Les meilleurs films d'horreur de la décennie

Les progrès de la réalisation de films numériques ont ouvert les vannes aux jeunes créatifs, mais nulle part ces nouvelles opportunités n'ont été ressenties que sur le marché de l'horreur.

La raison pour laquelle les films B sont devenus un foyer pour les cinéastes créatifs de tous types dans les années 30 et 40 est en grande partie parce que leurs budgets relativement minuscules n'ont jamais attiré l'attention des grandes images de prestige. Les films Howard Hawks , John Ford , Val Lewton , et Jacques Tournier (pour n'en nommer que quelques-uns) réalisé n'allait jamais remporter les Oscars, du moins aux yeux des chefs de studio, et par conséquent, les productions n'avaient pas besoin d'être contrôlées et examinées avec autant de diligence. Mais ensuite, bien sûr, les producteurs ont commencé à essayer de forcer le prestige sur ces mêmes images et le reste est une histoire digne de gémissements.

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L’horreur a, à bien des égards, repris le flambeau du code de créativité des films B, utilisant souvent des budgets tout petits pour créer des visions atmosphériques et expressives de la terreur et du côté grotesque des désirs de l’humanité. Les réalisateurs aiment Wes Craven et John Carpenter a symbolisé ce genre de pensée dans les années 1980 et au début des années 90, mais la scène a explosé avec l'avènement du cinéma numérique dans les oughts et, assez tôt, le marché a été inondé de… enfin, la plupart du temps des ordures. La facilité de production ne signifiait pas nécessairement que ceux qui avaient imaginé et réalisé ces films avaient les capacités de résolution de problèmes décousues qui Walter Hill avait, ou même avait le sens aigu de la composition qui a fait de Carpenter une légende. Cela signifiait simplement que quiconque avait un penchant pour les frayeurs bon marché et les effets moins chers dans la même veine que Sean S. Cunningham pourrait maintenant faire quelque chose de similaire avec un budget de production bien inférieur à un million. Il en va de même pour la plupart des genres cinématographiques qui ont reçu de toutes nouvelles perspectives, le numérique devenant la nouvelle norme.

Et pourtant, dans le même temps, un grand nombre de jeunes cinéastes intelligents ont utilisé la liberté que le numérique permettait de commencer à faire des films d'une férocité étonnante et de détails intimes, autant dans l'horreur que dans les drames, les comédies, les comédies musicales ou les films noirs. En même temps Joe Swanberg et Andrew Bujalski est venu sur les lieux, tout comme Vous Ouest et Adam Wingard , sans doute le plus talentueux de cette jeune génération de chiens d'horreur. C'était aussi quand Rob Zombie posa les guitares désaccordées et prit une caméra, et sa réalisation a de plus en plus suggéré une vision artistique libérée comme personne d'autre dans la raquette d'horreur, ou vraiment n'importe où sur le spectre cinématographique.

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À l'international, la France, le Mexique, le Japon et l'Italie ont tous réalisé des œuvres de terreur émouvante, des films centrés sur la relation psychologique et surnaturelle entre les humains et les corps, les leurs ou ceux des autres. Ici, en Amérique, cependant, l'horreur est devenue une industrie artisanale aujourd'hui, et nous produisons plus de ce genre particulier que n'importe quel autre pays, ce qui dit sans doute quelque chose de pas tout à fait agréable à propos de nos goûts. Que ce soit en Corée du Sud, au Canada ou à New York, le meilleur de ces films ruminent sur cette même pensée et il y a beaucoup d'articles de ce genre sur notre liste des meilleurs films d'horreur de cette décennie jusqu'à présent, qui, un peu comme le B -films d'autrefois, présente plus de quelques entrées qui montrent plus d'ingéniosité et d'esprit artistique que la plupart des images dites de prestige.

Nous avons publié et mis à jour cette liste à quelques reprises au fil des ans, mais avec la fin de la décennie, il est temps de le faire.La moitié arrière de la décennie a vu l'arrivée d'autant de nouvelles voix montantes, y compris les succès critiques et commerciaux de Jordan Peele et Ari Aster , les favoris du festival de cinéastes internationaux comme Julia Doucournau , Coralie Fargeat , Issa López , et Panos Cosmatos . Dans le même temps, des sociétés de production comme Blumhouse et New Line ont continué de doubler le potentiel de succès des franchises d'horreur avec l'attrait durable de la propriété intellectuelle comme Halloween et IL .

