Les meilleurs films d'horreur des années 1900-1950: films muets, monstres universels et terreurs tabou

Apprenez à connaître les racines de l'horreur cinématographique.

Le cinéma a une longue histoire de refléter les mœurs culturelles d'une décennie donnée dans ses cadres, et le genre d'horreur n'est pas différent. Les années 1950 ont vu la montée des horreurs atomiques après la Seconde Guerre mondiale; les années 60 ont présenté des horreurs plus personnelles et sociales de la part de Alfred Hitchcock , Polanski romain et George Romero ; les années 70 ont capitalisé sur les histoires de gourous de l'horreur modernes comme Stephen King et approfondi le territoire de la science-fiction / horreur; les années 80 se sont concentrées sur les franchises à gros prix et les films de slasher à petit budget, tandis que les années 90 ont tout poussé à l'extrême et les années 2000 ont mis la technologie moderne au service du genre lucratif des images trouvées. Mais avant qu'aucun des films d'horreur modernes ne fasse sa marque, des décennies de pionniers du cinéma ont ouvert la voie à tout ce qui viendrait plus tard.

Les premiers de ces films étaient expérimentaux par conception et par nécessité. Georges Méliès '1896 court Le Manoir du Diable ou son short de 1898 La Caverne Maudite sont deux des films les plus anciens connus, tout comme les horreurs japonaises Cuire Jizo et Shinin no Sosei , tous deux datant de 1898. C'est dans les 20 premières années du XXe siècle que l'on voit des représentations cinématographiques de Edgar Allan Poe travail comme D.W. Griffith de La salle scellée en 1909, le 1912 Robert Louis Stevenson adaptation Dr Jekyll et M. Hyde , et Thomas Edison la production de Frankenstein en 1910, entre autres. Ce n'est que dans les années 1920 que les films ont atteint des durées d'exécution importantes, bien que les films aux éléments macabres n'aient pas été qualifiés de films `` d'horreur '' avant le boom du genre dans les années 1930.



C'est donc de retour à l'époque révolue du cinéma muet et des images en noir et blanc que nous allons dans cette liste, en sélectionnant les meilleurs exemples de cinéma d'horreur parmi Pré-code Hollywood . Nous incluons les horreurs silencieuses du début de l'expressionnisme allemand et leurs thèmes réactionnaires de la Première Guerre mondiale, de nombreuses autres adaptations d'histoires classiques de Poe et d'autres géants de la littérature, l'univers monstre extrêmement influent d'Universal Pictures et des films tabous qui se sont retrouvés fortement censurés et même interdits. après la libération. Apprenez à connaître d'anciens favoris ainsi que des icônes d'horreur qui pourraient être nouvelles pour vous dans notre liste des meilleurs films d'horreur de 1900 aux années 1950 ci-dessous:

Le cabinet du Dr Caligari (1920)

En commençant par ordre chronologique, comme nous l'avons fait dans notre examen de Edgar Wright la liste des 1000 films préférés, nous commencerons cette liste avec le film muet des années 1920, Le cabinet du Dr Caligari . réalisateur Robert Wiene L'histoire d'un showman itinérant et de son somnambule diseur de bonne aventure (alias somnambule) est un exemple obsédant des angles absurdes et de l'exploration de la folie qui sont au cœur de l'expressionnisme allemand, mais c'est aussi une conséquence des peurs et des expériences provoquées par Scénaristes de la Première Guerre mondiale Carl Mayer et Hans Janowitz ont apporté leur message pacifiste et anti-autoritaire au scénario, un message qui sonne haut et fort tout au long de l'image. Cependant, les serre-livres de l'histoire de cadrage du film servent à saper ce message plutôt que de le souligner. Cette interprétation est peut-être encore un sujet de débat, mais sa place dans l'histoire de l'horreur est solide grâce à Cesare le somnambule et au redoutable Dr Caligari.

