Les 36 meilleurs films des années 80 que le temps a oubliés

Aimez-vous * vraiment * les années 80? Trouver.

Alors tu aimes les années 80? Je suppose que ce sentiment n’a jamais disparu (en ce qui concerne les films), mais il est revenu dans un gros grâce à la série de science-fiction auto-consciente des années 1980 de Netflix, Choses étranges . Cette série les références de nombreux films des années 80 et obsédés en ont compilé toutes les références. De son Evil Dead affiche sur le mur, à son Soutenez-moi groupe d'amis en quête d'un corps (celui-ci vivant) et de la partition musicale qui s'intégrerait facilement dans un John Carpenter film. Et au-delà.

Il existe de nombreuses autres références, mais celles-ci ont été détaillées sur Internet. Beaucoup de films référencés sont en effet des classiques et méritent d'obtenir la Saint-Valentin de cinéastes modernes (bien que, pour moi, Choses étranges est moins une lettre d'amour et plus un barrage de texte tard dans la nuit). Cependant, nous commençons à regarder le cinéma des années 80 avec des œillères, ne faisant référence qu'à certains réalisateurs et à certains films. Si les années 70 ont été une décennie sous l'influence, alors les années 80 sont une décennie de nos influences actuelles. Des principaux commentaires politiques aux grands films d’action, en passant par les films d’horreur et d’exploitation qui repoussent les limites - avec de nombreuses comédies sexuelles et des spectacles de science-fiction au milieu de l’été - c’est une bonne décennie à partir de laquelle mienne. Ne perdons pas de vue certains films qui n’ont pas fait l’objet d’une brillance nostalgique ces derniers temps.



Image via Netflix

Si les films de Carpenter, Steven Spielberg, Rob Reiner et Ridley Scott et Tony Scott sont les choses les plus brillantes, alors ces 20 films sont les choses les moins voyantes. Les grands films des années 80 que le temps a oubliés.

Je sens un coup d'œil à venir pour ce titre, mais la méthode de création de la liste finale a d'abord été créée en proposant de magnifiques films qui ne sont pas mentionnés avec une grande fréquence et / ou qui n'ont pas reçu le traitement Criterion ou une grande réédition éclatante. récemment. Et puis, cette liste a été réduite pour n'inclure que les films qui ont reçu moins de 10 000 cotes sur IMDb. Pour quel meilleur baromètre avons-nous de ce qui devient oublié que les pages de base de données stagnantes? (Pour les intéressés, j'ai coupé quelques titres qui étaient au nord de cette barrière, tels que Le Changeling , Jonathan Demme de Marié à la foule , Brian De Palma S Corps Double et étonnamment, la terreur psychosexuelle de Andrzej Zulawski S Possession , SE DÉCHIRER.).

Maintenant que vous connaissez la méthode, mes 36 sélections (dont au moins une pour chaque année de la décennie) sont répertoriées ci-dessous. Parlez de certains de vos favoris, de ce que vous pensez avoir manqué (rappelez-vous la méthodologie de vote 10K) et de ce qui semble assez intrigant pour tenter votre chance.

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Melvin et Howard (1980)

Melvin et Howard lance cette liste de la décennie avec Jonathan Demme approche gracieuse et vicieuse du paysage obsédé par l'argent des années 1980. Le fait d'être toujours vendu quelque chose parsèlerait la production animée de Demme pour la décennie - à partir de Swing Shift à Quelque chose de sauvage à Marié à la foule , qui réduit les films de la mafia à un jingle de restauration rapide - mais avant que la décennie n'ait explosé avec excès, Demme a commencé par une récréation tranquille au crépuscule. Melvin et Howard est une douce berceuse de kitsch plein d'espoir; le calme avant la tempête hyper-capitaliste.

Une moto court dans l'obscurité, un grain de poussière crachant de la poussière, le long d'une plus grande autoroute. L'homme sauvage sur la moto prétend qu'il est Howard Hughes ( Jason Robards ), l'homme qui vient le chercher, un auteur-compositeur idiot nommé Melvin ( Paul Le Mat ), et pour un acte de gamin en le ramassant sur le bord de la route et en emmenant le vieux grognon à sa destination finale, l'homme dit qu'il l'inclura dans son testament. Un testament finit par arriver, tout comme les avocats des membres de la famille qui veulent que chaque part de la richesse de Hughes soit conservée entre eux.

Le paysage de Demme comprend une revue burlesque, un bateau sans littoral, un concours télévisé et un as Marty Steenburgen pour tous; tous ces lieux représentent un espoir pour les plus démunis (et renforcent la John Steinbeck citons qu'une révolution économique ne se produira jamais «parce que les pauvres américains ne se considèrent pas comme un prolétariat exploité mais comme des millionnaires temporairement embarrassés») mais contrairement aux services sociaux ou au loto d'une station-service, c'est du divertissement. Il y a tellement de gâteau à manger ici, du millionnaire aux fesses de Robards luttant contre la maladie mentale au cirque d'avocats entourant l'auteur-compositeur-interprète du seuil de pauvreté. Il était certainement devenu un héros populaire involontaire en héritant de millions; le problème est que la famille ne permet pas les héros étrangers. Des millions de dollars vont et viennent comme la brise sur un désert Melvin et Howard , mais le nirvana personnel pour le milliardaire aux fesses et le presque fesses Le Mat, sont de nature assez similaire. C'est un rappel chaleureux et délicat, d'autant plus que la décennie de l'excès, c'est le soleil qui se lève demain.