Nous sommes ce que nous sommes (2010)

Crédit à Jim Mickle pour avoir façonné un remake décousu, bien que plus ordonné et chargé d'histoire, de cette merveille mexicaine il y a quelques années, mais l'original de 2010 est une chose d'intrigues et de terreur surprenantes. Un homme s'effondre dans un centre commercial et vomit une marée de sang noir, provoquant un peu une scène parmi les habitants du Mexique et les médias. C'est beaucoup plus important pour sa couvée cannibale, qui doit maintenant assumer ses responsabilités d'accomplir des rituels familiaux et de mettre, euh, le dîner sur la table. Scénariste-réalisateur Jorge Michel Grau travaille une perspective empathique sur ces mangeurs de viande, mais ne lésine pas sur les détails macabres, qui se transforment en un point culminant sanglant et une prise de vue finale obsédante. Ce n'est que cette année que Grau est revenu aux fonctionnalités, avec des Grand ciel , mais avec Nous sommes ce que nous sommes , il a créé une image cannibale élégante et sinistre, l'une des meilleures du sous-genre en fait. - Chris Cabin

Exportations rares: un conte de Noël (2010)

Dans cette parabole amoureusement sombre, le Père Noël n'est pas un grand connaisseur de lait et de biscuits avec un sac plein de cadeaux, mais plutôt un psychopathe affamé et dégingandé ( Peeter Jakobi ) ciselé dans une montagne pour un joli sou. Réalisateur Jalmari Helander rythme cet étrange et extrêmement agréable avec le rythme effréné d'une comédie de Noël, et dans le scénario, il équilibre magnifiquement les éléments pulpeux de l'histoire - de pauvres chasseurs rançonnant Saint-Nick - avec la perspective de l'un des enfants des chasseurs ( Onni Tommila ), qui prend à juste titre l'avertissement d'une clause belliqueuse et folle très au sérieux. Hollander est un peu limité par le gadget du film, mais il fait aussi quelque chose de macabre et de charmant à partir du matériau mince, jonché de rennes morts et d'étranges gags qui jouent avec les traditions et les mythologies plus familières de la saison des vacances. - Chris Cabin

J'ai vu le diable (2010)

J'ai vu le diable est un jeu de chat et de souris qui brise les os, écrase le crâne et éviscère l'âme entre un tueur en série sadique et un agent secret dérangé, résolu à se venger. Après Kyung-Chul ( Choi Min-sik ) massacre brutalement l'amour de Kim ( Lee Byung-hun ) vie (et mère de son enfant à naître), Kim se lance dans une quête élaborée de vengeance. C'est taquinerie sans satisfaction sexuelle, car Kim permet à Kyung-Chul de chasser victime après victime, franchissant la porte juste à temps pour refuser à Kyung-Chul sa libération meurtrière. En cours de route, Kim devient le monstre de Kyung-Chul, indifférent au traumatisme subi par les victimes potentielles. Le film est implacable et exténuant, et les rôles de prédateur et de proie sont dans un état constant de révolution alors que les deux trouvent de nouvelles façons de s'infliger de la douleur et de se saboter la vie de l'autre. Dans son sixième film Kim Jee-Woon se révèle être un maître artisan de la violence, plaçant le film dans une version légèrement fantastique du monde réel où des tueurs, des cannibales et des violeurs gisent à chaque coin de rue, et où un corps peut résister à une attaque impie de la violence, ne serait-ce que pour que la violence puisse continuer. Magnifiquement tourné dans une palette de rouge sang et de bleu glacier, agi sans crainte par toutes les personnes impliquées, J'ai vu le diable est une plongée sans faille dans les éléments les plus inhumains de la nature humaine. - Haleigh Foutch

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Laissez-moi entrer (2010)

