Chaque film d'animation Disney jamais réalisé est classé du pire au meilleur

Il y a eu 58 longs métrages animés de Disney depuis 1937, alors comment se comparent-ils?

Il est difficile de classer les films d'animation Disney, et pas seulement parce qu'il y en a tellement. Ce sont des films qui signifient tant pour tant de gens, qui sont intrinsèquement liés à de puissants souvenirs d'enfance et qui ont informé ce que nous considérons tant d'adultes. magique . Classer leurs forces et leurs faiblesses respectives devient tout autant une enquête sur Pourquoi vous avez aimé quelque chose tel qu'il est à sa valeur relative en tant qu'entreprise créative. (Se séparer de ces émotions est extrêmement difficile.) Pourtant, j'ai essayé de faire exactement cela, et je voulais également partager des histoires sur la réalisation des films, afin que vous sachiez exactement ce qui est entré dans le succès de ce film (ou son absence). Donc, oui, c’est une leçon d’histoire autant qu’une évaluation critique. (Mes principales sources étaient Guerre de Disney par James B. Stewart , Créativité Inc. par Ed Catmull et Amy Wallace , et Walt Disney par Neal Gabler , ainsi que les films documentaires fantastiques La Belle au bois dormant au réveil et Walt et Le groupe . Je les recommande vivement à tous.)

Mais s'il vous plaît, dites-nous dans les commentaires ce que vous pensez de cette liste, quels films Disney vous continuez à revisiter et lesquels de ces 58 dont vous n'aviez même pas entendu parler jusqu'à cette liste.



Et si vous vous sentez inspiré pour en vérifier certains sur Disney +, voici une liste de tout ce qui est actuellement disponible en streaming sur ce service de streaming.

58) Poulet petit (2005)

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Le milieu des années 2000 était une période intéressante pour les Walt Disney Animation Studios; ils avaient presque complètement abandonné l'animation traditionnelle dessinée à la main, les studios satellites de Paris et d'Orlando fermant tranquillement leurs portes également (en 2002 et 2004 respectivement). Il y a même eu une tentative de produire des suites de films Pixar sans leur implication, grâce à une faille dans leur arrangement original qui Michael Eisner voulait exploiter (il y avait même un Additionnel animation studio - Circle 7 - mis en place à Glendale pour gérer les suites). Et en cette période chaotique, WDAS essayait de se réinventer en tant que studio frais, avant-gardiste et généré par ordinateur de demain. C'était aussi désordonné et sans but que le studio d'animation depuis la mort de Walt, et était marqué du même type d'incertitude créative et financière. Et dans ça Petit poulet est né . C'est un film qui a fait aucun impact . Vous ne voyez pas les peluches des personnages dans les magasins Disney et vous ne les voyez pas se promener dans Disneyland ou Walt Disney World en serrant la main des gens. Cela s'est presque évaporé de la conscience publique et pour une bonne raison: c'est vraiment très mauvais. À l'origine envisagée comme une histoire plus non conventionnelle sur une femelle Chicken Little et sa relation avec son père, elle s'est transformée au fil des ans en une sorte de comédie de science-fiction, le `` ciel tombe '' faisant référence à une invasion extraterrestre. ( D'accord .) Mark Dindal , qui avait auparavant dirigé le très brillant La nouvelle routine de l'empereur , se sent perdu avec la dimensionnalité supplémentaire et les animateurs, apprenant une méthodologie entièrement nouvelle, ne sont pas exactement dans leur jeu. C'est probablement le film Disney le plus laid de tous les temps.

57) Le renard et le chien (1981)

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Cher seigneur, ce film est ennuyeuse . C'est quelque peu important sur le plan historique, car c'était le dernier film sur lequel ont travaillé certains des légendaires Nine Old Men de Walt, qui ont ensuite confié les tâches d'animation à une nouvelle génération d'artistes talentueux, dont beaucoup seraient responsables de façonner les prochaines générations. des fonctionnalités animées de Disney (parmi lesquelles: John Lasseter , Tim Burton , Ron Clements , John Musker , Mark Dindal et Brad Bird ). Il convient également de noter que pendant la production Don Bluth , l'un des animateurs vedettes de la société et quelqu'un que beaucoup considéraient comme l'héritier apparent de Walt Disney, a organisé une défection majeure avec plusieurs autres animateurs et a quitté le studio, ce qui a effectivement guidé la production (avec 17% du personnel dépassé la date de sortie a été repoussé de Noël 1980 à l'été 1981). Il est clair que la tension créatrice entre la vieille garde et la nouvelle génération d'animateurs a laissé sa marque. Vous pouvez sentir un meilleur film en essayant de sortir de la façade mignonne et écoeurante de Le renard et le chien de chasse mais malheureusement cela n'arrive jamais. (Et imaginez simplement s'ils avaient traversé une séquence impliquant Charo, l'agrafe du jeu télévisé, en tant que grue, chantant une chanson intitulée `` Scoobie-Doobie Doobie Doo, Let Your Body Turn Goo. '' En fait, peut-être que cela aurait été incroyable.) Bien sûr, c'est mignon, mais vous souvenez-vous vraiment de quoi que ce soit à part la séquence d'attaque d'ours et Pearl Bailey chantant «Best of Friends? Je ne pense pas.

