«The Green Mile» à 20 ans et le paradoxe de la prison comme évasion

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Y a-t-il eu un film plus triste que celui-ci au cours des 20 dernières années?

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Cela ne s'est pas produit immédiatement, mais dans les années qui ont suivi sa sortie, Frank Darabont S La rédemption de Shawshank a trouvé sa place dans la liste des favoris de tous les cinéphiles. Bien que nominé pour sept Oscars, parmi lesquels le meilleur film, il n’a pas remporté une seule statue. C'était peut-être le titre déroutant ou la concurrence féroce de ce qui a été une année mémorable dans le cinéma. Ou peut-être parce que c'était un film de prison.

Au moment où Darabont a repris son siège dans le fauteuil du réalisateur cinq ans plus tard, nous étions ravis de voir ce qu’il avait produit. Shawshank était devenu un classique à ce moment-là, diffusé régulièrement sur TNT depuis 1997 ( Ted Turner avait acquis Castle Rock en 1993). Encore une fois, ce fut une année charnière pour le cinéma. 1999 nous avait déjà donné les goûts de beauté américaine , La matrice , Le projet Blair Witch , Club de combat , Le sixième sens . La liste se rallonge de plus en plus. Et puis, le 10 décembre de cette année - il y a vingt ans aujourd'hui - le nouveau film de Darbont est arrivé sur grand écran. La ligne verte fait beaucoup mieux que Shawshank au box-office, rapportant 286 millions de dollars dans le monde ( Shawshank seulement environ 28 millions de dollars). C'était une autre adaptation d'un Stephen King travail, et un autre film d'époque se déroulant dans une prison. Mais comme Shawshank a enduré dans nos cœurs et nos esprits le film bien-aimé qu'il mérite d'être, La ligne verte est largement oublié. Il n’a jamais été considéré comme un film génial des années 90, encore moins un film pour les âges. Si l'on considère toutes les sorties de cette année-là, il n'y en a pas de plus émouvant que le Tom Hanks , Michael Clarke Duncan -starrer. C’est un film magnifiquement réalisé - délibérément rythmé, merveilleusement joué, et il est ramené à la maison par une corde lourde induisant des travaux d’eau Thomas Newman But.

Image via Columbia Pictures

Non, ce n’est pas mieux que Shawshank . Où ce film parle d'espoir et livre un point d'exclamation d'une fin qui vous laisse applaudir tout en essuyant les larmes de votre visage, La ligne verte La finale de la chanson est rythmée. C’est un film sombre sur le regret et la punition. À certains égards, c'est une histoire du Christ, bien que l'allégorie soit imparfaite, où se trouve la figure messianique accablé par son don. Il donne sa vie pour être libre de la souffrance, non pour la supporter. Pourtant, à travers sa souffrance, d'autres sont guéris. Et, à la fin, Paul Edgecomb de Hanks vit encore, à 108 ans, dans l’attente de la mort, croyant qu’il reste en conséquence pour avoir laissé mourir John Coffey (Duncan) - un miracle de Dieu.

La ligne verte est un film introspectif. Cela nous amène à réfléchir, à méditer sur les choix que nous avons faits, à nous demander lesquels auront les répercussions les plus durables. C’est un film sur la mort - sa peur, sa sortie. Mais c’est toujours un film de prison. Et le film de prison, au fil de nombreuses décennies de cinéma, est devenu un genre en soi.

Parfois un simple décor pour le récit, d'autres fois un personnage du conte, la prison est omniprésente dans le film. Et c'est un mécanisme curieux. Pourquoi, dans un milieu offrant l'évasion, l'enfermement serait-il jamais une option? Vraiment, le film de la prison est ne pas un genre - ou même un sous-genre - car chaque film employant ses barres et ses murs a tendance à emporter avec lui un morceau d'un autre genre. Il y a la comédie musicale de la prison ( Chicago ), l'acteur de la prison ( Pas de fuite ), la comédie de la prison ( Prenez l'argent et courez ). Certains concernent le complot d'évasion ( Échapper à Alcatraz ). D'autres concernent la réforme créative ( Le Mustang ). La liste de Schindler et La vie est belle utilisé la prison sous forme de camp de concentration pour révéler les horreurs provoquées par l'Holocauste. Cool Hand Luke est un drame de prison classique avec des nuances de comédie. Bronson est une prison d'art et essai biopic avec des nuances de comédie. Y a-t-il eu un meilleur drame de prison sportive que La plus longue cour ? Ou un meilleur drame de prison père-fils que Favoris (ou un autre, d'ailleurs)?