Croyez-moi, vous n'êtes pas le seul à avoir fait un gémissement complet de Tina Belcher quand il a été annoncé qu'un remake américain de Laisse celui de droite dedans était en préparation, moins d'un an après que l'original magistral ait frappé les États-Unis. Les films d'horreur sont rarement aussi atmosphériques et émotionnellement résonnants que Laisse celui de droite dedans est, et les chances que le remake soit aussi expressif de la sexualité adolescente et des étranges premières douleurs amoureuses étaient presque nulles. Et encore, Laisse moi entrer est presque aussi éblouissant visuellement, et présente de grandes performances de Chloë Grace Moretz en tant que jeune vampire femelle et Kodi Smit-McPhee comme le garçon qui tombe amoureux d'elle. Réalisateur Matt Reeves rend les décors de la mort tout aussi tendus et poétiques, avec beaucoup de confettis sanguins, mais il trouve aussi un rythme personnel distinct, à la fois dans le montage et dans la narration, à faire Laisse moi entrer complètement sien, imprégné de totems petits mais révélateurs des années 1980 et construit sur ses propres sentiments de mélancolie, de désir et de répression bouillonnante. - Chris Cabin

Les fous (2010)

En refaisant l'un des George A. Romero les chefs-d'œuvre moins connus de Breck Eisner lance une vision effrayante d'une folie inexpliquée et incurable, et suggère que sa vraie place était toujours dans l'horreur, plutôt que dans des images d'aventure insupportables comme Sahara . Un shérif ( Timothy Olyphant ) et sa femme enceinte ( Radha Mitchell ) se retrouvent au centre d'un apparemment fléau de meurtres, lorsque les habitants d'une petite ville du Midwest commencent à tuer des amis, des voisins et des membres de leur famille pour des raisons peu claires. Comme suggéré dans Scott Kosar et Ray Wright 's script, les tueurs ont essentiellement leur croyance en la société rayée, ne laissant que des bêtes avides et violentes, et c'est ironiquement les outils d'une société de travail (matériel agricole et médical) et les titres donnés à ceux qui sont les plus hauts de la société (docteur , policier, etc.) qui deviennent les instruments et les catalyseurs de ces meurtres. Et comme tant d'histoires effrayantes, le monstre n'est pas entièrement remis au placard à la fin du film, ce qui suggère que, avec un scénario impliquant des armes chimiques, notre nature bestiale non diluée a déjà dépassé le point de non-retour. - Chris Cabin

Les bien-aimés (2010)

Gardez un œil sur le réalisateur Sean Byrne . Je l'ai récemment mentionné dans ma critique de son deuxième long métrage, Le bonbon du diable , mais c’est étonnant qu’un grand studio ne l’ait pas attrapé rapidement immédiatement après Les aimés a frappé les théâtres. (Cela a pris un certain temps, au fait, car le film était à l'origine terminé en 2009 mais n'est sorti en salles qu'en novembre 2010.) C'est un sacré premier long métrage de réalisateur avec Byrne montrant une main habile sur le style et le ton, laissant lui produit un mélange brillant de comédie noire et de brutalité horrible. Robin McLeavy livre un travail stellaire en tant que Lola, une paria du lycée qui veut juste aller danser avec son rendez-vous de rêve, Brent ( Xavier Samuel ). Brent refuse respectueusement son offre, mais cela ne l’empêche pas, elle et son père, d’organiser leur propre fête privée, attachant Brent à une chaise et le forçant à être l’invité d’honneur. C'est du porno de torture à son meilleur, qui va en grand avec la terreur et la méchanceté auxquelles vous vous attendez, mais avec une vibrance et une énergie éblouissantes qui en font une tournure particulièrement frappante, rafraîchissante et digne du sous-genre. - Perri Nemiroff

Cygne noir (2010)

Darren Aronofsky S Cygne noir C'est l'art et l'horreur tous emmêlés et éclaboussés sur l'écran dans des images magnifiques et effrayantes. Natalie Portman mène le film dans peut-être la plus belle œuvre de son impressionnante carrière en tant que Nina, une danseuse de premier ordre dans le rôle de The Sawn Queen, qui veut simplement être parfaite. Alors que Nina est née pour le rôle de Swan Queen, elle est trop bonne pour clouer le rôle du cygne noir. À travers Nina, nous vivons l'horreur dans la beauté et la répression, alors que la féminité étouffée de Nina menace de l'arracher sous l'apparence d'un double sombre, son cygne noir, qui excelle dans tout ce qui lui manque. Ce conflit se voit dans toutes ses relations; son intimité claustrophobe avec sa mère ( Barbara Hershey ), son rejet sensuel aux mains de son brillant réalisateur ( Vincent Cassel ), pour qui elle n'est jamais assez bonne, et sa soif pour sa camarade de ballerine Lily ( Mila Kunia ), qui manque de technique, mais danse facilement avec la verve que Nina ne peut pas posséder. Alors que la folie de Nina la consume, elle se manifeste à l’écran alors que la réalité se déforme en une série d’images dérangeantes. À travers la quête de Nina pour réaliser sa féminité, Aronofsky nous plonge dans l’horreur de la folie, du perfectionnisme et de l’art en révélant les liens indélébiles qui les unissent. - Haleigh Foutch