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56) À la maison sur la plage (2004)

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Pendant un moment, ça ressemblait à À la maison sur la plage serait le dernier film d'animation traditionnel que Disney sortirait jamais. Et si cela avait été vrai, cela aurait été une disparition vraiment sans gloire. À la maison sur la plage , initialement envisagé comme un western surnaturel ambitieux appelé Balles de transpiration (il est entré en production peu de temps après Hercule ), bientôt mutée en une comédie musicale dinky mettant en vedette trois vaches femelles ( Rosanne Barr , Judi Dench , et Jennifer Tilly ) qui tentent d'arrêter un voleur de bétail (joué, dans ses derniers jours de raison, par Randy Quaid ). Ce n'est pas une blague, une énorme perte de temps - sans humour, relâché et présentant des conceptions et des arrière-plans de personnages sans imagination. Le seul point fort (et relativement faible à cela) est le grand numéro musical du méchant, `` Yodel-Adle-Eedle-Idle-Oo '', qui les voit au moins canaliser une certaine bizarrerie précoce de Disney. Heureusement, il y aurait plus de films d'animation traditionnellement publiés par Disney, donc même sa place dans le canon historique de Disney a été diluée.

55) Dinosaure (2000)

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S'il s'avère Jon Favreau de Le roi Lion remake utilise des plaques d'action en direct sur lesquelles les animateurs superposeront ensuite des personnages hyper-réalistes (et je ne peux pas obtenir la confirmation que cela a été complètement exclu), sachez simplement qu'il existe un précédent pour ce genre de chose. Et que c'est terrible . C'était la vanité derrière Dinosaure , une expérience audacieuse, ambitieuse et tout à fait ennuyeuse qui était une production gérée à la fois par Walt Disney Animation Studios et The Secret Lab, une maison hybride d'effets et d'animation que Disney avait installée dans une installation ultramoderne près de Burbank aéroport. Ce qui a commencé en 1988 comme un projet en stop-motion, dirigé par Paul Verhoeven avec une animation supervisée par le légendaire Phil Tippett , est rapidement devenu un conte de famille et de survie plutôt à l'emporte-pièce, rendu dans une animation par ordinateur totalement peu convaincante et instantanément datée. Les dix premières minutes du film, une odyssée sans paroles qui a suivi un œuf sur le point d'éclore, est magnifique mais le reste… pas tellement. Tout y est à la fois absurde (tellement lémuriens ) et banal; c'est un film qui a les enjeux les plus élevés possible (la fin du monde) mais qui ne peut pas mobiliser beaucoup d'énergie ou d'investissement émotionnel. Le film, sorti quelques semaines après l'émission spéciale de la BBC Marcher avec des dinosaures (qui employait littéralement la même approche des plateaux d'action réelle et des personnages animés), ressemblait à la nouvelle d'hier avant même de sortir. L'extinction ne pouvait pas arriver assez tôt.

54) Boulon (2008)

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Walt Disney Animation à son plus inoffensif, Verrouiller met en vedette une équipe talentueuse derrière la caméra, y compris l'avenir Grand héros 6 réalisateur Chris Williams , les Emmêlé équipe créative de Byron Howard et Nathan Greno , et un scénario co-écrit par C'est nous créateur Et Fogelman , mais il manque quelque chose d'intéressant à distance, que ce soit techniquement ou en termes de narration. Le fait qu'il soit cohérent du tout est quelque chose d'un miracle, étant donné que sa production s'est étroitement alignée sur la campagne controversée `` Save Disney '' qui se terminerait par l'éviction de Michael Eisner et Bob Iger payer une somme considérable pour Pixar et ses principes créatifs pour exécuter toute la production animée de Disney. À l'origine, le film s'appelait Chien américain et était écrit et réalisé par Chris Sanders , le génie épineux derrière Lilo et Stitch et un artiste d'histoire Disney de longue date (ses storyboards pour Le roi Lion fera tomber votre mâchoire - et ce n'étaient que des storyboards). Ce film, s'il avait vu le jour, aurait été salué comme un chef-d'œuvre décalé, notez mes mots. Mais nouveau patron John Lasseter , se trouvant désormais en charge de l'animation Disney ainsi que de Pixar, n'aimait pas Lilo et Stitch et pensé Chien américain L'histoire de lui était trop problématique (il ne pouvait pas se remettre de l'idée que les humains pouvaient comprendre les animaux lorsqu'ils leur parlaient). Sanders a été soulagé, la nouvelle équipe (extrêmement talentueuse) a été installée et le récit est devenu beaucoup plus simple et moins pointilleux. Verrouiller est pratique, bien sûr, et c'est probablement une bonne chose, pour la santé globale du studio, qu'il ait emprunté une voie plus conventionnelle. Mais Chien américain (avec quelques autres) restent un what-if sacrément tangible qui rend Verrouiller ressemble moins à un film qu'il ne l'est déjà, pour le meilleur ou pour le pire.