Le chariot fantôme (1921)

Une autre pierre de touche de l'horreur de l'ère du cinéma muet est l'image suédoise Le conducteur , littéralement `` The Wagoner '', ou comme son titre américain l'appelle, Le chariot fantôme . La sortie du film est venue avec une touche précoce de marketing viral depuis sa sortie le jour du Nouvel An en 1921 et, comme le raconte l'histoire, la dernière personne à mourir avant le Nouvel An devient le conducteur de la voiture de la mort et le collectionneur d'âmes pour l'année suivante. Cette prémisse fantastique met en place une histoire sur une famille dysfonctionnelle racontée à travers une structure narrative relativement avancée utilisant des flashbacks dans d'autres flashbacks et effets spéciaux obtenus grâce à une double exposition. Dans Le chariot fantôme vous trouverez les premiers échos de contes rédempteurs tels que Charles Dickens '' A Christmas Carol 'ou même Frank Capra classique des fêtes de 1946 C'est une vie magnifique . Ce conte traite de la mort plus directement que ces films de Noël. En fait, il est cité comme une influence majeure sur Ingmar Bergman qui revisiterait Death dans le film de 1957 Le septième sceau . Il est également assez évident que Le chariot fantôme influencé Stanley Kubrick car il y a une scène qui a clairement inspiré un moment classique dans Le brillant près de 60 ans plus tard. Cela seul fait de ce film un incontournable.

Nosferatu (1922)

Rester dans le royaume des films muets et visiter le deuxième des 1000 films préférés de Wright, le prochain épisode de cette liste est F.W. Murnau icône de 1922 Nosferatu . Il s'agissait en fait d'une adaptation non autorisée de Bram Stoker 's' Dracula 'mais reste l'un des meilleurs exemples de la longue histoire de la propriété. (Le film lui-même a été presque effacé de l'existence en raison d'une stipulation dans un procès de la succession de Stoker.) Bien que les noms soient modifiés dans ce récit, les points de base de l'intrigue suivent toujours celui du roman de 1897. Et pour mon argent, il offre l'une des représentations les plus effrayantes du personnage principal. Ce n'est pas un décompte suave et sophistiqué, mais plutôt une créature recluse, semblable à un animal, bien que certains éléments - subsistant sur le sang, dormant pendant la journée et évitant la lumière du soleil - soient intacts. Max Schreck peut ne pas avoir apporté le sex-appeal qui Bela Lugosi emploierait notoirement moins d'une décennie plus tard, mais sa version vampirique hante toujours nos rêves tout de même.

Le fantôme de l'opéra (1925)

Dans le panthéon des noms liés à l'horreur cinématographique précoce, il n'y a qu'une famille qui porte le nom de Chaney. C'est pour Lon Chaney Sr. nous regardons dans cet épisode. Le fantôme de l'Opéra , dans lequel il joue le titre Terreur, est l'un des rôles les plus connus de Chaney mais aussi parmi ses derniers. Situé dans l'Opéra de Paris `` s'élevant noblement au-dessus des chambres de torture médiévales '', ce film est un exemple classique de contrastes: la beauté et la grandeur de la scène et du théâtre se heurtant aux mécanismes derrière le rideau et aux profondeurs des catacombes de l'opéra, l'amour contre la luxure, l'ambition contre l'obsession et la beauté contre la bête.

Sauf que cette histoire d'amour s'inspire davantage de la romance unilatérale d'Hadès et de Perséphone que de tout ce qui se trouve dans les livres d'histoires de Disney. Obsédée par une chanteuse d'opéra prometteuse, la Phantom se donne beaucoup de mal pour l'aider à faire avancer sa carrière, à condition qu'elle promette d'abandonner toutes les autres pour devenir son épouse. Ce qui suit est une passionnante chasse au chat et à la souris entre les héros de l'histoire et le fantôme intrigant et défiguré qui hante les endroits cachés de l'Opéra. Remarquable pour le maquillage auto-conçu de Chaney, qui a été gardé secret jusqu'à la première du film, il présente également un peu de `` justice populaire '' classique lorsqu'il s'agit de traiter avec le méchant. Cette image `` culturellement significative '' était la première de la série de films monstres d'Universal à devenir un sous-genre à part entière dans les années à venir.