Insidieux (2010)

Le couronnement de James Wan | la carrière cinématographique fascinante de jusqu'à présent, Insidieux emballe sur ses plans fluides et itinérants avec des quantités infinies de tension et des éclats d'absurdités cauchemardesques. C'est l'un de ces rares contes de fantômes qui utilise la couleur avec une attention presque percutante, notamment dans les stries rouge vif de l'homme aux ongles longs et pointus, mais la partie la plus étrange de cette histoire de possession suburbaine, avec Patrick Wilson et Rose Byrne jouer les parents à un garçon troublé, c'est quand les lumières s'éteignent. Les suites du film ont peut-être surexpliqué et fatigué l'étrangeté pure de l'autre côté, mais le voyage de Wilson dans la noirceur brumeuse de la première incarnation est le genre de choses qui vous font transpirer en étant assis en hiver. Stimulé avec brio et édité avec des nuances visuelles rythmiques, Insidieux n'a pas le sens aigu du caractère qui L'Exorciste ou alors Le Changeling faire, mais c'est incontestablement l'un des véritables héritiers de la manière électrisante de ces films de transmettre la confusion, l'instabilité et la peur d'être hanté par ces choses que l'on ne peut pas voir et qui ne sont pas censées exister. - Chris Cabin

Île Shutter (2010)

Pas seulement un hommage d'expert aux goûts de Val Lewton et le grand Jacques Tournier , Shutter Island compte comme l'expérience la plus audacieuse à ce jour de Martin Scorsese , et sans doute son film le plus difficile depuis le très sous-estimé Faire sortir les morts . En étudiant, comme le dit un personnage, les `` hommes de violence '', Scorsese cristallise des siècles de conflit bestial en une sorte de miroir psychologique Leonardo DiCaprio Le détective épuisé contre une série d'obstacles lorsqu'il arrive sur l'île de la prison titulaire pour le psychologiquement perturbé et carrément psychotique. Aucun des fous ou du personnel secret de l'hôpital, y compris Ben Kingsley et Max von Sydow , est aussi volatile que la mémoire du détective, parsemée d'images déchirantes de la Seconde Guerre mondiale et de la vie d'un flic.

Alors que le détective s'enfonce plus profondément dans l'affaire, impliquant un détenu disparu ( Emily Mortimer ), la bataille pour trouver un moyen de sortir de l'île ravagée par la tempête devient autant externe qu'interne, luttant contre la bureaucratie paranoïaque tout en essayant de se sortir de l'abîme noueux de sa propre mémoire et de son imagination. Comme tant d'autres films de Scorsese, la brutalité physique et la colère de l'homme ne sont pas seulement une lutte contre les horreurs de la guerre, de l'homicide et du génocide, mais aussi contre la bête à l'intérieur, celle qui réside en tout le monde et qui ne l'est pas toujours. facile à apprivoiser ou à garder dans sa cage. - Chris Cabin

Tucker & Dale contre le mal (2010)

Les copains titulaires de Backwater Tucker & Dale contre le mal , joué avec chaleur et esprit comique par Alan Tudyk et Deadbeat de Tyler Labine , sont juste à la recherche d'un bon week-end de pêche et de consommation de bière lorsqu'ils sont soupçonnés d'être des tueurs sans cœur par des enfants d'université stupides. En renversant la vanité d'innombrables slashers - deux hicks de bonne humeur assiégés par des lycéens prétentieux et prétentieux - Eli Craig La délicieuse comédie peut être prise pour une parodie, mais cela ne rend pas tout à fait compte des liens d'amitié sincères qu'évoquent Labine et Tudyk. Cette étiquette n'explique pas non plus tout à fait les affres de la romance qui commencent à bouillonner entre le personnage de Labine et Katrina Bowden C'est Allison, le seul lycéen qui ne juge pas Tucker et Dale tout de suite. Ce sont ces éléments d'attention mineurs mais résonnants envers les sentiments les plus tendres des personnages qui rendent le film si attachant et étrangement sincère, alors même que les éruptions de sang et de sang (et quelques méchantes piqûres d'abeilles) deviennent de plus en plus fréquentes. - Chris Cabin