53) Oliver & Company (1988)

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Si vous vous êtes déjà demandé où les films d'animation DreamWorks, douloureusement «branchés», ont commencé, voici un bon point de départ. Initialement présenté par l'animateur Pete Young dans l'un des Jeffrey Katzenberg Le tristement célèbre `` Gong Show '' des réunions de pitch où les animateurs jettent des idées et les mauvaises idées sont `` gongées '' hors de la salle (le pitch était simplement `` Oliver Twist avec des chiens '), cela a suscité le désir de Katzenberg de faire un film à gros budget hors du standard de Broadway Oliver ! à Paramount Pictures. Maintenant, il pouvait le faire! Avec des chiens! Bien qu'un succès modeste au box-office, le film est une déception créative (et beaucoup de Disney partageaient cet avis à l'époque). Le sac à main des musiciens pop et des personnalités musicales coincé dans le film (parmi eux: Billy Joel , Huey Lewis et Bette signifie , qui était en quelque sorte un pilier de Disney à l'époque) dans une tentative désespérée de pertinence contemporaine pour une ambiance moins cohérente. Il est à noter qu'il s'agit du premier long métrage d'animation de Disney à présenter les capacités lyriques du légendaire Howard Ashman , qui avec Alan Menken allait devenir un élément clé de la popularité renouvelée de Disney à la fin des années 1980 et au début des années 1990. C'était aussi le premier film à abandonner la peinture réelle; le film a été en grande partie coloré à la place par le système CAPS qui a été développé avec l'aide d'une entreprise informatique en difficulté dans le nord de la Californie appelée Pixar. ( Les sauveteurs en bas serait le premier film à utiliser complètement le processus.) Bien que ceux-ci soient intéressants, ils n'ajoutent rien à la jouissance réelle du film, qui semble boiteux et décousu.

52) Le chaudron noir (1985)

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Ce film est terrible mais les histoires qui en sont issues sont au-delà délicieuse. Plus de dix ans dans la fabrication (les droits ont été optés pour la première fois en 1971 et Disney a repris les droits l'année dernière), Le chaudron noir a été le premier film d'animation de Walt Disney à présenter des images générées par ordinateur, le premier à avoir une bande-son Dolby Digital, le premier à être classé PG et le premier à utiliser largement le 70 mm depuis La belle au bois dormant en 1979. C'était le plus bas de la période post-Walt; la production était inutile, exorbitante et non focalisée sur le plan créatif. Et c'était avant Roy Disney , Le neveu de Walt et un membre clé du conseil d'administration, a vu un premier montage du film et a été horrifié par ce qu'il considérait comme une violence excessive. Il a suggéré de couper les séquences sanglantes mais selon James Stewart de Guerre de Disney , a avoué le producteur Joe Hale, «Je ne comprends tout simplement pas l'histoire. Mais ce n'était rien comparé à la réaction qu'il a suscitée chez Jeffrey Katzenberg, le nouveau responsable de l'animation qui avait suivi Michael Eisner de Paramount. «Cela doit être modifié», a-t-il proclamé. «Les films d'animation ne peuvent pas être montés», l'informa Hale. Katzenberg a fait irruption dans la salle de montage et a dû être dénoncé par Eisner, qui l'a informé que Roy pouvait gérer la situation. Le film a été reporté d'un an, avec plus de matériel répréhensible retiré et des dialogues supplémentaires enregistrés. Quand Roy est apparu sur Le spectacle d'aujourd'hui et on lui a demandé quel était le film, il ne pouvait pas le dire. Lorsque le film a finalement ouvert, il a perdu au box-office pour Le film Care Bears . Le règne de Disney était officiellement terminé. Ils avaient touché le fond. Et regarder le film maintenant, ça ne tient pas mieux. C'est toujours moche et confus, avec des conceptions simplistes (et c'est après avoir persuadé Milt Kahl de quitter sa retraite pour faire une conceptualisation supplémentaire). John Hurt comme The Horned King, cependant, est l'étoffe des cauchemars et est facilement l'un des méchants Disney les plus effrayants (et les plus sous-utilisés) de tous les temps (il y avait une version Audio Animatronic très effrayante du personnage à Tokyo Disneyland - YouTube il ). Le chaudron noir est un échec noble mais cela ne le rend pas plus intéressant ou regardable.