La terreur (1928)

Notable pour être la deuxième image `` tout-talkie '' de Warner Bros.et le premier film d'horreur avec un son synchronisé (avec des effets sonores effrayants), Roy del Ruth de La terreur adapté une pièce du même nom par Edgar Wallace . Un exemple précoce du genre slasher, qui était relativement rare si l'on considère toutes les images de monstres répandues à l'époque, l'histoire suivait les invités d'une maison de campagne anglaise transformée en une auberge qui est en proie à un meurtrier mystérieux connu uniquement sous le nom de `` The Terror ''. ' Le tueur mystérieux est révélé après une nuit particulièrement meurtrière, mais vous aurez du mal à en trouver une copie à regarder car le film est considéré comme perdu. Pour certains critiques de cinéma de l'époque, qui vient comme une bénédiction (plus les choses changent ...), mais pour les aficionados d'horreur, c'est une triste réalité.

Dr Jekyll et M. Hyde (1931)

Paramount Pictures s'amuse avec l'une des nombreuses images monstrueuses de 1931. Dr Jekyll et M. Hyde s'ouvre sur la musique d'horreur désormais emblématique: Toccata et Fugue en ré mineur de Bach. Bien que ce soit intéressant sur le plan auditif, le crochet le plus intrigant du début de ce film est la perspective visuelle. Le public regarde à travers les yeux du Dr Jekyll ( Fredric March , et il est prononcé Gee-kill comme Robert Louis Stevenson lui-même l'aurait prononcé), une utilisation intelligente du point de vue à la première personne qui permet au réalisateur Rouben Mamoulian pour jouer avec quelques effets de miroir. Il introduit également un cadre de référence changeant, qui glisse de Jekyll à Hyde et vice-versa en fonction de la personnalité qui contrôle le moment.

Dr Jekyll et M. Hyde réussit assez bien à dépeindre la folie qui se cache en chacun de nous. Hyde est, à mon avis, le moins effrayant ou le moins mémorable des monstres de cette époque, mais sa manie désordonnée, sa luxure sans entraves et sa fierté gonflée font un contraste merveilleux avec le Dr Jekyll, studieux, charitable et engagé de manière romantique; la performance lui a valu son premier Oscar. Le film était assez risqué pour l'époque, en ce qui concerne Miriam Hopkins «Champagne Ivy, nymphe provocante mais surpassée. À la fin, Dr Jekyll et M. Hyde fonctionne comme une excellente représentation d'un toxicomane qui est incapable de résister à ses pulsions de base après s'y être livré pendant si longtemps. La punition pour ce défaut de caractère n'est rien de moins que la perte de tout ce que Jekyll tient à cœur, y compris sa vie même. Et dans une tactique de narration qui sera souvent répétée après ce film, le monstre du titre revient à sa forme la plus innocente dans la mort, nous obligeant à nous demander de quel côté de sa personnalité était réellement son état naturel, Jekyll ou Hyde?

Dracula (1931)

On peut soutenir que l'icône des icônes de films de monstres va à Bela Lugosi La représentation suave et sophistiquée du nombre de titres dans l 'un des films les plus imités de l' histoire du cinéma. Réalisateur Tod Browning est entré dans la production avec une multitude de films muets à son actif et un certain nombre de collaborations avec l'acteur Lon Chaney . Après la mort de Chaney en 1930, Universal Pictures a embauché Browning pour Dracula , une image pleine de contraintes budgétaires et d'interférences en studio. Contrairement à l'adaptation précédente Nosferatu , c'était une production autorisée de 'Dracula' depuis le producteur hollywoodien Carl Laemmle, Jr. a légalement acquis les droits du roman, dans l'espoir de miser sur le succès de la pièce de 1924 par Hamilton Deane et John L. Balderston .

Il y a de fortes chances que si vous connaissez un film de monstres d'avant 1950, il Dracula , ou du moins la version du vampire que Lugosi a inscrite dans l'histoire cinématographique. Cette version à l'écran vue par des millions de personnes à ce stade a été à l'origine perfectionnée par Lugosi lui-même dans la pièce de Broadway, mais les désaccords ont presque amené un acteur entièrement différent à jouer l'antagoniste du titre. Vous pourriez probablement préparer une dissertation satisfaisante sur les inspirations interconnectées de l'histoire de Stoker, l'adaptation de la pièce, Nosferatu , et l'image de Browning sans même avoir à toucher l'héritage que cette version de Dracula a engendré. Celui-ci est une évidence, tout comme le prochain film de la liste, jeu de mots.

