussi spécifique que possible, car si vous avez trop de disciplines différentes dans une seule soumission, cela va semer la confusion, à moins que vous ne soyez génial dans toutes.

EDEN: Lorsque vous commencez à faire des stages, ou une fois que vous avez obtenu votre diplôme, connaissez la culture de l’endroit où vous postulez. Assurez-vous que votre portefeuille reflète cela. Si vous optez pour la télévision, l'animation ou la publicité, assurez-vous que votre portfolio reflète cela.

KEESLING: Je dirais que votre présence est connue. Publiez constamment sur votre Tumblr. Je cherche constamment sur Tumblr ce que les gens publient. Faites sortir vos affaires. Faire des films étudiants, pour la télévision, ça nous aide. (À Matt) Je ne sais pas si vous y regardez autant. C’est quelque chose que je regarde beaucoup.

ROBERTS: Nous le faisons totalement. Je pense que c’est un moment vraiment cool pour essayer de se lancer dans l’industrie de l’animation, car vous avez les ressources du monde à portée de main aujourd’hui. Ce n’est pas seulement que vous avez une multitude de studios, mais il y a toujours des livres sur l’art du qui sortent. Tant de professionnels de l'industrie ont leurs propres Tumblrs ou blogs ou Instagram. Vous pouvez tendre la main et vous connecter avec des artistes. Et s'ils se sentent à l'aise et ont la permission des studios de le faire, ils peuvent réellement vous faire part de vos commentaires sur votre travail. Vous avez tellement de points de repère pour établir des liens et obtenir des conseils. Je dirais aussi que, que vous soyez encore à l'école ou que vous rencontriez des gens en ligne, entourez-vous vraiment d'un groupe d'artistes que vous respectez et qui ne vous diront pas nécessairement ce que vous voulez entendre et ce qui va vous mettre au défi et vous donner une rétroaction honnête. Si vous travaillez seul à la maison, vous travaillez en quelque sorte dans le vide. Vous pourriez faire les mêmes erreurs encore et encore. Lorsque vous êtes avec des gens qui vont vous mettre au défi et vous soutenir, vous avez quelqu'un sur qui rebondir des idées et vous allez grandir. J'étais un artiste décent quand j'étais au collège communautaire. La seconde où je suis allé à Cal State Fullerton et j'étais dans cette communauté artistique, j'ai senti que toutes mes compétences se sont améliorées comme elles ne l'avaient pas fait auparavant parce que je suis dans une communauté qui est là pour me faire réussir.

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EDEN: Cela revient à ce que nous disions plus tôt à propos d'un environnement collaboratif. Même si vous avez des gens chevronnés dans notre studio, ils continueront à faire circuler des idées. Vous pensez que vous avez terminé, mais ensuite vous entrez et vous le partagez avec un groupe, et ils pourraient le déchirer et le reconstituer jusqu'à ce que vous trouviez ce personnage ou cette œuvre d'art. Donc, ce n’est pas seulement pour les étudiants. Tout cela tout au long de votre carrière.

KEESLING: Une autre chose que je dirais, c’est d’être gentils les uns envers les autres à l’école, car si vous restez dans l’animation, vous allez travailler ensemble pendant des années, des années et des années. Je n’aime pas vraiment le mot «réseautage», car cela ressemble à se faire de faux amis que vous allez utiliser pour diverses choses. Mais commencez à créer votre véritable réseau. Aidez-vous les uns les autres sur vos projets et rejoignez des organisations. Women in Animation en est une. Ils font des mixeurs tous les mois et vous pouvez commencer à rencontrer des gens. Allez à WonderCon et toutes ces choses comme le bénévolat aux Amy Awards. Il existe différentes façons de commencer à rencontrer les personnes avec lesquelles vous allez travailler. BEURRES: Voici aussi un énorme conseil dans la vie. Être honnête. Cherchez des personnes honnêtes pour vous dire si c'est terrible, ou c'est génial, ou si cela doit être travaillé. Ne donnez pas de faux soutien pour que quelqu'un concentre ses efforts sur quelque chose qui est une perte de temps. Sam Harris a un super mini-livre appelé Mensonge et il s’agit de ne pas éloigner les gens de la réalité. Si vous voyez quelqu'un et qu'il vous demande votre opinion sur un travail, dites-lui ce que vous en pensez honnêtement et ce sur quoi il a honnêtement besoin de travailler. Ne montre pas à ta mère. Elle va t'aimer quoi qu'il arrive.

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Quelle partie de notre portefeuille devrait être consacrée au dessin de vie, en particulier pour les personnes postulant à des postes dans le développement visuel, l'arrière-plan ou l'histoire?

ROBERTS: Pour nous, je dis toujours faire deux ou trois pages à l'arrière. Vous n’avez pas besoin d’investir autant, mais nous voulons voir vos principes fondamentaux. Si vous êtes peintre, nous aimerions également voir certaines de vos peintures et études en plus de votre travail d'animation plus créatif. Le dessin animalier est bon. Pour ceux qui s'intéressent à l'histoire, il est également bon de voir vos croquis d'observation. Mais nous voulons savoir que vous observez de la vie et qu'il ne s'agit pas seulement de dessiner à partir d'autres designs. Nous voulons une sorte de vérité et d'authenticité derrière tout ce que vous construisez. Faire de la recherche et aller là-bas et étudier le monde et les gens en est vraiment un élément important.