51) Salutations amis (1942)

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Le premier d'une série de `` films d'emballage '' plus économiquement gérables qui pourraient être produits en utilisant les ressources réduites du studio pendant la Seconde Guerre mondiale (lorsque le studio Burbank était occupé par du personnel militaire et produisait un certain nombre de films éducatifs) et le premier film inspiré par la tournée de bonne volonté parrainée par le gouvernement de Walt en Amérique du Sud (plus à ce sujet plus tard), Salut les amis est plus fascinant qu'adorable. Le film est surtout remarquable pour son introduction colorée de Jose Carioca (exprimé par José Oliveira ), le perroquet brésilien, amateur de cigares et de samba, qui a été le complice de Donald Duck. Parmi les segments du film, le plus mémorable est «Pedro», sur un avion anthropomorphe livrant du courrier au Chili (il suit un chemin similaire à celui que Walt a emprunté). Cette séquence était si bonne, en fait, qu'elle a été publiée en tant que court-métrage autonome par RKO, alors distributeur de Disney.

50) Trois Caballeros (1944)

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Le suivi de Salut les amis et le deuxième des «films à forfait» de la Seconde Guerre mondiale de Disney à s'inspirer de l'ambassade de Walt en Amérique du Sud. (En bref: le Département d'État, désespéré de trouver un soutien en Amérique du Sud, a envoyé Walt faire une tournée de bonne volonté dans la région. Walt, qui a amené une petite équipe d'artistes, y voyait un moyen de recharger ses batteries de manière créative.) Trois Caballeros est la version la plus amusante et la plus énergique de Salut les amis , et a un autre tout nouveau personnage pour rejoindre Jose et Donald: Panchito Pistoles ( Joaquin Garay ), qui était censé représenter la culture mexicaine. Il a également présenté Aracuan Bird, un étrange oiseau sud-américain d'origine indéterminée qui continuerait à faire plusieurs autres apparitions aux côtés des personnages les plus populaires. Bien que considéré comme l'un des classiques animés de Walt Disney Animation Studios, le film présente une utilisation libérale de séquences d'action en direct, la plupart mettant en vedette des personnalités culturelles populaires de l'époque ( Aurore miranda , Dora Lumière , etc.) C'est un film vivant et étrange, en particulier lors de la séquence kaléidoscopique `` Donald's Surreal Reverie '' qui est plus trippante que tout ce que le studio avait fait en dehors de la séquence `` Pink Elephants on Parade '' de Dumbo et tout de Fantaisie . Three Caballeros a également eu une ombre étonnamment longue, en grande partie grâce à leur apparence (avec le tapis magique de la section `` Mexique: Pátzcuaro, Veracruz et Acapulco '' du film) dans Gran Fiesta Tour avec les Trois Caballeros, l'attraction au cœur du pavillon du Mexique dans la vitrine mondiale d'Epcot Center à Walt Disney World. Être !

49) Rencontrez les Robinsons (2007)

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Il s'agit d'une caractéristique transitoire étrange dans l'histoire de l'entreprise. Pendant la production, Disney avait annoncé qu'il achetait Pixar et que John Lasseter, cinéaste visionnaire et Pixar bigwig, dirigerait la charge sur tout fonctionnalités animées. Quand il a vu Rencontrez les Robinsons , il a acculé le réalisateur Stephen Anderson et lui a dit comment le film pourrait être amélioré. (Le New York Times réclamations la rencontre a duré six heures .) Le film a fini par être repoussé et le film fortement retravaillé (quelque chose comme 60% de ce qui avait été fait auparavant a été jeté). On ne sait pas si la version antérieure du film aurait été bien meilleure, mais la version de Rencontrez les Robinsons qui a été libéré était assez peu cuit. Il y a de bonnes choses à propos de cette comédie familiale - conte de voyage dans le temps, en particulier Danny Elfman score et quelques cris astucieux à la section Tomorrowland des parcs Disney, mais dans l'ensemble, cela ressemble au pilote d'une série que nous ne pouvons jamais regarder. Il y a tellement de personnages, chacun d'eux finement esquissé, avec très peu de résolution (ou même une ligne émotionnelle claire). C'était le travail d'un studio au bord du précipice d'une grandeur renouvelée mais celui-ci n'est… pas génial.

48) Make Mine Music (1946)

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Le troisième des `` films d'emballage '' de la Seconde Guerre mondiale conçus pour maintenir le studio à flot pendant que le studio physique était occupé par l'armée américaine et forcé de produire des films de propagande astucieux, Make Mine Music a un peu plus de prestige (il a été inscrit au Festival de Cannes) et une poignée de pièces mémorables, mais comme les autres films de cette série, cela ressemble à ce qu'il est - une collection d'idées non raffinées placées les unes à côté des autres et sorties en salles. (Il y a dix segments et pourtant le film craque à peine une heure d'exécution.) Les sections les plus mémorables du film incluent `` Blue Bayou '' (beau et mélancolique, il était initialement prévu pour Fantaisie et a servi d'inspiration pour l'un des restaurants les plus célèbres de Disneyland), `` Casey at the Bat '' (basé sur le Ernest Thayer poème, récité ici ) et 'Peter and the Wolf' (vraiment magnifique, basé sur le Sergueï Prokofiev composition avec narration par Sterling Holloway ). Le film (initialement intitulé Rue Swing ) n'était pas l'un des favoris de Walt (les animateurs ont convenu, y faisant référence comme une `` vente de restes '') et les critiques généralement effusives à propos de tout ce qui porte le nom de Disney étaient indifférents. Pourtant, il a fait un profit, donc plus de films dans le style ont été produits. Les ventes restantes se sont poursuivies.