Image via Warner Bros.

Le fait est que l'incarcération est assez courante dans les films. Quand on considère l'institution psychiatrique, elle se développe encore plus. Dans cette catégorie, nous avons le grand Vol au dessus d'un nid de coucou , Shutter Island , et, pour que les dames ne se sentent pas exclues, Fille interrompue . Sous forme de série, nous avons eu Prison Break , Oz , le massivement populaire Orange est le nouveau noir , et l'excellent La nuit de .

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Encore une fois, la question: pourquoi? Pourquoi font-ils ce truc? Et pourquoi sortons-nous pour le voir, ou nous asseyons-nous sur notre canapé en consacrant des heures à binging? Les films et la télévision devraient nous donner l'occasion d'oublier notre monde et ses problèmes dans un acte provocateur de répit lent. Et pourtant, l'emprisonnement des autres est parfaitement acceptable comme art divertissant dans lequel se perdre. Examinons trois films (très différents) pour mieux comprendre pourquoi la prison est si souvent visitée - et fonctionne si bien - en tant que dispositif d’histoire: La grande évasion , Élever l'Arizona , et, pour honorer son vingtième anniversaire, La ligne verte .

Les deux meilleurs films de camp de prisonniers en temps de guerre jamais réalisés sont Le pont sur la rivière Kwai et La grande évasion . Le premier est plus sombre, plus obsédant, alors que son complot clandestin évolue vers une finale tendue, explosive et plutôt choquante. John Sturges Le film de 1963, quant à lui, joue comme un puzzle qui devient un film d’action au troisième acte. Un ensemble aussi passionnant et regardable que n'importe quel film de la Seconde Guerre mondiale, La grande évasion Le problème à résoudre est présenté presque immédiatement. Enfermé dans un camp allemand de prisonniers de guerre pour les officiers alliés, Richard Attenborough Roger Bartlett a l’esprit de faire sortir des centaines de ces hommes, mais de le faire de manière innovante et exécutée avec précision. Le film n'est rien d'autre que de la planification, aboutissant à la tentative d'évasion et aux conséquences. Chacun de ses personnages, pour la plupart britanniques mais pour trois américains, Charles Bronson en tant que réfugié polonais, et James Coburn en tant qu'Australien peu convaincant, émerge avec des attributs qui lui sont propres. C’est un film sur les personnalités autant que sur la stratégie. Même sa séquence de crédits de fin passe par chaque membre de la distribution et son surnom: «The Mole», «The Tunnel King», «The Cooler King», etc. Pourquoi La grande évasion fonctionne comme une pièce de cinéma absolument fascinante, digne d'être visionnée à répétition est son rythme et son but (et Elmer Bernstein Partition emblématique). Bien que chaque officier soit écrit de manière unique, aucun n'a une profondeur particulièrement significative. Parce qu'il ne s’agit pas de ça. Ce n'est pas une étude de personnage, mais plutôt une histoire peuplée de personnages assemblant les pièces. Il progresse vers quelque chose, l'intrigue prenant forme, le public le long de la balade, encourageant ces gars à déjouer les Allemands en route vers une libération astucieusement précaire, nous l'espérons.

