Les films réalisés par George Clooney classés du pire au meilleur

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Y compris son dernier film Netflix de 2020, The Midnight Sky.

Une star de cinéma bien-aimée, un membre de la royauté hollywoodienne et un amoureux de tout ce qui concerne Nespresso. George Clooney est né au Kentucky dans une famille de gens habitués à être vus: sa mère était politicienne et reine de beauté, son père est présentateur de télévision et animateur, et sa tante était foutue ' Romarin Clooney . Clooney a percé en tant qu'acteur grâce à son rôle de vedette intensément regardable dans le drame influent de NBC EST , et il a quitté la série en 1999 pour continuer à favoriser sa carrière de star de cinéma intensément regardable. Clooney s'est taillé une carrière à l'écran d'œuvres prestigieuses mais divertissantes destinées aux adultes, remportant des distinctions pour des films comme Trois rois , Syriana , Michael Clayton , Dans l'air , Les déscendants , La gravité , et bien d'autres, tout en favorisant les collaborations avec des cinéastes célèbres comme Steven Soderbergh et le Frères Coen . Oh, et quelque part là-dedans, il a joué à Batman, mais nous n'avons pas à en parler.

En train de devenir une véritable icône de l'écran, Clooney a également cultivé une carrière de réalisateur infernale. La réception critique de sa production globale en tant que réalisateur a été quelque peu mitigée et incohérente, l'un de ses films étant largement considéré comme un chef-d'œuvre et le reste gagnant toutes sortes de plages critiques. Mais j'ai toujours aimé et intrigué par Clooney le réalisateur, depuis ses débuts surprenants Confessions d'un esprit dangereux à son plus récent, et toujours surprenant mais d'une manière tout à fait différente, Le ciel de minuit . Je trouve que sa maîtrise et sa volonté d'expérimenter le langage du cinéma sont impeccablement conçues et courageuses, et je trouve que ses sujets d'intérêt sont toujours importants pour notre société américaine moderne (même si ses films ont tendance à examiner la société américaine. du passé), livrant un large éventail de thèses compliquées dans des méthodes qui se situent à la limite entre complication filmique et accessibilité.

Pour célébrer la sortie récente de son film de science-fiction Netflix Le ciel de minuit , nous avons classé chaque film réalisé par George Clooney du pire au meilleur et, espérons-le, lui avons fait valoir qu'il était un auteur américain digne d'attention. Et pour en savoir plus sur ce qu'il fait en tant que cinéaste, voici les informations sur sa prochaine adaptation d'un John Grisham roman.

7. Les hommes des monuments

Image via la sortie de Sony Pictures

Les hommes des monuments est, jusqu'à présent, le plus gros raté de Clooney en tant que réalisateur. Le regarder revient à regarder une tenue particulièrement soignée sur un mannequin; le style, l'apparence et la sensation superficielle du film crient à la «haute couture», mais à la base, son humanité est vide. Les hommes des monuments , basé sur l'histoire vraie d'experts internationaux de l'art qui se sont adaptés pour la Seconde Guerre mondiale pour sauver nos meilleures œuvres d'art et artefacts culturels de la destruction nazie, veut jouer comme un croisement léger, chaleureux et sentimental entre Ocean's Eleven et un Ken Burns documentaire; c'est-à-dire le parfait Dad Movie. Et de la lecture la plus superficielle possible, il réussit en quelque sorte. Il a un ensemble habilement teinté de prestige et de stars à Clooney, Matt Damon , Bill Murray , John Goodman , Bob Balaban , Jean Dujardin , Hugh Bonneville , et Cate Blanchett . Il y a, presque objectivement, un sentiment de `` plaisir '' à regarder ces interprètes sèchement comiques se frayer un chemin à travers des mini-décors de films de guerre à faible enjeu regorgeant de détournements et de ce que je pourrais appeler des `` baby-boomers se tapotant dans le dos ''. Son cœur est fermement sur sa manche d'une manière que j'apprécie, aboutissant à une belle séquence de fin impliquant le père réel de Clooney, Nick Clooney . Et formellement, Les hommes des monuments est beau comme diable; DP Phedon Papamichael utilise chaque pouce du cadre 2,4: 1 avec des compositions et un compositeur aux couleurs impeccables et époustouflantes Alexandre Desplat tourne dans l'un de ses nombreux scores remarquables pour un joint Clooney, malgré la qualité du joint Clooney lui-même.