La peau dans laquelle je vis (2011)

Pedro Almodovar Le film d’horreur le plus pur et simple à ce jour, La peau dans laquelle je vis est issu de la fière lignée de Frankenstein et la tradition des médecins brillants qui croient que leurs aspirations scientifiques ont préséance sur les lois de l'homme et de la nature. Comme Robert Legard, Antonio Banderas est un portrait effrayant d'un tel génie impitoyable, stimulé par le chagrin et la soif de vengeance. La peau dans laquelle je vis prospère par son récit tordu de rebondissements, il est donc préférable de laisser l'intrigue de tout résumé, mais en bref, Robert est un chirurgien plasticien de renommée mondiale obsédé par l'invention d'un nouveau type de peau humaine indestructible après que sa femme ait brûlé vive dans un accident de voiture. C’est Almodovar, donc bien sûr, c’est beau, mais c’est aussi répugnant car le réalisateur donne une tournure noire à certains de ses sujets préférés; l'identité, l'intimité, le genre, la sexualité et l'obsession sont tous explorés de manière perverse et horrible dans ce thriller psychologique cauchemardesque qui refuse d'offrir des réponses faciles aux questions les plus désordonnées de la vie. - Haleigh Foutch

La femme (2011)

Du directeur Lucky McKee et romancier Jack Ketchum (qui a le don de produire des histoires marquantes sur la profondeur de la dépravation humaine), La femme se concentre sur une image parfaite de la famille nucléaire de clôture blanche qui cache une obscurité pas si profonde sous leur placage brillant. Lorsque le patriarche sadique de la maison, Chris ( Sean Bridgers ) trouve une femme sauvage ( Pollyanna McIntosh ) dans les bois près de leur chalet isolé, il fait ce que toute personne raisonnable ferait - la kidnapper et l'enchaîner dans la cave. De là, il confie à sa famille le devoir de la civiliser pour «la libérer de ses instincts les plus bas». Au lieu de cela, c'est le contraire qui se produit. La présence de la femme déchaîne la barbarie en eux tous, et sa sauvagerie est pâle en comparaison des horreurs que Chris et son fils adolescent lui infligent. Tout cela mène à un massacre d'un acte final, marqué par l'insipidité B-horreur qui vous fera alternativement gémir de dégoût et applaudir avec droiture. La femme porte sa politique de genre de manière un peu flamboyante, mais avec les férus d'horreur McKee et Ketchum au volant, c'est une inversion intelligente des tropes de genre qui vous fera vous tortiller dans votre siège. - Haleigh Foutch

Cabane dans les bois (2011)

Cabane dans les bois est le rêve du fanatique d’horreur devenu réalité. Le film regorge de références de genre intelligentes et incroyablement divertissantes, mais Joss Whedon et Drew Goddard ne vous arrêtez pas là. Le film se déroule avec le scénario très familier d'un groupe de collégiens faisant leurs bagages et se dirigeant vers une cabane dans les bois pour un week-end sauvage, mais dans ce cas, tout ce qui se passe se produit pour une raison incroyablement créative. Grâce à un concept de base ingénieux, Cabane dans les bois vous permet de vous amuser beaucoup avec des situations familières, des victimes et des créatures, mais vous permet également de vous livrer et de les apprécier d'une toute nouvelle manière - comme tout à la fois dans une banque d'ascenseurs par exemple. - Haleigh Foutch

Attaquer le bloc (2011)