Mon Oncle D'Amerique (1980)

Alain Resnais est surtout connu pour son cinéma arty comme Hiroshima, mon Amour et L'année dernière à Marienbad , où les images en noir et blanc et la narration chuchotée - coupées avec des bombes à neutrons, des déclarations d'amour et de belles personnes dans les couloirs qui sont habillées avec élégance mais n'ont rien à faire - ont fait pour le type de films que les philistins se moqueraient quand les gens parlaient sur les films étrangers. Mon Oncle D’Amerique est son plus pop, étoilé ( Gérard Depardieu , à la hauteur de sa popularité française) et le film le plus humoristique. Mais c'est toujours très arty et philosophique; c’est son film le plus facile à digérer, mais c’est néanmoins passionnant car il est si facile à digérer qu’un film avec des messages directs, mais vous êtes toujours en train de réfléchir à votre propre existence par la suite.

Depardieu joue l'un des trois adultes qui viennent de différents horizons. C’est un homme politique bourgeois qui quitte sa femme pour un jeune communiste qui s’est enfui pour rejoindre le théâtre ( Nicole Garcia ), mais ne se rebelle plus après avoir expérimenté son style de vie somptueux. L'autre est un garçon de ferme ( Roger Pierre ) qui quitte sa petite amie enceinte pour trouver un meilleur travail dans un moulin de la ville. Tous les trois font des choix pour fuir quelque chose. Nous appelons cela le libre arbitre. Un quatrième individu en Mon Oncle brise le quatrième mur et recrée leurs interactions avec de vraies souris et des humains habillés en souris tout en racontant diverses expériences. Il est Henri Laborit , un philosophe célèbre dont les enseignements ont jeté les bases d'une étude de marché publicitaire. Mon Oncle D’Amerique est drôle. C’est dramatique. Mais c'est aussi très révélateur de l'expérience humaine - comment nous nous conditionnons pour survivre, démissionner ou nous battre les uns avec les autres.

Alligator (1980)

Image via les films du groupe 1

Alligator , est un film d'horreur des années 1980 conçu pour être uniquement en chiffres, mais issu de la plume de John Sayles , il n'est pas surprenant qu'il s'agisse en fait d'un film d'horreur axé sur les personnages qui évite de voir l'alligator géant pour le troisième acte. Et quand vous pouvez le voir tête-bêche (en plein jour, pas moins!), Il s'écrase une collecte de fonds de la ville de fantaisie. Lewis Teague Le film de est très amusant dans le carnage éventuel des créatures, mais aussi en tant que procédure policière.

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Robert Forster mène le film, en tant que flic avec une histoire, qui se heurte à la presse à propos de quoi - impliquant un de ses partenaires décédé dans le passé - quand la véritable préoccupation urgente est un alligator plus gros qu'une automobile et qui a éclaté à travers le béton et est une collation, une collation, grignoter des humains. Il serait si facile pour le film de suivre cette voie, et bien que ce soit ce qui fait basculer le film dans un territoire joyeux, c'est très spécial car Teague et Sayles investissent dans des personnages tout au long de l'exécution. Il y a une sous-intrigue de Forster, ridiculisée dans la presse, désarmant calmement une bombe pour montrer qu'il peut réagir vivement dans des situations tendues, malgré le récit de presse qui le harcèle de ne pas tirer son arme assez vite pour sauver son partenaire.

Entre ceci et Ramper (et dans une moindre mesure, Lake Placid ), la fonction de créature alligator est un exemple de grande narration compacte.

La nuit des traqués (1980)

Image via Impex Films

Jean Rollins 'Amnesia horror movie a une grande ouverture d'horreur de tous les temps, une fin merveilleuse, une scène de sexe prolongée et une intrigue sur un bâtiment de personnes perdant collectivement la tête afin qu'elles commencent à avoir des relations sexuelles sans réfléchir et à s'entre-tuer. Donc voilà, La nuit des chassés ce n'est pas une mauvaise nuit au cinéma!

L'ouverture est similaire à un film noir, une femme en robe d'hôpital ( Brigitte Lahaie ) s'échappe d'un grand bâtiment vers la route pour signaler une voiture, sauf qu'elle est poursuivie par son amie dont elle ne se souvient plus, et l'étranger ( Alain Duclos ) qui la récupère la ramène chez lui pour se frotter sur son tapis d'ours polaire. Ensuite, la femme est ramenée dans la tour de l'oubli par des médecins ténébreux qui la récupèrent et son sauveur, qui a profité de son amnésie auparavant, tente de la sauver dans une situation bizarre. Roméo et Juliette mode.

Ce n'est pas le meilleur film de Rollin, mais il pourrait avoir la meilleure intrigue de l'un de ses films que j'ai regardés. Préparez-vous juste pour cette scène de sexe, c'est assez long pour que vous ou n'importe qui dans votre voisinage supposiez que vous regardez un porno vintage; mais la longueur de la scène se justifie alors que Lahaie se bat contre son incapacité à se souvenir de quoi que ce soit dans son esprit avec le plaisir qu'elle ressent dans l'instant; un thriller brumeux qui ferait rougir Alfred Hitchcock. Son utilisation rend finalement la fin quelque peu touchante! Deux plantes, entrelacées, sur le point de fleurir.

Looker (1981)

Comment est Looker pas déjà un classique culte? Est-ce parce que Albert Finney porte des pantalons déchirés lors d'une fusillade et ce n'est pas censé être ironiquement drôle? Michael Crichton La satire de la beauté dans la publicité est une sorte de cliché entre Nicholas Ray + Frank Tashlin et B-John Carpenter. Je suppose qu'une des raisons pour lesquelles il est moins connu dans les factions sectes est parce que c'est une satire sérieuse et pas cool détaché. Mais c'est aussi ce qui le rend unique.