Frankenstein (1931)

Si Dracula n'était pas votre tasse de thé de film de monstre des années 1930, alors il y a de très bonnes chances que le réalisateur James Whale de Frankenstein a été. Boris Karloff fait irruption sur la scène de manière spectaculaire en tant que monstre dans ce thriller de savant fou au rythme rapide qui est sans doute tout aussi influent que Dracula , sinon plus. Merci à la clairvoyance de Laemmle Jr.à obtenir les droits de Dracula et le succès quasi instantané de ce film, Universal Pictures a éclairé un certain nombre d'images de monstres, dont Frankenstein serait le prochain. Il comporte également une curieuse introduction par l'acteur Edward Van Sloan qui prévient le public que l'histoire de Frankenstein pourrait nous horrifier, ce qui, bien sûr, n'a fait qu'ajouter à la titillation.

Malgré son autonomie relativement courte de 70 minutes et sa prédominance dans notre culture moderne, Frankenstein a été fortement censuré dans certaines régions lors de sa libération. Une scène qui a longtemps été considérée comme controversée - et c'est probablement ma partie préférée de toute l'image - est celle où le monstre jette une petite fille dans le lac, la noyant finalement. D'autres censeurs ont demandé de couper la ligne du Dr Frankenstein sur le fait de savoir ce que c'est que d'être «Dieu», la même ligne dans laquelle il crie: «C'est vivant! La censure la plus flagrante aurait réduit le film à près de la moitié de sa longueur. Heureusement, grâce aux commodités modernes et à la préservation de ce film par la Bibliothèque du Congrès, nous avons un accès visuel à l'intégralité de cette icône d'horreur classique.

L'île des âmes perdues (1932)

Tout film qui peut se vanter de `` The Panther Woman '' dans le cadre du casting est clairement un must sur cette liste. Si vous aviez besoin de plus de preuves sur les raisons pour lesquelles il devrait être inclus, Erle C. Kenton de L'île des âmes perdues était la première adaptation cinématographique de H.G. Wells 'Roman de science-fiction de 1896' L'île du Dr Moreau. ' (Le scénario a été écrit en partie par un auteur de genre remarquable Philip Gordon Wylie .) Lugosi joue le rôle du Sayer of the Law, son personnage le plus loup à ce jour, bien que ce soit beaucoup plus un rôle de soutien que l'affiche du film pourrait l'indiquer. Le vrai joueur puissant ici est Charles Laughton comme le Dr Moreau brillant mais tordu, qui tente de jouer à Dieu en créant des créatures mi-humaines, mi-bêtes.

Il s'agit d'un conte classique qui combine sans effort un certain nombre d'horreurs dans un récit effrayant et inoubliable. Moreau ne fait pas seulement naître ces monstruosités hybrides grâce à la science marginale, il les contrôle également avec son propre ensemble de lois, le craquement de son fouet et la promesse que toute flexion ou violation de ces lois entraînera une visite à la maison de la douleur. Il va sans dire que Moreau ne peut pas garder à jamais le contrôle de son île et de sa population, mais la manière dont le chaos remplace l'ordre dans ce film est une séquence vraiment obsédante. C'est une conclusion mieux vécue par vous-même, ne la regardez pas trop près de l'heure du coucher.

Freaks (1932)

S'éloignant du royaume des célèbres monstres universels pour entrer dans le tabou, nous avons le suivi de Browning pour le très réussi Dracula avec la première photo d'horreur de MGM, Monstres . Ce film très décrié, qu'il est presque impossible de catégoriser en raison de son caractère unique, a suscité des critiques fortement négatives de la part des critiques, des modifications fortement censurées avant sa sortie, a été retiré avant de terminer sa course nationale et a subi une perte considérable au box-office. La mauvaise réception a essentiellement mis fin à la carrière cinématographique de Browning et a brûlé tout cachet Dracula lui avait valu.