Attaquer le bloc sort en salles le même week-end que Cowboys et extraterrestres , et alors que l'on a déversé des millions dans des foules époustouflantes avec de grands noms et des décors mais n'a jamais fait beaucoup d'impression, la production beaucoup plus petite avec le réalisateur pour la première fois est celle qui a secoué la créativité, les rires et le courage pour en faire un inoubliable mashup de genre. Joe Cornish Le premier passage derrière l’objectif raconte ce qui se passe quand un groupe de voyous adolescents apprend que la terre est attaquée par des «enculés de loups gorilles» et se charge de défendre leur tour de Londres. John Boyega fait des débuts sur grand écran, commandant l'écran en tant que chef du groupe, Moses, et il est entouré d'un groupe d'amis adorables en lambeaux, ce qui donne au film un aspect très attrayant, Goonies -comme une sensation. Quant aux extraterrestres, Cornish adopte une approche minimaliste, dégageant des créatures sombres et ombragées dont la caractéristique déterminante est un ensemble désagréable de dents acérées et brillantes. C'est un look élégant et effrayant qui se prête à des graphismes époustouflants. - Perri Nemiroff

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Les aubergistes (2011)

Deux employés ( Sara Paxton et Pat Healy ) passent leurs derniers jours à travailler au Yankee Pedlar Inn, qui sera bientôt démoli, à tenter de trouver la preuve des fantômes et des esprits en colère qui hantent ses couloirs et ses chambres. En termes narratifs, Les aubergistes est une histoire de fantômes classique transformée en une étude pointue et exubérante de la curiosité, du regret et de la répression par Vous Ouest , l'un des rares cinéastes vraiment ambitieux travaillant dans le genre de l'horreur. Un peu comme son passionnant film d'évasion, La maison du diable , Le troisième effort de West utilise le silence d'une maison vide comme son principal conduit à la peur instinctive, et ses magnifiques longues prises de Paxton écoutant des échos fantomatiques et se promenant dans les couloirs de l'auberge ne font que rendre la peur plus exaspérante. Non seulement ces images illustrent la confiance formelle et l'inventivité de West, mais elles permettent également les fioritures plus bruyantes des images de spectres en colère et de fantômes d'autant plus terrifiants qu'ils sont enfin libérés. - Chris Cabin

Vous êtes le suivant (2011)

Adam Wingard L'évasion, le brillant slasher fait au moins une chose qui, pour moi, a été révélatrice: lorsque les assaillants masqués d'une famille aisée sont coupés ou frappés ou pire, ils réagissent et sont clairement blessés. Les hommes avec des masques d'animaux sont, en effet, humains et en cela, Wingard excise l'élément de massacre sans espoir, rendant le combat entre la famille et leurs assaillants un peu uniforme, moins les arbalètes, les haches, etc. Travailler sur un script d'un collaborateur régulier Simon Barrett , Wingard transforme cette nuit d'horreurs imbibée de sang en un regard pas si discrètement satirique sur les peurs des riches, et se moque également plus qu'un peu du mouvement mumblecore, avec des acteurs de personnages indie américains mémorables comme Joe Swanberg , Kate Lyn Sheil , Amy Seimetz , et AJ Bower prenant par hasard leurs coups. Même si vous avez ignoré toute la densité thématique et le sens du détail élégant que Wingard donne à ce film, Vous êtes le prochain resterait l'un des meilleurs slashers à voir la sortie ces derniers temps, mélangeant beaucoup d'humour avec des morts inventives et une ligne de rebondissements véritablement intelligents. - Chris Cabin

Poisson froid (2011)

Peu de réalisateurs se sont autant amusés avec la mort et la destruction que le prolifique Shion Sono possède. L'année dernière, Pourquoi ne jouez-vous pas en enfer? et Himizu a offert un double coup de folie macabre, le dernier étant un travail plus dur et plus troublant tandis que le premier était une explosion d'absurdités inventives; il la suit cette année avec le tout aussi étrange Tribu de Tokyo . Aussi furieux que Himizu et Exposition d'amour sont, Sono n'a jamais été aussi puissamment en colère et caustique que dans cette histoire infernale et étrangement humoristique de deux hommes qui vendent du poisson, Syamoto ( Mitsuru Fukikoshi ) et Yukio ( Denden ). Syamoto est faible et troublé tandis que Yukio réussit et tyrannique, et aussi, en l'occurrence, un meurtrier brutal, qui prend la famille de Syamoto sous l'aile et enseigne à son nouveau meilleur ami comment détruire correctement un cadavre. Là où beaucoup de ses films se sentent alourdis par leurs énormes dilemmes moraux et politiques, Poisson froid intègre sa critique du capitalisme moderne et de la société japonaise dans une histoire désordonnée et enveloppante d'avidité et de soif de sang corruptrice. - Chris Cabin