Et finalement, ce joint de Clooney n'est pas ça, parce que Clooney joue contre ses forces en tant que réalisateur, plutôt que de s'y pencher. Il y a une tonne de raconter plutôt que de montrer dans ce film, des voix off solennelles nous entonnant assez explicitement sur la signification de l'art en tant que `` l'histoire de nos vies '' (voix off qui, combinées à l'utilisation omniprésente du film de fondus croisés, suggèrent des tonnes de nécessaire matériel laissé de côté de la coupe finale), sur la nécessité de mettre nos vies en jeu lorsque les enjeux sont aussi élevés, et dans son moment le plus embarrassant, sur l'importance de l'exceptionnalisme américain et de l'ingérence dans les affaires étrangères (peut-être la pire utilisation de un drapeau américain à l'écran dans l'histoire du cinéma). Suis-je en train de dire que les Américains ne devrait pas combattre les nazis? Absolument pas. Mais je soutiens que Clooney est le meilleur quand il est argumentant. Ce n'est pas seulement un réflecteur ou un projecteur du bon idéalisme américain à l'ancienne sur un écran blanc, une commode de vêtements sur un mannequin sans visage. Il provoque ces idéaux, les pousse, les plie, exige de voir ce qui se passe en dessous. Pour le mettre dans une métaphore de l'art: Clooney n'a aucune plaque à côté des portraits qu'il a encadrés, aucun contexte, aucune allusion à ce qui se passe sous ses sujets humains. Il se contente simplement de pointer du doigt et de dire: 'N'est-ce pas joli?' Et bien, ce n'est pas assez.

6. Têtes de cuir

Image via Universal Pictures

Et maintenant, je me contredit! Têtes de cuir est une image curieusement bifurquée, un film qui porte avec une affection efficace ses tropes rétro, rugissants des années 20, de genre comique vicieux. Et puis, il se replie sur lui-même, exigeant presque que nous le prenions plus au sérieux et que nous réexaminions tout ce que nous avons vécu à ce sujet jusqu'à présent. Et honnêtement? Nous n'avons pas, comme, «besoin» de ça! Plus c'est mousseux et rapide, mieux c'est!

À une époque où le curieux sport du `` football professionnel '' prend la vapeur comme intérêt national (hé, avec la prohibition, qu'est-ce que tu vas faire d'autre?), Dodge Connelly (Clooney, se présentant impeccablement comme un charmant mais Fading Rogue qui fait face à la non-pertinence) est le chef d'une équipe particulièrement sale et sale. Mais que se passe-t-il quand un héros de guerre sain ( John Krasinski , ne pas assez se localisant dans ce monde) se joint à l'équipe, attirant l'attention d'un journaliste moqueur et émouvant ( Renée Zellweger , se traquant absolument dans ce monde)? Tout se déchaîne, résultant en un charmant triangle amoureux, des coups de poing délicieusement déséquilibrés, des matchs de football étonnamment bien composés et des décors de comédie physique farfelus (DP Newton Thomas Sigel tournant dans un excellent travail), et le genre de plaisanteries de rat-a-tat que vous voudriez de ce genre de film. Placez tout cela contre un chronomètre intégral Randy Newman score, et c'est une soirée amusante au cinéma!