Et encore Monstres trouvé un regain de popularité parmi les groupes de contre-culture et les cinéphiles au cours des 40 dernières années environ. Le film, qui n'existe plus dans sa version originale, encore plus choquante, raconte l'histoire d'une troupe d'artistes de cirque comprenant une collection de «monstres» exposés pour un public payant. Le casting comprenait des interprètes réels, des personnes souffrant de handicaps physiques ou d'anomalies et d'autres conditions, ainsi que des acteurs «normaux» jouant les rôles plus traditionnels. cependant, Monstres est tout sauf traditionnel car il représente la belle Cléopâtre ( Olga Baclanova ) et l'homme fort Hercule ( Henry Victor ) comme des gens vraiment laids et corrompus qui tentent de profiter des «monstres». Disons simplement qu'ils comprennent ce qui leur arrive.

Monstres peut ne pas ressembler à un film d'horreur jusqu'à ce que vous arriviez aux 15 dernières minutes environ, auquel cas cela devient plutôt terrifiant. Donc, si vous ne l'avez pas vu, rendez-vous service et cherchez-le. Si tu avoir vu, vous considérez comme l'un de nous, l'un de nous!

La vieille maison sombre (1932)

Un autre classique de l'horreur négligé de cette époque est La vieille maison sombre , un effort de Whale qui dirige à nouveau Karloff mais dans un rôle un peu différent de celui de son célèbre monstre piétinant. C'était un peu plus léger que les œuvres précédentes de Whale, mais loin d'être une comédie d'horreur comme le Abbott et Costello efforts qui viendraient plus tard. Le film a également débuté avec une note du producteur `` régler les différends '' sur les similitudes d'apparence avec le monstre Frankenstein de Karloff et son étrange et sauvage majordome Morgan dans La vieille maison sombre, même si Universal a produit les deux images.

Ce film était basé sur le J.B. Priestly roman 'Benighted' (1927). Il était centré sur un couple de jeunes mariés qui se chamaillaient et leur ami insouciant qui voyageaient sur la route lorsqu'une terrible tempête et un éboulement les ont forcés à se réfugier dans une maison voisine, occupée par les frères et sœurs Femm. Ils sont bientôt rejoints par un autre couple jovial qui cherche à échapper à la tempête, mais il devient assez clair que la famille Femm est loin d'être hospitalière et a, en fait, été touchée par la folie. Les tropes classiques des films de maison hantée sont en plein écran ici, mais ils ne se sentent pas fatigués grâce aux excellentes performances de la distribution. Karloff est en fait le moins d'entre eux depuis que sa brute ivre et sauvage d'un personnage ne fait que marmonner, se désagréger et se frayer un chemin à travers l'image. La famille Femm, cependant, est un ajout merveilleusement tordu à une histoire familière.

La Momie (1932)

Seulement un an retiré des autres monstres universels Dracula et Frankenstein , Ami Karl de La momie voit Karloff jouer son deuxième rôle le plus célèbre (à moins que vous ne comptiez ses performances liées au Grinch, ce que vous devriez probablement). Plutôt que d'adapter une œuvre existante de fiction d'horreur, La momie a été inspiré par Howard Carter et son équipe archéologique ouvrant la tombe de Toutankhamon en 1922, et la prétendue malédiction qui les a suivis. Et voilà, un autre monstre universel est né!

L'accent de l'histoire était sur la réanimation de l'ancienne momie égyptienne Imhotep (Karloff) qui cherche à travers l'Égypte moderne son amour perdu réincarné. Imhotep est ressuscité grâce à un parchemin magique, ce qui est un changement intéressant par rapport aux parcelles vues précédemment qui utilisaient la pseudoscience comme voie de transformation. La momie a plus en commun avec Dracula à cet égard, car ils sont tous deux basés sur le folklore, la mythologie et les capacités magiques plus que tout dans le sous-genre de la science folle. Le film ambitieux a traversé des milliers d'années d'histoire et a présenté des concepts de réincarnation et de pratiques religieuses égyptiennes anciennes au public occidental déjà avide de tout ce qui avait à voir avec les pyramides, les momies et le panthéon exotique des dieux. Et bien que ce soit un succès au box-office, le film a engendré quatre remakes dans les années 1940, mais aucune suite officielle.

La mariée de Frankenstein (1935)

La seule suite que vous trouverez sur cette liste se trouve dans le Frankenstein la franchise. C'est celui qui a longtemps été considéré comme moindre que par les critiques et les cinéphiles, mais qui a récemment trouvé un nouveau public et une nouvelle appréciation. Plutôt que de commencer avec un avertissement de l'un des acteurs, il commence plutôt par une histoire de cadrage: Lord Byron, Percy Bysshe Shelley et Mary Shelley sont rassemblés dans le salon, dans lequel Mary révèle que ses personnages ont survécu au premier conte. et a vécu pour en raconter un autre, tout comme le réalisateur Whale.