47) Gratuit et amusant (1947)

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Au lieu d'une pléthore de courts métrages, Amusement et fantaisie gratuit a été tranché au milieu (comme l'un des haricots de Mickey), mettant en vedette deux contes qui ont été initialement développés comme des longs métrages avant de caler. Cela signifiait que la moitié du film était consacrée à `` Bongo '', une histoire sur un ours de cirque qui se retrouve dans la nature (un scénario qui serait recyclé des décennies plus tard dans des films comme Verrouiller ), raconté par Jiminy Cricket; et «Mickey et le haricot haricot», la section beaucoup plus grande du film, qui a mis le personnage le plus célèbre de Walt dans le conte de fées classique. (C'était une idée qui avait été proposée dès 1940 sous la forme d'un long métrage intitulé La légende de Happy Valley .) 'Mickey and the Beanstalk' a été raconté par Edgar Bergen , qui biographe de Disney Neal Gabler noté comme «l'une des rares personnes» avec qui Walt a socialisé. Bien que la section Mickey du film soit supérieure, elle souffre également un peu du fait que Mickey n'est qu'un autre personnage (un destin similaire est arrivé aux Muppets lorsqu'ils ont été contraints à des adaptations littéraires classiques), comme le note également Gabler. C'est peut-être révélateur que c'était le premier film où Walt n'a pas exclusivement exprimé le personnage lui-même. Au lieu de cela, il a appelé l'homme des effets sonores Jimmy Macdonald dans son bureau et lui a dit qu'il n'avait plus le temps, bien qu'il ait été théorisé que sa voix, qui prenait une qualité graveleuse en raison de ses cigarettes sans filtre à fumer à la chaîne, avait probablement quelque chose à voir avec cela. Macdonald interpréterait le personnage pendant les 38 prochaines années. Ainsi, alors que le Mickey dans ce film s'était éloigné de la souris si aimée, c'était le début d'une version du personnage qui durerait plusieurs décennies.

46) Temps de mélodie (1948)

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Peut-être le plus inégal des `` films d'emballage '', il y a aussi une beauté lyrique à trouver dans Temps de mélodie , ce qui, malgré ses hauts et ses bas, en fait le meilleur du peloton - ou du moins le plus intéressant. Initialement conçu comme une anthologie de héros folk américains (il n'en reste que deux dans le produit final), il sert comme une sorte de suivi à moitié formé de Fantaisie , qui malgré son succès commercial était toujours considérée comme une étoile du nord créative. Sur les sept courtes sections, la plupart sont au moins divertissantes et certaines sont carrément époustouflantes. «Once Upon a Wintertime», avec son esthétique graphique audacieuse et sa narration sans mots, est en quelque sorte un classique des vacances de Disney; il y a une sorte de beauté étrange aux «arbres», principalement en raison de son utilisation de cellules «givrées» pour transmettre ses origines de livre de contes; «Pecos Bill» est un vibrant hommage à la création de mythes américains; et «Blame it on the Samba» présente nos amis de Salut les amis , ce qui est amusant. En fin de compte, Temps de mélodie (comme les autres films du package) se situe maladroitement entre une `` symphonie idiote '' trop longue et la grande ambition de Fantaisie . Lorsque le film est sorti, il n'a pas réussi à récupérer son prix élevé de 2 millions de dollars, imputé (au moins par Roy Disney) à une alerte à la polio qui éloignait les enfants des salles de cinéma. Le résultat a été des licenciements au studio et une croisière hawaïenne de trois semaines pour Walt. Il voulait oublier le travail pendant un moment. Il est facile de comprendre pourquoi.