Sauf: Têtes de cuir ne veut pas que nous ayons trop beaucoup de plaisir. Même dans ses moments les plus brillants et les plus bouillonnants, le rythme du film n'atteint pas, et ne semble pas intéressé à atteindre, les hauteurs les plus vives et les plus stylisées de Preston Sturges 'meilleures œuvres. Certains de ses interprètes veulent se pencher pleinement sur le genre; la plupart d'entre eux veulent que nous restions, de manière quelque peu frustrante, attachés à un mode de performance plus «restreint». Et le plus choquant (et le plus révélateur des intérêts de Clooney en tant que conteur), Têtes de cuir devient finalement une condamnation solennelle de la prédilection de notre nation à préférer des histoires brillantes à la vérité, orientant ce changement d'histoire vers le personnage de Krasinski d'une manière qui n'honore pas pleinement le scénario qui l'a précédé. Comme indiqué dans mon examen de Les hommes des monuments , J'ai tendance à préférer quand Clooney regarde sous les histoires brillantes sur lesquelles nous misons tant de structures américaines, et cette impulsion rend certainement Têtes de cuir une montre unique et mémorablement nouée. Mais parfois, les «impulsions» peuvent lutter contre un chemin de moindre résistance et aboutir à un produit final têtu qui semble plus difficile à apprécier qu'il n'en a besoin. Je ne sais pas pourquoi Clooney a choisi de traiter la Seconde Guerre mondiale moins sérieusement que le «plaisir du football». Mais, malgré ses changements de ton étranges (et souvent étrangement engageants), Têtes de cuir reste un film amusant, idiosyncratique et attrayant, ses défauts et tout.

5. Le ciel de minuit

Image via Netflix

Bravo à Clooney pour avoir réalisé un film qui ne ressemble à aucun de ses autres films! Finies les fascinations pour la «culture américaine» et la «narration». Au lieu de cela, Clooney s'est fait un film de science-fiction de bonne foi, un film qui rebondit explicitement entre les sous-genres de `` l'exploration spatiale '' et du `` désastre dystopique '', avec l'audace de mettre en scène des actions, même des scènes d'horreur dans ces espaces! Le ciel de minuit , basé sur le roman Bonjour, minuit par Lily Brooks-Dalton , représente un pas de géant pour la voix de Clooney en tant que cinéaste pour cette seule raison, même si d'autres éléments restent à l'ancienne Clooney pour le meilleur et pour le pire.

Formellement, Clooney tire sur de nouveaux cylindres. DP Martin calme (qui a tourné l'adaptation de la mini-série Hulu de Clooney Catch-22 ) optimise le film Netflix dans le rapport hauteur / largeur peu orthodoxe de 2,11: 1, donnant au réalisateur de la place pour des paysages spatiaux et des paysages arctiques expansifs et visuellement splendides, tout en soulignant la claustrophobie d'être coincé dans un avant-poste ou un vaisseau spatial abandonné. Clooney et son éditeur régulier Stephen Mirrione établir certains des meilleurs modèles de coupe de leur carrière; J'adore ses va-et-vient entre le net, le match-dissolve et le disruptif, souvent des coupures durement ironiquement amèrement ironiques entre le bruit et le silence. La partition de Desplat frôle parfois le fromage pour moi, mais Clooney l'utilise avec son nouveau panache pour les visuels de genre pour déclencher quelques frayeurs de saut. Et chérie? Ils travaillent. Peut-être que Clooney peut suivre le chemin de son Têtes de cuir co-star Krasinski et continuez à tirer sur le fil d'horreur ...

... mais pour le faire avec autant de succès que Krasinski, il a encore du raffinement à faire en tant que conteur. Il y a une histoire A infiniment fascinante au centre de Le ciel de minuit , celui qui te donnera Naufragé se rencontre Je suis une légende vibrations. Clooney lui-même est coincé dans un avant-poste de l'Arctique après qu'une catastrophe destructrice de la Terre ait anéanti tout le reste. Sauf qu'il n'est pas aussi seul qu'il le pensait. Entrer: Caoilinn Springall , une jeune fille silencieuse qui a réussi à se cacher de Clooney jusqu'à présent, ce qui a permis à cet homme misanthropique isolé, malade et à la limite de trouver sa dernière réserve d'espoir pour le bien de cet enfant (et peut-être juste, l'avenir de l'humain course). Clooney s'est dirigé vers l'une des meilleures performances de sa carrière; il est hanté, effrayant, désespéré et totalement observable. La chimie de Springall et lui est si belle, elle doit donc être résolue et si transformatrice pour l'arc de Clooney (cela pourrait être le meilleur Le dernier d'entre nous adaptation d'écran que nous obtiendrons, à moins que la série HBO soit excellente). C'est des trucs fascinants et captivants.