Looker concerne un complot publicitaire de lavage de cerveau qu'un chirurgien plasticien (Finney) découvre parce que ses beaux clients modèles lui reviennent sans cesse avec des commandes de mesures en centimètres spécifiques payées par une agence, puis ils finissent par mourir quelques jours plus tard. Les mesures spécifiques concernent les exigences de beauté publicitaires qui rendront les acteurs remplaçables par A.I.

Rien dans le film de Chrichton ne correspond au moule approprié du classique culte, mais putain il devrait être mentionné là-haut avec Ils vivent . Et certains aspects de Looker sont encore mieux réalisés que de nombreux classiques cultes des années 80. Premièrement, la cinématographie et la scénographie sont plus éblouissantes que tout ce que Chrichton a jamais écrit. Oui, l'histoire est ridicule mais elle permet beaucoup de superbes décors et de fausses publicités pleines de surprises (surtout lorsqu'elles sont filmées devant un public d'investisseurs). Mais la plus grande surprise est que pour un film des années 80 centré sur des modèles, pas un seul modèle n'est traité comme une tête d'air factice ni même critiqué. Les normes de l'industrie et une courte durée (de conservation) leur prêtent plus de sympathie que la plupart des victimes d'horreur au début du film. Et le chirurgien plasticien de Finney n'est qu'un mec debout. (À part: lorsque des acteurs estimés se tournent vers le genre bas, Finney est probablement mon préféré. Il est essentiellement le même bon gars coquin ici dans lequel il est Erin Brockovich ou alors Tom Jones ; voir: Wolfen pour plus de preuves; Le début des années 80 de Finney était Swiss Army Genre Dad).

Il y a des changements stupides dans l'intrigue Looker mais même ceux-ci sont sérieux et alignés sur la science-fiction à petit budget des années 50. Ils vivent avait des lunettes de soleil pour montrer la vérité, mais ici en Looker , à peine quelques années plus tôt, la seule façon de bloquer les publicités qui contrôlaient l'esprit était la méthode à l'ancienne: en mettant sa main sur vos yeux.

Stylistiquement, il y a quelques poinçons de caméra, des ombres de fond et des scans de simulation par ordinateur qui ne sont que de l'art pur. Criez à l'ancien directeur de la photographie de Nashville, Paul Lohmann , et le futur concepteur de production de Tron , Dean Edwart Mitzner , dont le travail ici a mieux vieilli que ce film. C'est un peu le parfait film de pop-corn socialement conscient des années 80, de la même manière que Gremlins et le précité Ils vivent sont.

Mme 45 (1981)

Parce qu'il n'utilise pas le meurtre d'hommes pour effacer d'horribles scènes de viol, réalisateur Abel Ferrara ( Mauvais lieutenant ) a punk le sous-genre «viol-vengeance» (et les films d'exploitation en général) avec Mme 45. En fait, Ferrara se peint même comme un agresseur derrière la caméra. C'est un film qui encadre sa victime et la pousse constamment dans les recoins (la victime est muette pour le christsakes!). En fin de compte, Mme 45 exprime quelque chose avec lequel nous devrions tous pouvoir être d'accord, à savoir que le silence sociétal des femmes dans les affaires de viol est horrible, mais aussi, dans une opinion moins populaire, pourrait l'être aussi le cinéaste qui en fait un film d'exploitation. Il y a une partition droney et acide, une soirée disco déguisée, un gang de pentagrammes et de nombreux autres tropes de sensibilisation au genre qui vous emmènent au bord du frisson et disent ensuite: «Va te faire foutre».

Il y a deux viols et ils sont choquants ici. Ils se produisent consécutivement un jour horrible et cela brise la vision du monde d'une belle femme muette ( Zoe Lund ) qui ne peut pas appeler à l'aide. Le premier viol est dans une ruelle et le violeur est le réalisateur lui-même, Ferrara. La seconde se produit lorsqu'elle rentre chez elle et qu'un cambrioleur est dans la maison. Il est tué de façon horrible et Lund achète une arme à feu (et plus tard un costume de nonne pour cacher ses traits) et commence à offenser les siffleurs, les harceleurs et quiconque lui enlève sa dignité alors qu'elle ne peut même pas répondre. Après quelques meurtres, sa méthodologie devient confuse et plus sanguinaire. Le score est excellent. Lund est génial. Et New York n'a jamais semblé aussi malade.

Mme 45 manque de nudité gratuite et le sexe forcé est effrayant, car il se concentre sur l'horreur de son visage; un visage qui ne peut pas crier à l’aide. Le viol est horrible et devrait vous mettre mal à l'aise. Le faire se produire consécutivement est un avertissement flagrant du public qui est prêt à entrer dans le genre tue mais qui n'a peut-être pas encore laissé toute l'étendue de la dépravation s'infiltrer. Parce que Ferrara est l'homme qui l'attaque en premier et laisse Lund dans un tas d'ordures, le film place régulièrement son arme au centre du cadre et Mme 45 se transforme en film sur le désir de tuer l'homme qui lui fait constamment oublier la douleur qui lui a été causée: Ferrara, la réalisatrice de son premier film.