Et ce conte a parfois un ton plus comique et un caractère plus extravagant, en particulier compte tenu de la collection affichée d'homonculii miniatures et de Minnie criante et criarde ( Un O'Connor ). Mais cela donne aussi au Dr Frankenstein ( Colin Clive ) une chance de se racheter sous le Dr Pretorius encore plus fou ( Ernest Thesiger ). Pretorius veut l'aide de Frankenstein pour apporter une autre vie dans ce monde, une épouse pour son monstre précédent, favorisant ainsi le thème «jouer à Dieu». Frankenstein refuse, ayant appris sa leçon, mais se voit forcé d'aider Pretorius et sa propre création elle-même. Même si j'aime regarder le monstre de Karloff apprendre à parler, à fumer et à apprécier un bon morceau de musique de violon, c'est toujours déchirant de le voir rejeté par les habitants de la ville, son créateur et ses compagnons monstres. La séquence finale dans laquelle le monstre pardonne au Dr Frankenstein tout en se condamnant lui-même, Pretorius, et la mariée nouvellement réanimée (la coiffure emblématique de la ruche à la foudre et tout) de retour dans la tombe est un moment étonnamment sympathique pour une création aussi monstrueuse. C'est une suite digne que certains considèrent maintenant comme le couronnement de Whale.

King Kong (1933)

Si jamais il y avait un monstre de cinéma pour les gouverner tous, c'était King Kong . Cette monstruosité RKO aurait pu facilement écraser l'intégralité de la gamme de monstres d'Universal Pictures sous son gigantesque poing simien, mais était assez douce pour être manipulée. Fay Wray avec précaution même en montant l'Empire State Building et en abattant les avions d'attaque.

King Kong pourrait être considéré comme un film d'aventure fantastique, mais il a certainement des éléments d'horreur. L'île effrayante du crâne, située dans des eaux perfides, abrite une population humaine indigène, des dinosaures existants et des singes géants, dont Kong règne en maître. La véritable horreur ne survient pas lorsque l'équipe de tournage envahit son île natale, mais quand ils droguent la bête monstrueuse et le ramènent chez lui à New York. Imaginez une telle terreur primitive et préhistorique lâche dans le centre urbain moderne du monde connu; les New-Yorkais ont dû jeter un coup d'œil au profil vertigineux de l'Empire State Building à l'occasion pour s'assurer qu'il n'était pas assailli par un homme ou une bête.

Et pourtant, Kong est l'un des premiers exemples de monstre sympathique, une créature traînée hors de sa maison pour être exposée uniquement pour mourir en se protégeant (et en protégeant son être cher) dans des circonstances confuses et étrangères. King Kong a réussi à montrer le côté puissant de Dame Nature et le côté monstrueux de l'homme, mais en raison d'un manque de singes géants dans le monde réel, les lacunes de l'homme étaient le message du jour, hier et aujourd'hui.

L'homme invisible (1933)

Whale revient une fois de plus pour un autre monstre universel. Cet épisode présente Claude Rains dans son premier rôle au cinéma américain en tant que L'homme invisible , un personnage qu'il interprétait principalement comme une voix désincarnée hors écran. Il apparaît brièvement à la fin du film, mais passe la plupart de son temps à l'écran enveloppé dans plus de bandages que la momie de Karloff.

Basé sur H.G. Wells 'roman de science-fiction du même nom, L'homme invisible retourné dans le domaine de la science pour expliquer la situation difficile du monstre principal. Un chimiste du nom du Dr Jack Griffin avait découvert le secret de l'invisibilité lors d'une série de tests sur l'obscur monocane médicamenteux. La drogue dangereuse ne rend pas seulement Griffin définitivement invisible, elle le rend fou (ou, sans doute, permet à ses propres vices de le consumer). Griffin enchaîne les participants réticents à son plan qui implique le vol et le meurtre aveugle afin de gagner du pouvoir. Tout comme les méchants précédents provoqués par l'ingérence dans la science qui ne devrait pas être mêlée, l'antagoniste du titre est abaissé par le règne de la foule et sa propre fierté, finissant par confesser ses péchés et revenir à son ancien moi alors que la mort le prend. Les rythmes sont similaires ici, mais le style lui est propre.