Dommage, alors, que nous passions autant de temps sur nos histoires B, et même C, donnant parfois l'impression que l'image est un pilote de télévision surchargé essayant de surcharger trop de battements de personnages en une seule fois. Notre vaisseau spatial flottant dans les airs, ayant vu si une lune nouvellement découverte de Jupiter peut soutenir la vie, est plein de sonneries et de moments visuellement saisissants - en particulier ceux impliquant des gouttes de sang et un manque de gravité - mais nous n'avons tout simplement pas l'espace pour se concentrer sur les raisons pour lesquelles nous passons tant de temps avec eux. Leurs moments ne se posent pas et ont du mal à dépasser leur statut de «tropes et clichés de films spatiaux». Mais, si vous vous en tenez à ces séquences d'air mort et d'inertie dramatique, Clooney a un coup de poing d'une fin pour vous, une qui fera que ces détours ne semblent pas seulement en valoir la peine, mais magnifiquement conçus depuis le début. Un film intéressant plus souvent qu'un film purement «agréable»; un film qui donne l'impression que Clooney a eu le bogue de son travail sur Solaris et La gravité et voulait essayer; une œuvre qui représente un pilier hollywoodien qui se dégourdit les jambes. Il a avancé, d'accord, mais les douleurs de croissance se font sentir.

4. Suburbicon

Image via Paramount Pictures

Lors de sa première sortie en 2017, Suburbicon a été fustigé . Les gens l'ont teinté pour sa couture maladroite de deux histoires disparates, sa singularité évidente de la Frères Coen (pour être honnête, il s'agit en partie d'un script Coen Brothers), et sa mauvaise commercialisation de ce qu'il est réellement. J'ai donc abordé «ce que c'est réellement» avec des attentes au niveau du sous-sol. Et bien, même alors, j'ai été assez bouleversé par Suburbicon .

Le film est à peu près aussi explicite d'un «Clooney enfonçant sous la surface d'Americana» qu'il est susceptible de le faire; et pourtant, il fait ses points les plus incendiaires, provocateurs, nauséabonds et nécessaires étrangement subtilement, dans des méthodes intentionnelles qui, selon moi, ont conduit à sa réponse initialement froide. Deux threads se produisent simultanément dans Suburbicon , un en surface et un dans les marges. Au départ, nous avons une comédie policière sombre, sardonique et brutale sur l'érosion de la cellule familiale domestique incarnée par Matt Damon et Julianne Moore se frayer un chemin à travers un schéma teinté de noir, et Noah Jupe laissé comme le fils qui doit ramasser les morceaux épars. Cette unité offre toutes des performances exceptionnelles, Damon amenant son travail vers un lieu de fin vraiment, choquant et sinistre (avec ceci et Les défunts , J'exige plus de performances de méchants Damon!), Et Moore s'amuse en particulier à transformer les tropes de la femme au foyer de banlieue blanche des années 1950 en divers modes de performance et de méta-performance d'origami. Jupe est, tout simplement, déchirant à regarder, tellement empathique et ouvert.

Il est donc logique que Jupe soit notre vrille à Suburbicon C'est une autre histoire plus profonde. Une famille noire, jouée à la fois avec un survivalisme endurci et des points d'empathie ouverts par Karimah Westbrook , Leith Burke , et particulièrement Tony Espinosa en tant que fils de cette famille, s'installe dans le quartier blanc de lis, avec des préjugés comme de la merde de Suburbicon. Et Suburbicon perd simplement la tête, explosant en éruptions de racisme sanctionné par la ville, les `` microagressions '' les plus macro que vous verrez jamais sur le film, un barrage constant de perturbations bruyantes dans le mode de vie de cette famille normale, et finalement, un tout - émeute. Suburbicon a reçu de bonnes critiques pour avoir écarté ces personnages noirs comme étant simplement «ces personnages noirs», plus de symboles de traumatismes exécutés par, à la fois à l'intérieur et à l'extérieur du texte, des auteurs blancs que des personnages réels. Je comprends et respecte ces critiques, et je comprends si un argument d'intention contre effet n'est pas le bienvenu ici.