Image via United Artists

La grande évasion utilise la prison comme un obstacle complexe - un labyrinthe qui a besoin d'une résolution réfléchie de problèmes. Les Allemands sont les méchants, bien sûr, mais le vrai méchant est la prison. Comment le vaincre, c’est le conflit du film. Le plaisir est de regarder le processus, petit à petit: creuser les tunnels, vider la saleté dans la cour, trouver du bois, forger des papiers d’identité, etc. Le troisième acte du film, une fois 76 hommes sortis, est le plus exaltant. Autrefois, un film sur l'élaboration de stratégies devient maintenant un film de survie. Chargés d'échapper à la Gestapo qui patrouille dans le pays, les évadés feront tout ce qui est nécessaire pour éviter la capture. La diversité des transports occupe une place centrale. James Garner Le lieutenant Hendley (avec un aveugle Donald Pleasence en remorque) vole un avion, Coburn prend un vélo, Bronson un bateau. Mais le film est repris par Steve McQueen . Son capitaine Hilts opte pour la méthode la plus audacieuse pour fuir le Reich. Il anéantit une troupe de motos de la Wehrmacht, assume son identité et mène finalement ses chasseurs dans une course effrayante vers la frontière suisse.

Le film est beaucoup de choses, mais c'est un film de prison de bout en bout, et l'un des plus satisfaisants jamais réalisés grâce à la façon dont il utilise ce composant.

Vingt-quatre ans plus tard, Joël et Ethan Coen ont réalisé leur deuxième long métrage. À la suite du Texas noir Sang simple , ils sont allés un peu noisette et ont livré Élever l'Arizona en 1987. Ayant vu chaque film de Coen plusieurs fois, celui-ci reste mon préféré. C’est une étude hystérique drôle, toujours étrange et significative de l’attrait de la mauvaise tentation pour le cœur humain. La prison n’est que le décor par à-coups, mais c’est un acteur majeur. Planant toujours au-dessus de la tête de notre malheureux protagoniste, H.I. McDunnouh - joué par Nicolas Cage dans un top cinq des performances (sans blague) - qui se profile comme un monstre hideux, se trouve le pénitencier d'État. Il a des antécédents d'incarcération et à travers cela, il a rencontré sa femme - un policier nommé Ed, joué par un drôle de décalé Holly Hunter . Une fois qu'il est parti pour de bon, H.I. lutte pour vivre toute sorte de vie américaine normale. Maintenir un emploi est difficile. Chaque dépanneur fait signe comme pour dire: 'Me voici, volez-moi.' Et, pire que tout, Ed ne peut pas concevoir. À partir de là, presque tous les choix faits par la paire sont illégaux. Ils sortent un bébé d'un lot de quintuplés nés par une famille riche et prétendent l'avoir adopté. SALUT. vole des couches et mène la police (et tous les chiens de la ville) dans une poursuite sauvage à pied ou en voiture. Il héberge plus tard une paire d'amis fugitifs, puis attaque son patron. L’homme ne peut tout simplement pas se conformer à la société, et maintenant il a converti sa femme de l’autre côté de la loi.

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La pensée omniprésente qui occupe son esprit est la suivante: peut-être que la prison est ma place. Cette notion est au cœur même du film. Certains d’entre nous viennent de naître mauvais, d’autres qui n’appartiennent pas à une société de bienfaisants. Et notre protagoniste pourrait être l'une de ces personnes. Ce n’est qu’à la fin, dans la séquence de rêve culminante du film, que les Coens suggèrent qu’il pourrait bien trouver un moyen de s’adapter après tout. Ce ne sera pas facile, mais si l’espoir d’une existence prospère est réalisable, Ed et lui doivent travailler ensemble, résister à l’attrait de la criminalité et reconnaître que des jours plus épanouissants pourraient les attendre s’ils le faisaient. C’est peut-être la conclusion la plus contemplative et solennelle d’une comédie loufoque jamais réalisée, et elle juxtapose la liberté à la captivité. Le premier est clairement plus grand, alors pourquoi faire des pas conscients vers le second? Pour la majorité d'entre nous, ce n'est guère un problème. H.I., par comparaison, est un toxicomane, asservi à la drogue du non-respect de la loi, croyant parfois au mensonge qu'elle fournit un refuge. Le deuxième effort des Coens est une comédie brillante car il a quelque chose à dire sur la condition humaine. Et il utilise la prison comme motif antagoniste - une conséquence à moitié redoutée, à moitié bien accueillie. C’est l’endroit où notre protagoniste trouve l’amour, et l’endroit auquel il pourrait très bien appartenir. Élever l'Arizona est une romance de prison.