Les Seigneurs de Salem (2012)

S'il y avait des doutes sur Rob Zombie le sérieux en tant que cinéaste d'horreur dans ses quatre premiers films, Les seigneurs de Salem l'a cimenté comme l'un des artistes les plus séduisants du jeu. Son sauvage, diviseur Halloween 2 a jeté les bases des violents tremblements psychologiques que Zombie déchaîne, mais Les seigneurs de Salem est une descente personnelle choquante dans le vide, à la recherche d'une femme ( Sheri Moon Zombie ) étreinte lente de son rôle dans l'avènement de l'antéchrist. Comme Vous Ouest , Zombie met l'accent sur le silence et les légers mouvements décalés (voir: les lampes qui se balancent du plafond dans le couloir), ponctués d'images hallucinatoires de bêtes gigantesques, nues, caquetant des sorcières, et quelques choses qui défient tout simplement une explication concise. C'est ici que les peccadillos de style Zombie se fondent dans une vision originale de la féminité et de la mythologie déconstruite, ce qui en fait l'une des versions les plus dérangeantes et les plus enivrantes de la tradition de la toute-puissante sorcière à jamais voir la libération. - Chris Cabin

Sinistre (2012)

Sinistre est le premier film d'horreur depuis longtemps à vraiment pénétrer ma peau. Il étoiles Ethan Hawke comme Ellison Oswalt, une véritable écrivaine policière qui cherche désespérément le matériel macabre qui pourrait mener à son prochain grand succès. Il pense le trouver dans l’histoire d’une famille de quatre personnes retrouvée morte, suspendue à un arbre dans leur jardin. Obsédé par l'idée de remettre sa carrière sur les rails, il décide de se plonger pleinement dans le travail et fait emménager sa famille dans la maison exacte où les meurtres ont eu lieu. Peu de temps après son installation, Ellison découvre ce qui finit par être l'une des parties les plus étranges du film, des films à la maison documentant la pendaison et une poignée d'autres meurtres de famille horribles dans différents endroits. C'est une chose incroyablement obsédante en soi, mais associée à Christopher Young Le score parfait, ces scènes de meurtre et la source de toute la violence, l’entité démoniaque Bughuul, deviennent exponentiellement plus troublantes. J'ai un Sinistre affiche accrochée dans mon appartement et, pour être honnête, de temps en temps je me demande si c’est une mauvaise idée d’avoir une image de lui chez moi. - Perri Nemiroff

Maniaque (2012)

Maniaque est un splatterfest grindhouse mis à jour pour une nouvelle génération. Un remake de William Lustig Slasher culte du même nom de 1980, Maniaque étoiles Elijah Wood comme Frank, un propriétaire retiré d'un magasin de mannequins qui est tourmenté par une contrainte de traquer et de tuer des femmes. Et c'est ce qu'il fait; graphiquement, horriblement et régulièrement, rapportant à la maison leur cuir chevelu (pelé de leur tête alors qu'ils sont encore en vie, bien sûr) comme trophées de la mise à mort. Alexandre Aja protège Franck Khalfoun maintient la méchanceté floue du film original, mais le met à jour avec une photographie élégante et élégante et un gadget qui ferait facilement couler un film avec une exécution technique inférieure. Vous voyez, toute l'histoire, y compris chaque meurtre vicieux, est racontée à travers les yeux de Frank, plaçant littéralement le public dans l'esprit du tueur. Cela vous met également dans son isolement, sa terreur, et alors que vous regardez une horrible scène de meurtre après une scène de meurtre, son incapacité à s'arrêter simplement. Soutenu par une fantastique partition musicale de Rob, le film peut parfois devenir un peu kitsch (en particulier l'origine de sa psychose), mais la cruauté absolue de la violence exposée l'éloigne de tout facteur fromage. L'élément POV rend chaque meurtre si intime que le film victimise presque ses spectateurs, mais si vous avez l'estomac pour cela, Maniaque est un slasher de premier ordre qui vous fera réfléchir à deux fois avant de rentrer seul à la maison la nuit. - Haleigh Foutch