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Mais pour moi, les intentions de Clooney sont claires en étant floues, et évidentes en étant subtiles au point de les mettre sur la touche. Le film, en fait, veut ce scénario doit être mis à l'écart, être altéré, afin qu'il puisse faire valoir son point fondamentalement incisif sur les péchés de l'Amérique blanche d'autres non-blancs et les peindre comme des monstres pour ignorer leurs propres péchés, douloureusement évidents, douloureusement monstrueux. Ce drame racial se produit en marge du scénario Damon / Moore parce que Damon et Moore, et les banlieusards blancs en général, vouloir Les Noirs doivent rester marginalisés, ignorer littéralement l'émeute qui se prépare à leur porte tout en se concentrant sur la culture de leur propre mythologie d'une maison et `` gagner '' leurs propres conneries (un point mis en évidence pendant notre relation nationale et `` faire face '' aux périodes de 2020 troubles à la suite d'injustices raciales persistantes). Y a-t-il une branche, une tentative de travail progressif et constructive entre l'oppresseur et l'opprimé?

Il vient, symboliquement, via Jupe et Espinosa. Les deux enfants, qui veulent juste avoir une putain de vie normale sans avoir à faire face à toutes ces conneries installées par des adultes comme le racisme systémique, jouent souvent ensemble pendant le film, se liant tranquillement à leurs traumatismes et situations mélancoliques. Au risque de frôler le territoire des spoilers, un moment terrifiant et déchirant survient lorsque Damon ordonne explicitement à Jupe de ne plus jouer avec cet enfant, pour des raisons explicitement racistes, son besoin subconscient de continuer à `` altérer '', de continuer à ignorer les démons qu'il est directement responsable d'exploser à la surface. La réponse de Jupe à cet ordre, bizarrement, donne Suburbicon une fin réelle de l'espoir à travers les ténèbres - et je veux dire à travers l'obscurité. Terrassé, je vous dis, terrassé!

3. Confessions d'un esprit dangereux

Image via Miramax

Confessions d'un esprit dangereux , Les débuts en tant que réalisateur de Clooney, est un monstre flex, un travail étrangement expérimental, une production audacieuse de `` style '' et peut-être plus important encore, une indication claire des sujets et des thèmes que Clooney est intéressé à explorer en tant que cinéaste. Il raconte la `` vraie histoire '' de Chuck Barris ( Sam Rockwell , fascinant), un producteur et animateur de télévision prolifique et influent ( Le jeu de rencontre , Le Gong Show ) qui est arrivé au clair de lune en tant que tueur à gages vicieux pour la CIA. Chucking chaque épanouissement visuel lui et DP Newton Thomas Sigel peut penser au livre - frappant un or impressionnant et immersif avec une série de `` transitions pratiques '' qui impliquent de se déplacer autour de personnes et de décors pour communiquer des passages surréalistes du temps et de l'espace en une seule prise - Clooney utilise ce conte, adapté par Charlie Kaufman d'une «autobiographie non autorisée» de Barris lui-même, comme un tremplin directement au cœur du divertissement américain, du chaos géopolitique et du fil qui se rétrécit mal entre les deux. C'est un film étonnamment cynique réalisé avec certaines des techniques de cinéma les plus amusantes que j'ai vues dans le cinéma récent; un chant de sirène de choix techniques parfaits pour communiquer les thèses provocantes en cours. Rockwell joue Barris comme un homme qui réalise lentement la vérité sur les profondeurs de son inhumanité et les profondeurs de l'inhumanité d'une Amérique qu'il pourrait être indirectement (ou directement) responsable d'exacerber. Le mode de télévision de Barris, un mode que nous voyons en plein effet non seulement dans la télévision non scénarisée mais dans le discours sur Internet aujourd'hui, consiste à évaluer les gens, à les concurrencer les uns contre les autres pour les caprices de notre divertissement le plus bas, et lorsqu'ils ne nous servent plus, à «tuez-les», généralement en frappant un gros gong. À quelle distance est-il de sauter, sauter et danser de manière erratique en tuant littéralement des gens pour un autre type de besoin américain de violence, pour éradiquer des actifs qui ne nous servent plus, pour une soif de sang confortable? Bien sûr, ce suivi littéral de tuer métaphoriquement des gens pour tuer littéralement des gens (ou comme le dit Barris, «je me débarrasse des gens et pourtant je suis jetable») semble un peu évident sur le papier. Mais dans la pratique, il est exécuté de manière cohérente et vertigineuse avec une compétence diabolique, voire vantardise, qui se concentre sur un sentiment bienvenu de distorsion et d'ambiguïté. La baisse de la chanson de crédit de fin vous pointera bien .