Le chat noir (1934)

En parlant de style, voici un petit récit de guerre, de politique et de vengeance qui fonctionne dans la nécrophilie et l'adoration de Satan dans une bonne mesure. Oh, et c'est le premier des huit films à présenter Lugosi et Karloff ensemble sur le même écran. (C'est aussi l'un des premiers films à présenter une partition musicale presque continue.)

Inspiré d'une histoire de Poe, Le chat noir Le Dr Vitus Werdegast, vétéran de guerre et survivant du camp de prisonniers de Lugosi, est en désaccord avec son ancien ami et camarade soldat, l'ingénieur Hjalmar Poelzig (Karloff). Pris au milieu de leur querelle, un jeune couple américain visite la Hongrie en lune de miel. Ce qui suit après leur rencontre fatidique est un étrange jeu de chat et de souris joué entre Lugosi et Karloff avec le couple comme prix au vainqueur: si Werdegast gagne, le couple sera libéré et Poelzig paiera pour ses péchés; si Poelzig gagne, le couple sera sacrifié lors d'une cérémonie à minuit et Werdegast rencontrera également son créateur. C'est une histoire folle qui voit Lugosi dépeindre une peur paralysante des chats, Karloff se faisant passer pour un fou obsédé par la mort et la beauté se mêlant de magie noire, et une tournure plutôt dégueulasse qui complique davantage la relation entre les deux anciens soldats. Le chat noir se termine par un bang, alors cherchez certainement celui-ci ne serait-ce que pour voir les maîtres de l'horreur à l'écran ensemble, mais en dehors de leur maquillage de monstre habituel.

Le corbeau (1935)

Dans une autre collaboration entre Lugosi et Karloff qui a été inspirée par Poe (celle-ci beaucoup plus évidemment), Le corbeau voit leurs personnages méchants travailler les uns à côté des autres plutôt que les uns contre les autres. Bien que ce partenariat soit au mieux ténu (et comiquement absurde pour commencer), c'est fantastique de le voir se dérouler à l'écran.

Le corbeau a deux choses intéressantes qui fonctionnent: l'interaction entre Lugosi et Karloff, et l'obsession bizarre que le personnage de Lugosi, le Dr Vollin, a avec tout ce que Poe. Vollin, un chirurgien doué mais excentrique, admet avoir construit un certain nombre des engins les plus célèbres de Poe (notamment une fosse, un pendule et une pièce de rétrécissement) dans sa maison même. Et pour faire une histoire courte, Vollin cherche à utiliser sa propre chambre de torture sur les Thatchers, une famille qu'il a aidée en utilisant ses talents particuliers mais qui l'a finalement insulté. Vollin fait appel à l'aide du meurtrier évadé Edmond Bateman (Karloff) dans cette entreprise, mais seulement par une ruse cruelle. Il semble que Bateman ne souhaite plus être si méchant, qu'il en a marre d'être laid et donc, dans son esprit, se sentir obligé de faire des choses laides. Donc, quand Vollin propose de réparer Bateman avec une chirurgie plastique en échange de son aide, cela semble être le match parfait. Ce qui suit est une descente dans la folie, la trahison et l'obsession qui laisse à la fois Lugosi et Karloff se perdre sur l'écran.

L'homme aux loups (1941)

Le dernier de nos monstres universels est scénariste / réalisateur George Waggner de Le loup garou , le premier de nos films d'horreur à voir Lon Chaney Jr. ramassez le manteau de son défunt père. Ce n'était pas le premier film de loup-garou du studio - le moins réussi commercialement Loup-garou de Londres fait ses débuts en 1935 - mais il continuera à façonner la mythologie du loup-garou pour les décennies à venir. Cela inclurait les représailles de Chaney Jr. dans le rôle de quatre suites. (Lugosi et Rains ont également des rôles de soutien dans ce premier opus.)