Prince de la ville (1981)

Sidney Lumet ( 12 hommes en colère, réseau ) avait déjà réalisé un film sur un détective dénonciateur contre le NYPD corrompu, Serpico , et beaucoup pensent que c’est l’un des meilleurs films des années 70. Mais Lumet se sentait coupable d'avoir montré que les flics qui s'opposaient à Serpico étaient unidimensionnels. Prince de la ville , qui détaille également un agent de police du NYPD qui enregistre et renvoie d'autres policiers, ne se fait pas avec une histoire de héros contre tout le monde, mais montre plutôt un individu défectueux, qui est utilisé par un système de dénonciation gouvernemental défectueux, et montre que les deux flics décents et mauvais flics traversent tous les deux un champ de mines judiciaire où chaque enquêteur ou procureur de district essaie d'être promu dans cette affaire.

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Traiter Williams joue Daniel Ciello (basé sur Robert Leuci) un enquêteur sur les stupéfiants fidèle à ses partenaires. Cette loyauté finit par se fondre dans une loyauté envers ses informateurs, ce qui le voit marquer de l'héroïne pour eux afin qu'ils continuent à informer les fournisseurs. Il est important que Ciello ne soit pas un flic parfait qui dénonce la corruption, mais plutôt un flic défectueux qui renvoie les appels des chiens de garde fédéraux parce qu'il se sent coupable et ne peut pas déterminer quand les lignes ont commencé à griser pour lui professionnellement. Et le film qui en résulte, impliquant plus de six douzaines de parties parlantes et s'étalant pendant près de trois heures, est plus sur le long processus de litige (qui est ralenti par tous ses agents initiaux qui sont promus pour leur travail sur cette affaire; ainsi, il a montré que non loyauté, juste une tape dans le dos et à gauche pour les nouveaux ego) qu'il ne s'agit de flics sales. Un avocat note, assez profondément, que nous n'entendons jamais parler d'un «médecin ou avocat dénonciateur». Prince de la ville montre que s'il y a de la dignité dans les tentatives d'un policier de se montrer honnête, c'est presque aussi obscur que les tentatives d'un drogué de se montrer honnête.

Wolfen (1981)

Wolfen est peut-être le film le plus curieux de cette liste. C’est le seul film narratif de Michael Wadleigh le directeur de Woodstock . Le casting est intrigant et un peu étrange, mettant en vedette Albert Finney, Diane Venora, Gregory Hines et Edward James Olmos . Et bien que ce soit un film d'horreur qui a introduit pour la première fois la thermographie à huis clos pour montrer le point de vue du prédateur, en restant au ras du sol et en se jetant sur des victimes dont les corps sont des gradients de chaleur (plus tard utilisé de manière plus célèbre par Prédateur ), il y a une histoire assez grisante sur les droits fonciers amérindiens et une position anti-gentrification dans ce film.

Que sont les Wolfen? Une espèce avancée de loups qui peut échanger des âmes avec des tribus spécifiques d'humains. Ils ont élu domicile dans un projet de logement abandonné du Bronx que des personnes fortunées sont sur le point de faire exploser pour mettre une autre monstruosité d'entreprise. Wolfen est un film d'horreur avec une couche supplémentaire qui montre que chaque race et chaque espèce a le droit de protéger sa terre.

Ciel liquide (1982)

«Deux Miss Amériques.»

Photographe de mode: 'Et on pourrait en finir tous les deux en train de baiser!'

Margaret: 'Il ne peut pas baiser.'

Jimmy: «Je peux aussi baiser. Je ne peux juste pas te baiser. '

Ciel liquide est un délice pansexuel lo-fi sur les mannequins junkies et les extraterrestres qui récoltent les endorphines de leurs orgasmes. Anne Carlisle joue à la fois la citable Margaret et la citable Jimmy. Elle est belle à la fois en tant que femme et en tant qu'homme; id et ego. Ce film est la contre-culture par excellence des années 80, qui - comme le courant dominant américain - était tout au sujet de l'excès et du droit. Mais l'excès et le droit ici sont à des drogues de tout genre et de tout sexe de tout sexe.

Ses étranges penchants de science-fiction et ses mashups de genre (parfois il s'agit d'une comédie musicale «boîte à rythme», d'un défilé au néon passionnant et d'une expérience hyper-sexuelle fluide de genre) le rendent tout aussi amusant que celui d'Alex Cox. Repo Man , juste beaucoup moins connu (probablement pour tout ce truc de fluidité sexuelle; oh, et le novice agissant). Slava Tsukerman Le film de ce film mérite son statut de culte.

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Transe (1982)

La conclusion d'horreur et la bande-son électro sont ce qui fait Transe un film culte mais c'est la construction de cette conclusion qui est vraiment divine. Ce film ouest-allemand suit une jeune femme ( Désirée Nosbusch ) qui est obsédée par une pop star émergente qui est restée une énigme en n'utilisant que le nom de R et en disant très peu dans les interviews; nous parlons ici d'une obsession dérangée. Elle harcèle un facteur pour ne pas lui avoir répondu à l'une de ses nombreuses lettres de fans `` Nous sommes des âmes sœurs ''. Elle saute l'école, elle se retire de sa famille (sauf quand R joue à la télé), et après sept jours sans lettres, elle fait du stop à Munich pour le retrouver. Le type de musique que R fait - synthés minimalistes et paroles impassibles avec des touches répétitives - est une bande-son parfaite pour l'obsession répétitive et morose de Simone, s'abstenant de tout contact humain sauf lors de l'écriture de ses lettres. Et les images et le rythme du film correspondent parfaitement à ce style de musique; secousses occasionnelles qui clignotent comme un moniteur cardiaque pour une personne sous assistance respiratoire.