2. Les ides de mars

Image via la sortie de Sony Pictures

Sorti pendant la période relativement optimiste de Barack Obama premier mandat, un fait que vous pouvez ressentir dans le singe du film de Shepard Fairey pièce emblématique de l'agitprop, Les ides de mars n'a fait que gagner en puissance, en puissance, en pertinence inquiétante pour notre paysage politique contemporain (regarder ce film pendant, disons, une élection présidentielle tendue n'est peut-être pas aussi recommandé). «Puissance» est le mot clé de cette fonction; basé sur le jeu Farragut Nord par le futur Château de cartes créateur Beau Willimon (et faire tout ce que la série veut faire en moins de temps et plus d'efficacité), ides de mars dépouille chaque affiche de Fairey et se glisse derrière le rideau souvent performatif de même les soi-disant `` démocrates progressistes '' pour révéler que le pouvoir, brut, non verni et personnel, est le moteur de chaque décision, aussi inclusive que soit la couche de peinture. se sent.

Ryan Gosling est notre jeune et aspirant superviseur de campagne politique qui arrive à traverser ce hachoir à viande et à essayer de sortir de l'autre côté. Il joue ce rôle à merveille, subtilement et clairement, même s'il s'entraîne avec toutes sortes de talents d'acteur incroyables, y compris Clooney lui-même (en tant que notre candidat sauveur à la Obama avec toutes sortes d'horribles secrets; une autre compréhension parfaite de la façon de se lancer) , Philip Seymour Hoffman , Paul Giamatti , Marisa Tomei , et particulièrement Evan Rachel Wood . En adaptant une pièce de théâtre à l'écran (avec le travail de scénario de Willimon, Clooney et collaborateur fréquent Grant Heslov ), Clooney comprend que le jus du film réside principalement dans ses mots, et les gens qui disent ces mots. En tant que tel, il y a une pureté dans la construction de la séquence de l'image; sont partis les Aveux fleurit et surréalisme, remplacé par une simple communication des faits dans tous leurs coups de poing. Cela ne veut pas dire que le film ne possède aucun style, juste un autre, plus propre, plus pur qui parvient à enfiler l'aiguille entre l'obscurité des thrillers de conspiration des années 70 et des drames de prestige des années 90 (sans parler d'un autre brûleur de grange d'une partition de Desplat. ça me donne du sérieux Quincy Jones vibrations).

Tout cela se traduit par une montre inconfortablement divertissante, un travail bien conçu d'incisivité dévastatrice qui met à nu non seulement l'idéalisme d'institutions américaines telles que les `` élections '', mais de tous les êtres humains qui prétendent se comporter pour le bien d'autrui. êtres humains. En d'autres termes: Les ides de mars a un plan puissant d'examen d'un drapeau américain qui Les hommes des monuments ne pouvait que rêver.

1. Bonne nuit et bonne chance.

Image via Warner Bros.