45) Les sauveteurs (1977)

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On se souvient maintenant plus de l'épissure d'une seule image d'un film pornographique en arrière-plan que de quoi que ce soit dans le film réel, Les secouristes est par intermittence charmant mais surtout sans saveur et mou. Initialement tenté des années plus tôt avec Le livre de la jungle préféré Louis Prima dans un rôle musical de premier plan (il jouerait également un ours chantant), il a été mis en attente après que le chanteur a découvert qu'il avait une tumeur au cerveau. Au lieu de cela, deux autres Margery Sharp les histoires ont été adaptées et combinées pour former Les secouristes . L'idée d'une paire de détectives d'animaux tentant de résoudre un crime dans le monde humain est une idée ingénieuse (l'affiche originale promettait `` mystère '', `` amusement '' et `` intrigue ''), et Bob Newhart et Eva Gabor sont des interprètes formidables, parfaitement adaptés à l'animation. (Pensez simplement au camée sans faille de Newhart faisant l'éloge de Krusty sur Les Simpsons ou les performances supérieures de Gabor en Les Aristochats .) Mais le film semble apathique et le style d'animation (appelé xérographie en raison des lignes de l'animateur copiées sur des cellules), qui est charmant dans d'autres films, semble bon marché et inachevé ici. La pilosité des lignes ajoute une qualité médiocre à toute l'entreprise (qui a été complètement tirée dans les profondeurs de la malchance par cet animateur épissant un plan d'un film pour adultes dans l'arrière-plan de l'une des scènes). L'aspect le plus mémorable du film est probablement Madame Medusa ( Page de Géraldine ), une méchante vilaine qui était à l'origine censée être Cruella de Vil et a finalement été calquée sur l'ex-femme de l'animateur légendaire Milt Kahl (sérieusement). Les personnages de Bernard et Bianca seront revisités des années plus tard dans une suite supérieure (et encore étrangement négligée), la première de l'histoire de Walt Disney Animation Studios.

44) Les Aristochats (1970)

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C'était le dernier film approuvé par Walt Disney lui-même avant sa mort prématurée en 1966. Conçu à l'origine comme deux épisodes de sa série télévisée aux heures de grande écoute, Walt aimait l'histoire (par Walt Disney Un monde merveilleux de couleurs écrivains Tom McGowan et Tom Rowe ) à tel point qu'il a suggéré que cela pourrait mieux fonctionner en tant que fonctionnalité d'animation. Même avec plus de deux ans de travail pour affiner le scénario, le film se sent souvent usé et comme une version moindre de meilleurs films Disney ( 101 Dalmatiens Plus précisément). Les performances vocales de Phil Harris et Eva Gabor sont des as, tout comme les chansons du Sherman Brothers («Tout le monde veut être un chat» et «Thomas O'Malley Cat» sont des classiques certifiables). Mais même les chansons ont une sorte de qualité douce-amère pour eux; c'était le dernier film sur lequel les Sherman Brothers travailleraient pour la société, trouvant l'atmosphère professionnelle du studio toxique après la mort de Walt. (Ils ne reviendraient pas avant Le film Tigrou en 2000.) C'était une période d'apathie et d'inquiétude créatrice et de Les Aristochats … ça montre.

43) Robin des Bois (1973)

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Vérifiez votre nostalgie: Robin des Bois ce n’est pas très bon. Il est né de nombreuses idées abandonnées et d'inclinations à moitié cuites - Walt Disney voulait faire quelque chose avec Reynard le renard, un personnage médiéval qui devait initialement servir de vignettes animées à incorporer dans Île au trésor ; une adaptation animée de jeu populaire Chantecler (le personnage principal était un coq) avait été développé mais pataugé; et designer Ken Anderson avait réussi à rallier le soutien à une version entièrement animale de Robin des Bois situé dans le sud profond (une idée qui Chanson du sud avait déjà aigri). Le film qui en résulte n'est ni poisson ni fétide (ni renard), une collection lâche de tropes classiques, indéniablement merveilleux dessins de personnages d'Anderson (même si cela m'a toujours dérangé pourquoi Sir Hiss, un serpent, était velu ) et des séquences animées qui ont été littéralement recyclées à partir de fonctionnalités animées plus anciennes et bien meilleures. (Bien que certains le trouvent moche, je suis un grand fan de l'aspect du processus de photographie Xerox, qui a donné aux lignes une sorte de déchirure .) Robin des Bois évoque douloureusement les films qui ont été réalisés après la mort de Walt, avec des principes créatifs trop occupés à se demander ce que Disney aurait fait (ou aimé) qu'ils n'auraient jamais pensé innover pour eux-mêmes. Il a ses charmes et il a clairement eu une influence sur les Oscars de l'année dernière Zootopie mais Robin des Bois est loin d'être un classique.

42) Pocahontas (1995)

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Oui, Pocahontas est magnifique, avec son esthétique graphique pointue qui rappelle La belle au bois dormant et «Il était une fois l'hiver». Il est réalisé par deux des meilleurs de Walt Disney Animation, Mike Gabriel et Eric Goldberg . Il y a quelques airs entraînants. Mais, et je m'excuse auprès de votre enfant intérieur adorant la nostalgie quand je dis cela, c'est aussi assez moche et un rappel qui donne à réfléchir que le pedigree n'équivaut pas à la valeur du divertissement. Le pitch original de Gabriel, utilisant une image de Tiger Lily de Peter Pan , aurait reçu le feu vert le plus rapide de l'histoire du studio. (Cela avait à voir avec un certain nombre de facteurs, y compris la façon dont les films étaient lancés dans la journée, l'attrait de l'image que Gabriel avait créée et le désir de longue date du studio de créer une version animée de Roméo et Juliette .) Le chef de l'animation Jeffrey Katzenberg, pour sa part, a pensé que cela pourrait être un autre La belle et la Bête , tandis que le chef de Disney, Michael Eisner, craignait qu'il ne puisse pas être à la hauteur des normes de la récente liste de succès et de détails minutieux de l'histoire et de la musique.