Je ne pense pas que la fin du film culte fonctionne, personnellement, mais Transe est une trouvaille bien conçue pour les fans de l'esprit adolescent post-punk et rance; et les fans de genre devraient absolument le chercher pour se forger leur propre opinion sur les deux moitiés du film. Mais la déclaration des parents de Simone selon laquelle ils n'ont pas demandé le rapport d'une personne disparue pour elle - afin d'éviter un scandale - renforce peut-être à quel point elle est vraiment isolée et seule. Et pourquoi elle est attirée par un être humain si vierge dont les paroles de chansons sentent la dépression et une crise d'identité.

Vice Squad (1982)

Image via Embassy Pictures

Gary Sherman S Brigade des moeurs est une tournée d'enfer à Los Angeles. Il suit une mère célibataire prostituée ( Saison Hubley ) qui est obligé de travailler sous couverture pour le LAPD afin d'arrêter un proxénète meurtrier et misogyne nommé Ramrod ( Ailes Hauser ), qui est dans une toute autre ligue de méchant. Wings Hauser est absolument terrifiant dans ce film. Un grognement pur.

Brigade des moeurs est moins un film et plus un Grand Theft Auto visite du ventre de Los Angeles, chaque hôtel toutes les heures et chaque magasin qui éclaire la rue avec une enseigne au néon après minuit; [ Voix de Stefon] ce film a tout pour plaire: des chiens en lunettes de soleil, des papas en cuir, des proxénètes avec des chapeaux de plumes, des proxénètes en chapeaux de cow-boy, et le méchant menaçant chante même la chanson thème parce qu'il possède ces rues! Il suffit à vous faire crier: «Va te faire foutre!» même si vous êtes seul à la maison. Ramrod rentre dans ta tête comme ça.

Bébé c'est toi (1983)

John Sayles , le cinéaste de l’homme qui a fait ses débuts en Roger Corman La fantaisie de grindhouse avec des scripts pour Piranha et La dame en rouge , est surtout connu pour ses portraits socialement conscients de l'homme qui travaille. S'ils étaient des mineurs qui se heurtaient à des briseurs de syndicats Matewan , ou un extraterrestre qui prend la forme d'un homme noir en Amérique Le frère d'une autre planète ou The Boss aux travailleurs du monde entier, dans une vidéo emblématique et encore incomprise pour Bruce Springsteen «Born in the U.S.A.» de Sayles, le cœur de Sayles battait toujours pour ceux qui se voyaient à la fois nier et nourrir le mensonge du rêve américain. Pourtant, avec Bébé c'est toi , Sayles a également réalisé l'un des meilleurs drames pour adolescents dans un lycée où le rêve américain semble possible pour certains et éloigné pour d'autres.

Situé dans un lycée du New Jersey des années 1960, Jill Rosen ( Rosanna Arquette ) se prépare à aller à l'université et se trouve attirée par le crooner habile du mauvais côté des pistes, un gars qui s'appelle The Sheik ( Vincent Spano ). C’est une configuration familière, oui, mais avec beaucoup de cœur et d’attention pour divers détails de la période. Le coup de maître de Bébé c'est toi est que cela ne se termine pas au lycée, mais continue de suivre son chemin collégial et son chemin destructeur. Vous savez que ces deux éléments ne devraient probablement pas être ensemble, mais vous voulez le meilleur pour chacun d’eux.

En 2016, Bébé c'est toi est surtout connu comme une note de bas de page de trivia, pour présenter les débuts au cinéma de Robert Downey Jr. (dans un très petit rôle), mais il devrait vraiment être recherché pour expérimenter. Arquette tourne dans une performance incroyable, Sayles est délicat dans sa mise en scène et le scénario (co-écrit avec Amy Robinson ) est peut-être la romance transformationnelle la plus authentique d'un lycée à l'université jamais réalisée par un studio de cinéma américain.

La ballade de Narayama (1983)

Le film de 1958 du même nom (par Keisuke Kinoshita ) a reçu une réédition nette de Criterion Collection, mais Shohei Imamura Le film de Mérite mérite largement le même traitement. La «ballade» concerne un village rural japonais où les habitants qui atteignent l'âge de 70 ans doivent escalader la montagne Narayama et attendre leur mort.

Cette ballade particulière est pour la matriarche d'une famille de trois fils célibataires. À l'approche de ses 70 anseanniversaire, elle tente de les marier tous. L'un est honorable ( Ken Ogata ), et lui trouver un match s'avère facile, même si la femme n'est peut-être pas aussi honorable qu'elle le laisse croire à sa mère. Les deux autres fils sont dans des situations désespérées. L'un est connu sous le nom de Stinker et il est échevelé, sale et sexuellement frustré. Il entend parler de la demande d’un homme malade pour que sa femme couche avec tous les hommes du village avant de mourir. Le piège? Ne dors pas avec Stinker. Le dernier fils est capable de trouver son propre partenaire et ils sont jeunes, amoureux et n'ont pas besoin d'aide dans les situations sexuelles. Le problème est que son père est un voleur et que la ville réagit à la présence de cette famille dans l’une des plus horribles prises que vous ayez jamais vues.

La ballade de Narayama a un titre lyrique et c’est un film lyrique. Il voit ces personnages de manière omnipotente d'en haut, mais leur âme et celle de ceux qui les précèdent créent un brouillard. Ce n'est pas clair de la montagne; et la matriarche n'est pas non plus assez malade pour mourir de sitôt. Vous avez le sentiment qu’elle va regarder la comédie tragique de ses fils pendant très longtemps. La ballade de Narayama est pour les fans de Michael Haneke S Le ruban blanc , décroché de quelques crans.