Le seul film de la carrière de réalisateur de Clooney à ce jour qui a été nominé pour un Oscar du meilleur film, et pour une bonne raison. Bonne nuit et bonne chance. prend tous les sujets favoris de Clooney - les structures américaines deviennent des armes, l'intersection floue entre l'information et le divertissement dégradant, la décomposition et la non-pertinence de la vieille garde, le désir destructeur de pouvoir et le fossé plus large entre la surface et la substance - et les fusionne tous en un film sans couture, organique et magnifiquement tactile qui bourdonne avec une puissance subtile en 90 minutes soignées et propres. Dans des constructions de séquences en noir et blanc qui se sentent à la fois capturées et documentaires tout en communiquant intentionnellement des tonnes de sens d'auteur (DP Robert Elswit a également été nominé pour son travail), nous entrons dans l'histoire du célèbre journaliste de CBS Edward R. Murrow ( David Strathairn , parfait) alors que lui et son état-major se retrouvent à devenir des soldats de première ligne dans une guerre contre des accusations sans fondement, la police des dissensions d'opinions et de pensées, et de l'intimidation sous le couvert du puritanisme américain. Toutes ces impulsions primales sont puissantes Sénateur Joseph McCarthy , dont les passionnés d'histoire savent qu'il a utilisé sa position pour insister sur le fait que de nombreux Américains étaient communistes, et au-delà du fait fondamentalement et terriblement ironique que l'Amérique elle-même était fondée sur les idéaux ostensibles des libertés d'expression, McCarthy n'a jamais eu aucune preuve pour renforcer son fanfaronnade au niveau de la surface. . Pour un film obsédé par la surface, avec des objectifs, avec un besoin de poncer les bords de la subjectivité dans une objectivité aussi pure que possible (Elswit fait sa part en mettant constamment d'autres cadres de télévision dans son cadre de caméra), il prend sa décision la plus astucieuse en laisser McCarthy, comme Murrow l'a fait dans ses programmes originaux, parler pour lui-même. Ce film est rempli d'un casting remarquable faisant un travail remarquable - Strathairn, Clooney, Jeff Daniels , Ray Wise , Robert Downey Jr. , Patricia Arquette , Frank Langella - mais McCarthy n'a pas la grâce d'un acteur de premier plan pour le jouer. Au lieu de cela, Clooney utilise l'arme la plus puissante à sa disposition: la vérité, ou aussi proche que possible, de simples images d'archives de McCarthy disant exactement ce qu'il a dit.

Bonne nuit et bonne chance. ne fait pas ces points sociopolitiques de manière sèche, morne ou sans prétention. Contrairement à certaines de ses œuvres ultérieures, Clooney prend l'idée de «montrer, ne pas dire» à son idéal platonique; tout ce que nous apprenons sur ces personnages, leurs objectifs et les résultats de leur action est appris au présent pendant qu'ils accomplissent leur travail (ironique, étant donné qu'une grande partie du travail à accomplir est de dire littéralement des choses aux gens). En tant que tel, il a tendance à jouer comme un thriller procédural passionnant, un émeutier sans fioritures qui sait qu'il n'a pas besoin de mettre de la sauce sur une recette fondamentalement forte ( Aaron Sorkin , prendre des notes). Un conflit clé du côté du film est le dégoût de Murrow d'avoir à animer une émission de discussion de célébrités moelleuse, une sorte de `` un pour eux '' pour lui donner la piste pour ses efforts journalistiques acharnés `` un pour moi ''. Mais Bonne nuit et bonne chance. prouve que vous pouvez avoir les deux; tu peux divertir et informer, et ces divisions que Clooney est tellement déterminé à examiner sont beaucoup plus arbitrairement cédées qu'elles ne le semblent intrinsèquement à première vue.

Un niveau de, enfin, peut-être pas `` espoir '' mais de `` progrès durci '' aide à ombrer les bords souvent durcis de Bonne nuit et bonne chance. , celui qui lui donne sa conscience, son âme, et malgré la façon dont Murrow pourrait vouloir qu'une thèse sur la vérité opère, son cœur. Cela donne au film sa résistance et sa pertinence actuelle. Cela nous rappelle, sans avoir besoin de marteler le point sur nous, que le travail acharné et aussi pur d'intentions et de possible peut se briser à travers toute surface performativement agressive à sa manière. «Bonne chance» en fait partie, bien sûr. Mais le meilleur film de Clooney nous montre que la chance peut et doit également être tempérée et forgée par un bon travail. Ce n'est qu'alors que nous pourrons gagner nos bonnes nuits.