Poursuivant le thème des «Américains en Europe en péril», Le loup garou voit Chaney Jr. comme Larry Talbot, un homme pratique qui retourne dans sa maison ancestrale au Pays de Galles après la mort de son frère pour retrouver son père séparé. En plus de ses enchevêtrements familiaux, il s'implique également avec une femme locale et son amie, une relation qui le met finalement en contact direct avec un loup sauvage. En fin de compte, cet événement transforme toute sa vie par la suite, jusqu'à sa mort déchirante. Le loup garou peut ne pas avoir les meilleurs effets spéciaux (même si le maquillage de l'homme-loup lui-même est toujours emblématique) mais c'est un classique absolu du genre.

Gens de chat (1942)

Jacques Tourneur de Gens de chat est un film d'horreur d'un genre très différent. En dehors du royaume des monstres mythologiques les plus courants, ce titre de terreur est tiré de Val Lewton 's nouvelle' La Bagheeta 'publiée en 1930. L'histoire suit un homme américain nommé Oliver Reed ( Kent Smith ) qui tombe amoureux d'une immigrante serbe nommée Irena ( Simone Simon ), qui a la croyance particulière, basée sur les légendes de son village natal, qu'elle se transformera en chat sauvage si et quand elle est excitée sexuellement. Comme vous vous en doutez, cette croyance complique leur relation, mais ils se marient tout de même. La vraie complication survient quand Oliver commence à tomber amoureux de sa collègue, Alice ( Jane Randolph ). L'enfer n'a pas de fureur comme une femme-chat méprisée.

Gens de chat ne ressemble à aucun des autres films d'horreur de cette liste. Irena ne se transforme pas à la vue de la caméra sur un coup de tête ou par une obsession chimique, mais par l'acte même d'attraction sexuelle. Oliver, frustré par un mariage asexué et incapable d'aider Irena à surmonter sa superstition, fait appel à l'aide d'un psychiatre et se confie également à Alice sur ses problèmes. Ces décisions ne font que compliquer davantage leurs relations et nourrir la jalousie d'Irena au point qu'elle devient incontrôlable et la conduit à traquer Alice dans les rues et dans sa propre maison. Pour aggraver les choses, une liaison avec le psychiatre fait revivre les craintes et les croyances latentes d'Irena de façon horrible. Gens de chat s'attaque à des sujets aussi inhabituels pour l'époque que les femmes puissantes et dangereuses, les dangers du sexe et de la séduction, le divorce, la femme fatale et la maladie mentale. Sa conclusion, cependant, est tout sauf édifiante, alors soyez prêt.

Le voleur de corps (1945)

En lice pour la fin la plus inquiétante de cette liste de films est Robert Wise l'effort de 1945, Le voleur de corps . C'est le dernier film à présenter Lugosi et Karloff à l'écran ensemble en même temps (bien que le rôle de Lugosi soit plutôt réduit), et était basé sur une autre histoire courte de Robert Louis Stevenson . Cette fois, l'histoire a eu lieu en 1831 à Édimbourg, quelques années seulement après les très vrais meurtres de Burke et Hare dans lesquels 16 personnes ont été tuées afin de vendre leur corps au Dr Knox pour une dissection lors de conférences d'anatomie.

Alors que l'une des principales intrigues de ce film est centrée sur un jeune étudiant en médecine et ses tentatives pour aider la fille paraplégique d'une jeune femme, les éléments d'horreur de l'intrigue prennent un tout autre cours. Karloff joue le rôle de John Gray, chauffeur de taxi le jour et résurrectionniste la nuit; il livre des cadavres fraîchement déterrés (ou même fraîchement assassinés) aux médecins pour dissection. L'étudiant en médecine accepte ces corps avec l'approbation de son mentor, le Dr MacFarlane. Lorsque l'autre assistant du mauvais médecin (Lugosi) est mort après avoir tenté de faire chanter Gray, le résurrectionniste menace d'exposer la vérité: que le mentor de MacFarlane était le Dr Knox et qu'il avait participé aux meurtres de Burke et Hare.

Ce qui suit est une confrontation tendue entre les deux hommes qui ne fait que devenir de plus en plus angoissante au fur et à mesure que l'histoire se dirige vers sa conclusion inévitable. Les derniers instants valent absolument le détour et la résolution de leur lutte est d'autant plus significative grâce à une mise en place impeccable.

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