Étoile 80 (1983)

Le pouvoir possessif qu'une image donne au spectateur fait partie intégrante de Bob Fosse de ( Cabaret, tout ce jazz ) film final. Étoile 80 montre comment le regard masculin crée la propriété. Et comment cette propriété est renforcée par une image qui peut être regardée chaque fois que la personne au pouvoir décide qu'elle a besoin de ressentir le sentiment de dépendance qui lui est attaché.

L'histoire vraie du meurtre du jeune Playmate of the Year, Dorothy Stratten , est un peu bizarre maintenant car cela ne tente pas d'humaniser l'homme délirant qui l'a découverte, a envoyé ses photos à Playboy , l'a épousée et l'a ensuite assassinée alors qu'elle allait le quitter. Le film est meilleur car il manque cette tentative d'humanisation pure et simple et permet simplement Eric Roberts pour montrer des moments de conscience de soi au monstre à l'intérieur de son personnage. Nous le voyons exploser dans des accès de rage puis se retirer dans des excuses, nous le voyons tenter de diriger ses séances photo lui-même, non pas par malveillance, mais parce qu'il pense connaître la bonne réponse à obtenir d'un homme qui regarderait. Nous observons son comportement au lieu de l'entendre expliquer son passé. Et le film est une image, donc l'observation fonctionne mieux pour voir ce niveau de contrôle compulsif sur la capture de l'imagerie correcte du corps de quelqu'un d'autre.

Étoile 80 observe ses manières prédatrices de vendre des femmes dans les salons de l'automobile, dans les clubs, puis dans sa chambre, pour les vendre au monde entier. Il trompe Dorothy ( Mariel Hemingway ) parce qu'il est accro à l'utilisation des femmes pour se sentir bien dans sa peau. Il ne s'attache à elle que lorsqu'elle commence à s'éloigner, ce qui fait que la fixation se transforme en un affichage pervers de s'entourer sur des photos d'elle, du sol au plafond. Plâtré dans sa chambre sont les Playboy photos au centre et leurs photos de mariage. La combinaison de la trouver et de se marier crée un enfermement de propriété; c'est moins un sanctuaire pour elle que pour son sentiment de propriété.

Roberts est fantastique, il ne fait pas preuve de sympathie, il est effrayant à la fois dans sa relation avec Dorothy mais aussi dans son culte de Hugh Hefner ( Cliff Robertson ), un homme qu'il idolâtre; il pense que Hefner devrait se voir instantanément dans ce petit arnaqueur et Hefner ne le fait pas. Hemingway est terriblement doux mais aussi énigmatique; elle donne des réponses fantastiques en conserve dans les interviews et n'est pas sûre d'elle-même dans sa vie de tous les jours, se permettant de se faire dire quoi faire par les hommes qui ont la capacité de lui donner une carrière qu'elle n'a pas ressenti le désir de poursuivre seule. Elle est si jeune, elle est malléable et ne sait pas encore qui elle est.

Si j'ai une critique c'est que Fosse va doucement sur Hollywood en donnant Peter Bogdanovich La liaison de la vie réelle avec Stratten (et le mariage ultérieur de sa sœur cadette) une dissimulation en lui donnant un directeur suppléant du nom d'Aram Nicholas, bien que Hefner ait utilisé son nom, et son manoir et ses fêtes sont montrés comme une arène pour les requins. Il est également montré en train de regarder à travers la portée des modèles nus déclarant qu'il aime qu'ils viennent d'une petite ville de l'Iowa, car cela nourrit le fantasme de la fille d'à côté et non de la femme urbaine qu'une grande partie de son lectorat ne rencontrerait jamais. Cette fille pourrait vivre juste à côté de vous! Mais Étoile 80 et Hollywood lui-même n'hésite pas à critiquer l'arène de la pornographie et à se placer au-dessus d'elle. Il y a une raison pour laquelle les réalisateurs et producteurs de films sont également à ces fêtes. Eux aussi colportent dans le territoire de la «fille d'à côté» et ils aiment aussi être entourés de jolies jeunes femmes qui ne savent peut-être pas quelle carrière elles veulent pour elles-mêmes mais qui pourraient être persuadées dans de nombreuses directions.

Mais c'est un petit problème. Étoile 80 est très, très bon; même si vous savez où cela mène dès le départ. Roberts n'obtient pas de nomination aux Oscars pour cela met également en évidence l'incapacité d'Hollywood à applaudir un fluage. Mais c'est l'un des meilleurs portraits d'un fluage de jeune homme jamais réalisé.

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Testament (1983)

La peur d'une frappe de missile de guerre nucléaire était encore immense dans les années 1980 et en tant que telle, elle a été dramatisée à quelques reprises. Jamais ça n'a ressemblé Lynne Littman S Testament , pourtant. L'explosion elle-même est un bref éclair de lumière. Parce que l’attaque est au loin, nous ne voyons pas de décombres. Nous ne voyons pas de rues enfumées. Nous voyons des banlieusards confus qui essaient de comprendre ce qu'il faut faire ensuite lorsqu'ils ne peuvent pas entrer en contact avec les villes environnantes. Certaines maisons n'ont pas de famille et elles attendent un mot de leur part. La plupart essaient de continuer et d'attendre les autorités. Finalement, les radiations entraînent la mort. Les corps sont enterrés. Finalement, il y en a tellement qu'ils sont brûlés. Et tout le monde dans la ville de Hamlin, en Californie, sait que ses jours sont comptés.