En fin de compte, Eisner avait raison. Le film ne fonctionne tout simplement pas aussi bien qu'il le devrait. C'est à la fois trop lourd et, en même temps, les tentatives pour atténuer l'obscurité se révèlent simplement incohérentes et déplacées. Vous pouvez le sentir tendre pour maintenir son sérieux, même pendant les séquences avec des arbres qui parlent ou des carlins comiques. Il est gonflé par son propre sentiment gonflé de soi. 'Colors of the Wind' est un showstopper, bien sûr, mais sinon pouvez-vous nommer une autre chanson du film (en plus des incroyablement douteux 'Savages')? Bien que le personnage ait conservé un certain degré de popularité en raison de son inclusion dans la gamme de produits de consommation Disney Princess, le film est en grande partie disparu de la mémoire. (Non pas que ce soit un succès pour commencer; comparé à ces versions précédentes de la même période, il a été déçu d'un point de vue critique et commercial, bien qu'un Pocahontas - un tour à thème était prévu pour le parc à thème Disney's America, finalement disparu.) Dans chaque séquence de Pocahontas vous pouvez sentir ses bonnes intentions, mais ces mêmes intentions sont ce qui le rend si sûr et ennuyeux. Franchement, il aurait pu utiliser un peu de sauvagerie.

41) Les nombreuses aventures de Winnie l'ourson (1977)

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Cette charmante collection d'aventures plus courtes mettant en vedette Winnie l'ourson en vedette trois sections avait déjà été publiée en salle et une quatrième a été nouvellement créée pour ce programme. Inclus ici sont sans doute les histoires les plus célèbres, y compris `` Winnie l'ourson et l'arbre à miel '' et `` Winnie l'ourson et le jour explosif '', et comme ces fonctionnalités avaient déjà été produites, elles se vantent de la rangée de talents d'un meurtrier, y compris mais sans s'y limiter. aux animateurs et aux hommes d'histoire comme Ken Anderson et X. Atencio et les auteurs-compositeurs Richard et Robert Sherman. Il est également largement cité que techniquement, c'était le dernier film sur lequel Walt lui-même travaillait personnellement, puisqu'il avait participé à la fois à «Honey Tree» et «Blustery Day». Les nombreuses aventures de Winnie l'ourson est sans doute la représentation la plus emblématique et classique de tous les amis de Hundred Acre Wood et du navire dans lequel ils ont été présentés à un vaste public mondial. (Finalement, la société Disney posséderait carrément le personnage et l'achèterait des décennies plus tard à la propriété d'AA Milne.) En fin de compte, il n'est annulé que par la nature de démarrage / arrêt de sa structure et parce qu'il s'agit d'un film d'emballage composé de matériaux plus anciens, précédemment publiés au lieu d'une nouvelle histoire plus longue. Cela finirait par arriver, mais de nombreuses années plus tard.

40) Fantaisie 2000 (1999)

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Walt avait toujours voulu en faire un autre Fantaisie. Avant sa sortie, il a émis l'hypothèse qu'il aurait pu durer des décennies, avec parfois un nouveau segment ajouté pour apaiser de nouveaux publics. Alors que le travail sur un suivi a été flirté au début des années 1980, ce n'est que Fantaisie est sorti en vidéo domestique en 1990 et s'est vendu à 15 millions d'exemplaires (!) ce chef d'entreprise Michael Eisner a donné le feu vert au projet. (Jeffrey Katzenberg l'a toujours détesté et c'est resté un projet passionnel de Roy E. Disney, le neveu de Walt.) À tous égards, la production était un cauchemar alors que Roy et ses collaborateurs parcouraient des morceaux de musique classique et débattaient sans cesse du style et de la direction. les différents segments devraient prendre. Le fait que tout ait pris si longtemps rend les décisions finales encore plus déconcertantes (`` Pomp and Circumstance '' en tant que récit comique étrange de l'arche de Noé avec Donald Duck dans le rôle de Noah? Vraiment?) Mais, alors que la qualité générale ne parvient pas à atteindre les sommets astronomiques de l'original, les sections qui sont bonnes sont vraiment vraiment bien . En particulier, la section jazzy 'Rhapsody in Blue', animée par le grand Eric Goldberg et basé sur le style caricatural de Al Hirschfeld , est remarquable. Tout comme `` The Firebird '', un successeur quasi-spirituel de la section `` Night on Bald Mountain '' de l'original, cette fois avec un message plus doux, plus respectueux de l'environnement et des visuels encore plus rêveurs (réalisés via une combinaison romantique d'animation traditionnelle et effets informatisés), sur la base de Igor Stravinsky ballet du même nom. Pendant que Fantaisie 2000 n'a pas eu le même impact que l'original Fantaisie , il y avait un certain nombre d'expositions intéressantes du film, y compris une série limitée qui mettait en vedette un orchestre complet (chacune de ces performances coûtait à la société plus d'un million de dollars) et une présentation IMAX plus large.