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EDEN: J'ai juste besoin d'en voir assez pour savoir que vous comprenez le volume, la forme et la proportion. Nous n’avons pas besoin d’une tonne. Je peux voir cela dans un portfolio qui n’a pas de dessin vivant si la conception des personnages est vraiment forte, mais ça ne fait pas de mal d’en avoir là-dedans. Il n’est tout simplement pas nécessaire qu’il s’agisse d’un grand assemblage.

Je suis étudiant en animation et je me demande ce que vous recherchez chez un stagiaire?

Photo via Sheila Roberts

KEESLING: Pour nous, nous regardons les portefeuilles. Nous aimons vraiment lire les lettres d'accompagnement et entendre parler de la passion que vous avez. Savoir que vous savez ce que fait notre studio est important. Parfois, vous pouvez dire que quelqu'un vient de postuler à chaque stage sous le soleil et ils vous envoient une sorte de lettre type qu'ils ont envoyée à chaque studio. Nous ne recherchons certainement pas cela, mais la force de votre portefeuille. Parfois, si les gens m'envoient un lien vers leur Tumblr et qu'ils ne l'ont pas mis à jour depuis longtemps, je me dis: 'Est-ce qu'ils dessinent beaucoup?' Si je dois choisir entre deux personnes et que je vois quelqu'un ajouter toujours des trucs aux leurs ... Je sais que vous êtes à l'école et que vous avez beaucoup à faire mais ... Si c'est Behance (site de portfolio en ligne) ou Artimated, ce n'est pas le cas. t vraiment important. J'utilisais juste Tumblr comme une sorte de fourre-tout. C’est celle que je semble voir le plus ces derniers temps. C’est voir que vous êtes tellement engagé et que vous mangez, dormez, vivez et respirez le dessin et l’animation. Et les bandes dessinées dans votre travail personnel aussi. Pas seulement des choses qui, selon vous, vont vous procurer le poste. Nous voulons voir votre vision parce que vous pourriez être le prochain créateur de la série pour nous.

ROBERTS: Si vous souhaitez postuler à un emploi, il est préférable d'avoir un Tumblr distinct qui est votre portfolio, plutôt que de soumettre votre Tumblr personnel. Je veux voir votre art, mais je ne pense pas que je devrais connaître cette partie de ce qui se passe dans votre vie. Ayez juste quelque chose de séparé de cela. Pour nous, nous avons en fait des stages artistiques chaque été qui sont destinés aux personnes qui sont encore à l’école et qui retourneront à l’école à l’automne. Nous avons tendance à ne faire que des stages d'écriture. Nous cherchons à quoi nous ressemblons chez un pro, mais plus au niveau des étudiants. Nous voulons toujours que vous ayez un sens vraiment fort de l'attrait, de l'esthétique et de la narration dans tout ce que vous faites, mais nous recherchons davantage du potentiel. Nous savons qu’un stage ne mènera pas immédiatement à un emploi. Nous voulons juste voir si cette personne peut bénéficier de l'apprentissage avec nos artistes pendant huit semaines. C'est la même échelle, mais faites de votre mieux et montrez-nous votre travail le plus fort.

J'ai des amis qui utilisent le logiciel d'animation Toon Boom pour faire des illustrations et des scénarimages. Si je suis intéressé par un travail de storyboard, dois-je avoir ces compétences spécifiques lorsque j'essaie de postuler?

KEESLING: Pour nous, non. Si nous aimons votre capacité à raconter des histoires, comme si nous vous envoyions un test de storyboard et que nous pensions que cette personne a réussi et nous fait craquer, vous pourriez venir en studio et nous pourrions vous en parler. La capacité de raconter une histoire vraiment bien et clairement et d'avoir tous les éléments nécessaires pour travailler est plus importante. La partie technologique peut venir plus tard.

ROBERTS: Il est plus important de maîtriser les principes fondamentaux et le concept d’attrait, puis de travailler sur les outils à partir de là. Je pense que cela vous rendra plus commercialisable si vous connaissez certains programmes. Pour nous, nous avons des plug-ins propriétaires, mais la plupart de nos logiciels sont disponibles dans le commerce. Si vous êtes visuel sur l'histoire, vous utilisez généralement simplement Photoshop dans notre studio. Dans quelque chose comme pour le développement visuel, nous soutenons simplement le processus de l'artiste. Donc, il y a des gens qui utilisent encore des médias plus traditionnels et qui peuvent ensuite numériser toutes les œuvres d'art plus tard. Mais il s’agit de votre travail d’abord et d’outils ensuite, car les outils vont toujours changer. Le logiciel ne va pas rester le même au cours de cinq à dix ans maintenant.

KEESLING: La narration est très ancienne.

Image via Disney