En général, un film sur l'explosion nucléaire montrera des survivants sur la route, échevelés, affamés et désespérés. Testament , cependant, suit la famille nucléaire d'une mère ( Jane Alexander ) et ses enfants (y compris les débuts à l'écran de Lukas Haas ) au fur et à mesure de leur journée. Ils ont monté une pièce de théâtre à l'école. Ils vendent des batteries au bord de la route à ceux qui fuient. Ils offrent un abri aux enfants dont les parents ne sont pas revenus à la maison. Finalement, il y a des signes de maladie, mais Littman ne se concentre pas trop sur la grossièreté. C'est un film très patient et maternel, plein d'horreurs silencieuses dans des situations où la plupart des cinéastes s'exprimeraient fort. Il y a des larmes à verser Testament , mais rien de plus qu'une belle description du sexe d'Alexandre à sa fille aînée, suivie d'une pointe de tristesse que sa fille ne comprendra jamais à quel point les paroles de sa mère sont véridiques.

Pauline à la plage (1983)

Image via Orion

Pauline à la plage est La Ronde (la célèbre pièce qui commence avec un amant puis suit l'un de ces amants jusqu'à leur mariage et ainsi de suite jusqu'à ce qu'elle revienne finalement au point de départ du carrousel de lit) si raconté par Éric Rohmer . C'est-à-dire qu'il y a beaucoup de conversations sur l'amour mais une seule personne trompe n'importe qui parce que tout le monde dans le manège est si fermement attaché à la façon dont ils aimeraient tomber amoureux qu'ils ne sont pas disponibles pour tous. pièces mobiles. À travers le travail de toute une vie de fables romantiques et de discussions sur l'amour et le sexe, les personnages de Rohmer semblent toujours savoir tellement ce qu'ils veulent qu'ils ne peuvent pas l'obtenir car il faut que les désirs de deux personnes soient satisfaits et que les relations fonctionnent finalement quand il y en a. sont des concessions faites plutôt que deux personnes si semblables dans chaque désir qu'elles s'alignent parfaitement.

Pauline ( Amanda Langlet ) est une adolescente perspicace en vacances d'été avec sa tante Marion sexy, sur le point de divorcer ( Arielle Dombalse ). Marion est désirée par une aventure des années passées, Pierre ( Pascal Gerggory ) mais elle a l'œil sur Henri ( Féodor Atkine ), un homme qui ne peut pas être attaché parce que sa position est de céder à tous les caprices. L'intelligence et l'insouciance d'Henri sont les choses mêmes qui le rendent désirable mais pas fait pour rencontrer une idée préconçue de l'amour et l'incapacité de Pierre à exprimer ses propres tangibles autrement qu'il est meilleur que l'autre gars, ne se prépare pas non plus à une romance gagnante. Pendant ce temps, Pauline s'intéresse à un jeune garçon sur la plage et la couverture de ce garçon pour Henri lors d'un rendez-vous de triche jette l'idéalisme de tout le monde nu sur le sable pour être brûlé par le soleil et la seule chose que chaque amoureux potentiel partage est une idée qu'il sait qui est mieux pour tout le monde.

Ce qui rend Pauline à la plage si gentil, c'est que Rohmer nous montre une perte d'innocence non pas à travers un film d'été perdant la virginité comme nous en avons l'habitude, en particulier dans les films français, mais en observant tous les masques que les adultes mettent pour compliquer encore une sensation très déroutante: le désir. Marion, Henri et Pierre sont plus enfermés dans leurs types et leur idée de la vie qu'ils en parlent sans cesse sans que personne ne les connaisse vraiment, juste leurs idéaux. Et ils expliquent tout avec des demi-vérités avant de reprendre la route, transportant plus de bagages à l'autre rond .

Peur (1983)

Image via Les Films Jacques Leitienne

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Vous ne serez pas préparé à cela. anxiété m'a rendu blanc comme un fantôme, ceci est un avertissement pour un film très bien fait dont la brutalité est le double de la réalisation de films compétents et c’est très un cinéma compétent, en effet.

anxiété est un portrait magistralement dépravé d'un tueur en série qui a plus en commun avec Krzysztof Kieslowski Court métrage sur le meurtre (photographie impressionnante, dialogue minimal) que Henry: un portrait d'un tueur en série . La partition électro d'un ancien membre de Tangerine Dream est fantastique. La caméra, perchée dans les arbres, attachée au corps de l'acteur et penchée sur des cordes, est tout simplement magnifique.

Le récit concerne un tueur qui a été libéré de prison et qui envahit immédiatement une maison pour tuer. C’est une histoire vraie. La performance de Cuir Erwin est superbe, de manger des saucisses dramatique à un bain sans charnière dans un évier de cuisine. Il y a une ligne dans la narration sur le fait que personne ne pourrait agir aussi mort que la mère dans ce film, mais bravo aux cadavres de l'acteur qui sont traînés vers des voitures, restés immobiles pendant de longues prises, etc.

anxiété est une montre très résistante que je ne recommanderais qu'à ceux qui peuvent apprécier et estimer Henri , Jeux marrants, etc. C’est plus troublant psychologiquement que votre film d’invasion domestique de base; la principale recommandation est l'utilisation du mouvement de la caméra, des allumettes pour la lumière et les points de vue du cadre de la porte sont évocateurs et étranges. Tout est conçu de manière experte. Et à bien des égards, c'est la Pologne De sang-froid , une série de meurtres qui a choqué une nation et comprend une narration pour fournir un aperçu de fond à partir de témoignages réels; bien que cela soit choquant partout, cela ne vous donne pas l'impression d'être heureux avec les chocs, il désire simplement tracer une carte d'un esprit psychotique très malade.

