Critique de 'The Boys in the Band': richement interprétée et pleine de couches

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L'adaptation de Broadway est diffusée sur Netflix le 30 septembre.

L'ensemble de la distribution et du réalisateur de la reprise de Broadway primée en 2018 de Mort Crowley c'est Les garçons de la bande revenez pour cette adaptation cinématographique Netflix 2020, et vous pouvez le sentir. Il y a une confiance tranquille, un mode de travail à la fois enfermé et libre d'être libre, une compréhension dominante des aspects les plus elliptiques et les plus compliqués du matériau dans chaque image du film. Le public est attiré, a besoin de savoir ce qui se passe ensuite, a besoin de réfléchir et de repenser à chaque instant. Joe Mantello Le travail de est richement captivant, accessible mais imprévisible, et probablement l'un des meilleurs films originaux de Netflix à ce jour.

Michael ( Jim Parson ) organise une fête d'anniversaire pour un ami, Harold ( Zachary Quinto , faisant toute l'entrée). De nombreux invités à la fête se rendront dans le petit appartement de Michael à New York, une équipe hétéroclite d'hommes atteints de diverses névroses interprétés par Matt Bomer , Andrew Rannel , Charlie Carver , Robin de Jésus , Michel Benjamin Washington , et Tuc Watkins . Tous les hommes présents à cette fête sont ouvertement homosexuels. Tous sauf un. Alain ( Brian Hutchison ), le colocataire hétérosexuel de Michael, organise la fête après avoir passé un coup de fil étrangement émouvant à Michael. Et son arrivée déclenche une série de révélations, d'admissions et d'examens émotionnels profonds.

Image via Netflix

Ce type de mode de narration 'salle fermée, en temps réel, seuls les personnages parlent' est parfait pour le théâtre, mais peut parfois donner des résultats cinématographiques rigides ; les grincements et les gémissements artificiels ajoutés dans la traduction. Aucun faux pas ne se produit dans ce film, avec Mantello et co-scénariste Ned Martel ( histoire d'horreur américaine ) comblant de manière satisfaisante et subtile les lacunes des contextes de ces personnages, et éditeur Adrian van Zyl ( Pose ) sachant exactement quand et comment couper des flashbacks à lentille impressionniste pour percer ce que disent nos personnages. L'homme qui regarde tout ça est Bill Pape , un directeur de la photographie que j'ai déjà loué sur ce site , et il rend encore une fois un excellent travail. En resserrant ses personnages dans un cadre large mais compressé de 2,4: 1, le travail de Pope donne au texte exactement ce dont il a besoin, nous orientant avec des mouvements de caméra fluides, nous surprenant avec son blocage d'ensemble vif et intelligent, se verrouillant sur des gros plans durs pendant éviscérer des monologues, et même fournir une blague visuelle ici et là (un coup trouve Harold sur le point de décrocher un téléphone … avant qu'un focus de rack ne révèle qu'il attrape plus d'alcool à la place). Mantello n'a rien perdu de son groove de réalisateur dans cette adaptation; ne gagne ici.

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En fait, la capacité de la forme cinématographique à se concentrer sur un objectif singulier met en évidence, visuellement, une exploration proéminente dans le texte : son vrai soi contre son image projetée, en particulier et explicitement en ce qui concerne le fait d'être gay dans les années 1970. De nombreuses révélations majeures, en particulier liées à Michael, reposent sur la révélation intérieure que l'image projetée se fissure, se bat avec son vrai moi. Pour illustrer cela, des miroirs dans des cadres à l'intérieur du cadre cinématographique plus large sont souvent utilisés. Tant de personnages se vérifient constamment dans leur miroir, ajustant leur visage, leurs cheveux, s'assurant que rien ne trahit leur conflit intérieur, leur douleur. Pope et Mantello filment ces moments miroirs intelligemment et de manière irrégulière, plaçant des surfaces réfléchissantes dans des espaces intrusifs, qu'ils soient au premier plan, cachés dans la marge ou écrasés par leurs propres limites. C'est un dispositif visuel sans cesse efficace, seulement magnifié par le fait que nous vivons tout cela à travers le cadre (et, à bien des égards, le miroir) du cinéma.

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Quant au sujet principal de ce qui est dans ce cadre : Les acteurs. Mon Dieu, ces acteurs font un excellent travail. Vous pouvez ressentir l'expérience de travailler en tant qu'ensemble sur scène, le confort de rester activement engagé en tant qu'auditeur en arrière-plan pendant qu'un autre joueur obtient son solo, l'empathie brillante qui rayonne à travers ses yeux. Tout le monde a l'occasion de briller de mille feux, mais je suis particulièrement frappé par de Jésus dans le rôle d'Emory, notre personnage campy le plus performatif dont le cœur bat profondément; Washington dans le rôle de Bernard, dont la transition de 'Je m'amuse à la fête' à 'Cette fête va me ruiner' est puissamment relatable ; et Watkins dans le rôle de Hank, le plus récemment sorti, direct et déchiré entre toutes sortes de côtés. Ces personnages amour les uns les autres (enfin, peut-être pas notre pauvre Cowboy, joué par Carver comme un mannequin attachant) même s'ils se mettent délibérément sous la peau de l'autre; entrer dans la peau de l'autre est la façon dont vous entrez dans le cœur, comment vous vous aimez le plus.

Parsons, notre chef de file, est invité à creuser le plus brutalement, à communiquer un arc extrêmement variable, à risquer de perdre notre sympathie pour sa descente incessante vers «la vérité», peu importe qui est blessé en cours de route, peu importe avec quelle insensibilité il encadre comme « un jeu ». Je n'ai jamais vu Parsons travailler comme ça auparavant; il militarise ses névroses au-delà du point de comédie relatable en une forme de dégoût sauvage et sans attache dans toutes les directions. C'est une performance fascinante, même si lors de la première montre, il manque parfois le point de connexion naturel que je voudrais du scénario, se sentant abrupt, déchiqueté et démotivé à la place. Je soupçonne que c'est une caractéristique, pas un bug, de la lecture de Parsons et Mantello sur le personnage, et les derniers moments du film, en particulier en ce qui concerne les auto-conclusions de Michael et Alan (ou leur absence), semblent solidifier cette intention .

L'incident incitatif ne se concentre pas sur qui vous pourriez penser qu'il le fait, et sa résolution n'affecte pas qui vous pourriez penser qu'il le fait, et chaque membre de la distribution et de l'équipe est prêt à communiquer ce point avec une efficacité subtile, une beauté dans l'artisanat , et une empathie sans encombre. Le moment Les garçons de la bande était terminé, j'avais l'impression que j'avais besoin de le revoir, maintenant que je comprenais plus clairement le chemin qu'il m'emmenait. C'est une belle chose quand un film peut être aussi riche et robuste, aussi épanouissant et nutritif, aussi compliqué et émouvant. Il apporte un théâtre brillant aux masses, oui, mais le fait avec une compréhension brillante de la forme cinématographique. C'est une œuvre totalement humaine, une célébration de nos corps, de nos âmes et de nos cœurs, un rappel des pouvoirs de la connexion et de l'amour sous toutes ses formes effilochées.

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Grade: UN-

Les garçons de la bande est diffusé sur Netflix le 30 septembre.

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