En 1999, quand La ligne verte sorti en salles, Tom Hanks était au sommet de sa carrière. Avec ce film, il a bouclé une décennie de films mieux que n’importe quel acteur depuis Marlon Brando Les années 1950, ou Humphrey bogart Années 1940. Darabont place ses personnages dans un monde de tristesse, de peur et de réflexion. Hanks et les gardiens du couloir de la mort ne connaissaient pas ces âmes condamnées alors qu’elles blessaient et tuaient des innocents; ils ne les connaissent que comme des hommes se préparant à rencontrer leur Créateur. Économisez pour Sam Rockwell William «Wild Bill» Wharton est dérangé, ce sont des hommes très éloignés des barbares qu’ils étaient autrefois. Et l'un d'eux - John Coffey - n'a jamais fait preuve de violence du tout.

La prison est utilisée dans le film comme un dernier arrêt avant la mort. C’est le dernier endroit où ces détenus se sentiront chez eux, et c’est l’endroit que notre protagoniste appelle travailler. Dit en flashback, alors que Paul, 108 ans, revient sur son séjour là-bas, l'incarcération est littérale pour les prisonniers, métaphorique pour le vieux Paul. Son corps ne quittera pas, malgré son désir de quitter cette terre. Dans une vie définie par l’emprisonnement, il vit ses jours pris au piège dans un endroit qu’il ne veut pas être. Ce n’est même pas une sorte de pénitence pour ses actes il y a soixante ans, mais une sentence, pense-t-il. S'il avait mieux protégé John Coffey - combattu plus dur pour lui - peut-être qu'il aurait obtenu la libération qui ne viendra pas. Dans l’une des scènes les plus touchantes du film, Paul parle avec Coffey de l’exécution imminente de ce dernier. Paul ne peut pas supporter l’idée de se tenir un jour devant Dieu et de devoir lui expliquer comment il a tué un homme aussi bon, aussi miraculeux que Coffey. Même si Coffey semble l'acquitter de cette culpabilité sur le moment, l'action hante toujours Paul.

Image via Warner Bros.

La ligne verte Le pouvoir de ce dernier ne réside pas seulement dans ses séquences déchirantes, mais dans les thèmes qu’il vous laisse. Dans une société qui a popularisé des expressions telles que «Aucun regret» et «Je ne changerais rien», nous trouvons ici un homme qui a vu mourir tout le monde dans son monde. Vivant ses jours dans une maison de retraite, il est très seul - juste lui et ses pensées, et M. Jingles, l'ancienne souris que Coffey a ressuscité il y a de nombreuses années. «S'il pouvait faire vivre une souris aussi longtemps», se demande le vieux Paul, «combien de temps me reste-t-il?» Il n'y a plus d'expiation à faire pour ceux qui sont décédés. Paul doit simplement regarder plus de gens le laisser derrière lui, se demandant quand ce châtiment prendra fin. C’est une conclusion extrêmement sombre d’un film déjà imprégné de pathétique. Et, si nous sommes honnêtes avec nous-mêmes, nous nous rapportons probablement plus à Paul que la plupart des autres protagonistes, bien qu'ils soient rares sur les films. Culpabilité, honte, regret. Ces forteresses sont parfois gagnées, bien que pour beaucoup de personnes chargées de telles choses, elles ne le soient pas nécessairement. Le fait est que nous avons tous fait quelque chose, faite quelque choix que nous souhaiterions ne pas avoir. Plus la conséquence est grande, plus le regret dure longtemps. Nous nous emprisonnons tous.

L'incarcération est si efficace dans l'art parce qu'elle peut être employée de multiples façons et dans tous les genres. Quand un décor ou un personnage, c’est souvent une affaire brutale - une bête sauvage. Lorsqu'un thème, il résonne vigoureusement. Un moyen de dissuasion contre les mauvais comportements dans le monde réel, la prison sert un autre objectif entre les mains de l'artiste compétent. Seulement là, cela fait une invitation séduisante. Parfois un test d'endurance plus qu'un divertissement bruyant, le film de la prison offre au consommateur docile ce qu'il fait rarement au détenu: s'échapper.