Ce qui est encore plus surprenant, c'est que au moins deux suites étaient en développement après la sortie du film (à ma connaissance); l'un était basé sur la musique du monde et avait plusieurs segments en production (lorsque le projet a été abandonné, ces segments ont été publiés sous forme de courts métrages) et l'autre basé sur une poignée d'idées concoctées par Goldberg lui-même. C'est dommage que Fantaisie 2000 , qui joue aujourd'hui comme une capsule temporelle instantanée grâce à ses apparitions d'invités spécifiques à la fin des années 90 (qui ont invité Penn & Teller ?) était la fin de la ligne pour le Fantaisie marque. Le projet original était si innovant et il était clairement si proche du cœur de Walt que la fin de la franchise sans gloire, avec une fonctionnalité inégale que la plupart des gens ont ignorée, est une énorme déception, peu importe comment vous la découpez et quelle jolie musique joue. l'arrière-plan.

39) Planète au trésor (2002)

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réalisateur Ron Clements , qui continuerait à créer certains des classiques les plus inoubliables de la soi-disant Disney Renaissance, n'a pas eu le même poids en 1985. À l'époque, il s'est retrouvé à participer à l'une des sessions de pitch 'gong show' que Michael Eisner et Jeffrey Katzenberg dirigeraient, où les animateurs présenteraient rapidement plusieurs idées qui étaient soit acceptées soit rejetées, sur place. Deux des idées de Clements ce jour-là ont été rejetées. L'un était pour La petite Sirène (rejeté parce qu'il était trop similaire au récent succès en direct de Disney Éclaboussure ) et l'autre était quelque chose que Clements décrivait comme ' Île au trésor dans l'espace.' (Selon l'auteur James B.Stewart, Eisner a évoqué l'idée, en partie parce qu'il savait qu'il y avait un Île au trésor -style Star Trek suite dans les travaux de Paramount.) Quand Disney essayait d'obtenir Hercule sur le terrain, après une période de développement ratée sur un Odyssée long métrage d'animation, ils sont allés à Clements et à son partenaire de réalisation John Musker et leur a dit qu'ils pouvaient enfin faire leur ' Île au trésor dans le film de l'espace s'ils venaient juste d'obtenir Hercule à travers la ligne d'arrivée. Ils étaient d'accord.

Mais au moment Planète au trésor (comme on l'a finalement connu) était en développement, Atlantis : L'Empire perdu était sorti, un film de science-fiction animé sur le même thème (et plus important encore sur le même marché) était sorti et avait été ignoré par le public. Le week-end après Planète au trésor ouvert à un bilan terne au box-office, les cuivres de Disney ont annoncé une dépréciation de près de 75 millions de dollars sur le film, la plus importante de l'histoire de l'animation. Pourtant, le film a été nominé pour l'Oscar du meilleur long métrage d'animation et il y a des choses intéressantes à ce sujet. Mais dans l'ensemble, cela ne fonctionne pas aussi bien qu'il le devrait, se sentant comme un certain nombre de fonctionnalités animées anonymes de la même période (bonjour Titan A.E. !) La traduction de Robert Louis Stevenson Le conte classique dans un cadre intergalactique est étonnamment transparent (le script a été travaillé par Ted Elliott et Terry Rossio , Les collaborateurs de Clements et Musker sur Aladdin et co-architectes de la pirates des Caraïbes franchise), même si certaines des idées et des conceptions de personnages ne fonctionnent pas tout à fait (WTF est l'acolyte globulaire de Morph de toute façon?) Le plus damnable est peut-être à quel point vous voyez peu de Clements et Musker dans le travail. Ces gars sont des cinéastes classiques qui savent comment réinventer et subvertir à la fois les attentes du public et le matériel source original, mais ici, la narration semble obsolète et s'efforce désespérément d'être pertinente (il ne suffit pas que Jim Hawkins ait une coupe de cheveux de rock alternatif cool dans ce film mais il est aussi un surfeur ). Pourtant, il s'agit d'un film qui est magnifiquement produit et qui comporte un certain nombre d'innovations technologiques méchantes, comme le bras mécanique généré par ordinateur de John Silver. Vous souhaitez juste que ce soit un film si spectaculaire qu'il justifierait des décennies de développement douloureux. Peut-être qu'il était juste d'être gong.