Le quatrième homme (1983)

Image via THE UNITED DUTCH FILM COMPAGNIE / THE KOBAL COLLECTION

Paul Verhoeven Dernier film hollandais - avant de passer confortablement à devenir un fauteur de troubles hollywoodien à gros budget avec RoboCop, Showgirls, Starship Troopers, etc. - était Le 4ème homme . Et si on l'identifie à la subversivité, rien dans sa filmographie n'est aussi subversif que Le 4ème homme parce que la subversion est psychologique, opposée à la confrontation. Il montre le sexe comme à la fois alléchant et dévorant, mais aussi trop éphémère et physiologique pour en fait informer toute une identité. Les idées composent votre identité, pas ce qu'il y a entre vos jambes.

Comme il s’agit du film le plus lynchois de l’œuvre de Verhoeven, un résumé de l’intrigue ne dit pas tout, les rêves sont les plus révélateurs, mais voici ce que l’on peut en dire: un auteur, Gerard ( Jeroen Krabbé ), commence une liaison avec une femme séduisante, mais androgyne, Christina ( Renée Soutendijk ) qui vend des cosmétiques, préfère les cisailles et dirige une boîte de nuit appelée SPHINX. L'enseigne au néon du SPHINX est grillée et n'épelle que SPIN (en néerlandais pour «Spider» et après l'avoir rencontrée au bar, il est plongé dans une toile de confusion). Gerard, qui est dans une relation homosexuelle difficile à long terme, est d'abord attiré par Christina pour tenter de se rapprocher du plus jeune homme de sa vie ( Thom Hoffman ). Mais après avoir vécu un type d'orgasme très différent avec elle, il commence à avoir d'étranges cauchemars et une crise d'identité.

Le 4ème homme est une combinaison de plusieurs des grandes choses qui existaient dans l'œuvre étrangère de Verhoeven - érotisme sombre, nudité au repos, violence sexuelle choquante - mais c'est aussi son film religieux le plus dément. «Être catholique, c'est avoir de l'imagination», répond Gérard lors d'un Q + R, lorsqu'on lui demande comment quelqu'un peut encore être religieux à une époque d'expansion de la science. Après avoir été époustouflé par le sexe, Gerard est incapable de faire la différence entre les horreurs réelles et les horreurs inventées qu'il a gardées pour une écriture future. La biologie a conduit son pénis, mais il a permis au catholicisme (et à ses rituels et à son symbolisme) de conduire son imagination à la punition.

Né dans les flammes (1983)

Image via les fonctionnalités de première exécution

Né dans les flammes n'a pas de structure d'intrigue formelle, mais plutôt du punk rock. Lizzie Borden Le docu-drama de est révolutionnaire; il comprend que pour que les révolutions sociales fonctionnent, toutes les cellules des exclus doivent charger les portes ensemble, non pas par unité complète mais dans le chaos des cafards; une armée de lanceurs d'alerte.

Dépouillée, Né dans les flammes concerne un groupe de divers groupes dirigés par des femmes qui se rebellent contre un gouvernement pas si futuriste. Lora Logic (des groupes punk fondateurs Essential Logic, X-Ray Spex et Red Krayola) fournit la chanson thème du film, qui est la parfaite facilité dans le ton parce que son 'bondage up yours' underground! l’éthique punk permet au film de Borden d’exister presque comme un zine punk; taches de gluestick et bords blancs apparaissant à partir de découpes imparfaites. Fucked et photocopié.

Né dans les flammes est encore si prescient et pertinent aujourd'hui, peut-être même plus que les années 1980, mais l'état décrépit des zones urbaines après le Grand Vol Blanc des années 70 en fait le décor futuriste parfait. Le NYC des années 80 était si flou et avait besoin de révolution et, comme toujours, ce sont les artistes, les punks, les queers et les gens de couleur qui l'ont fait. Car ils mettent la main dans les flammes quand il fait trop chaud pour le reste.

Crimes de passion (1984)

Ciel liquide est le premier d'une poignée de films sur cette liste qui traitait de la crise de la double identité à laquelle de nombreuses personnes sont confrontées dans les années 80 riches et excessives. Mais celui-là l'a fait en jetant la même actrice sous deux sexes différents. Ken Russell Opus obscène Crimes de passion montre de nombreux personnages engagés dans une double identité. Kathleen Turner La créatrice de mode de jour, prostituée de nuit (avec le nom de China Blue) est le vaisseau sur lequel les hommes peuvent réaliser leurs fantasmes dormants socialement non acceptés. Qu'il s'agisse de tenter de la sauver, de se livrer à des fantasmes de viol ou pour sa menace la plus constante, c'est un prédicateur ( Anthony Perkins ) qui renifle du nitrate d'amyle et transporte un gode mortel pour faire taire ses désirs honteux.

Ce film présente certains des dialogues les plus fous et les plus ridicules jamais tournés (exemple: 'Si vous pensez que vous allez retourner dans ma culotte, oubliez-le, il y a déjà un trou du cul là-dedans'). C’est exagéré, mais aussi une étrange Saint-Valentin sanglante pour le droit d’une femme de choisir qui elle veut être. Et elle maîtrise parfaitement les situations les plus dépravées.