33 grands films des années 70 que le temps a oubliés

Les années 70 nous ont offert du grand cinéma de tous les temps, mais les coupures profondes sont tout aussi bonnes que les plus grands succès.

Les années 70 sont souvent considérées comme le deuxième âge d'or d'Hollywood. Enhardi par le succès de Dennis Hopper S Easy Rider qui a clôturé les années 60, de nombreux studios ont montré une volonté de confier à de jeunes producteurs, écrivains et réalisateurs le soin de donner une toute nouvelle voix au cinéma. Le résultat a été une sélection unique de classiques de nouveaux non-conformistes du cinéma tels que Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman, Woody Allen, Bob Rafelson, Terrence Malick, Steven Spielberg, Hal Ashby, William Friedkin, George Lucas et Peter Bogdanovich , pour n'en nommer que quelques-uns. Ils différaient des grands précédents en renonçant au classicisme pour une association plus étroite avec la réalité, à travers plus de sons ou de chansons rock 'n roll au lieu de partitions, à travers des intrigues plus intimes en suivant un personnage plus que son histoire et en s'aventurant hors de la scène sonore et en sortant. dans le monde réel.

Bien que beaucoup de ces noms aient été la cheville ouvrière du nouveau succès de la narration pour la décennie, les années 70 ont eu de nombreux grands films qui ont également puisé dans l'esprit rebelle des nouveaux auteurs sans continuer à recevoir un éclat classique. Chaque décennie a oublié les films, mais les années 70 sont un trésor de films rebelles, excentriques et vivants, mais qui ne sont plus mentionnés.



Pour créer cette liste initiale, je n'avais qu'un seul critère: le film devait recevoir moins de 10000 votes sur IMDb, ce qui semble être un bon baromètre pour savoir si un film a été laissé ou non dans l'air du temps rétrospectif. Avec cette méthodologie, quelques choses ont été découvertes. Premièrement, bon nombre des films qui pourraient potentiellement atterrir ici étaient expérimentaux avec un récit, ou grindhouse ou étranger, ce qui n'est bien sûr pas surprenant. Mais le plus surprenant était que bon nombre des grands films américains de cette décennie qui ne semblent plus avoir de fervents partisans mais qui ont été réalisés par un auteur reconnu comme Altman ou Ken Russell , mettait souvent en vedette une femme principale.

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Les grands films des années 70 appartenaient en grande partie aux hommes, ont été réalisés par des hommes, et ont raconté les histoires presque exclusivement à travers les yeux des hommes et ont essayé de décoder ce que signifie être un homme honorable. Ce sont toujours de bons films, bien sûr, mais le cinéma des années 70 a été la première véritable barrière entre les sexes pour les films; tous les éloges et récompenses allaient Le parrain, un survolé le nid de coucou, Rocky, The French Connection, The Deer Hunter etc. et c'est frappant par rapport aux décennies précédentes où des films dirigés par des femmes comme L'appartement, ma belle dame, le son de la musique , etc., pourraient encore remporter les meilleurs prix du film dans les années 60. Les années 70, c'est quand la renommée et le prestige sont devenus unilatéraux et la grande majorité des images de prestige se sont concentrées sur les hommes. Je pourrais dire que c’est à ce moment que l’idée de la photo d’un homme et celle d’une femme se sont aussi éclatées. Depuis les années 70 nous a également donné l'idée d'un blockbuster qui a changé à jamais le cinéma, avec Guerres des étoiles , ce fossé s’est creusé dans les années 80 et nous commençons seulement à voir un retour à des images féminines de prestige réalisées par de grands réalisateurs.

Ce n’est pas pour critiquer les films incroyables comme Le parrain, Apocalypse Now, Badlands, après-midi de chien, et de plus en plus qui sont sortis dans les années 70, mais il convient de noter que la plupart des films de cette liste - qui n'ont pas reçu le soutien initial du studio et n'ont plus le soutien d'un système de vote comme IMDb - présentent des femmes les rôles principaux. Les autres sont étrangers, marginaux et coquins. Ou dans certains cas, il s'agit des débuts en tant que réalisateur d'un réalisateur qui continuerait à avoir une secte à la suite, comme Walter Hill et Elaine May . Parcourez quelques-uns des choix et des sons sur les films avec lesquels vous êtes d'accord ou que vous voudrez peut-être regarder, ou sur les méga classiques qui vous semblent surfaits.

Le Quatuor Lickerish (1970)

Radley Metzger était un pionnier de l'érotisme. Alors que ses contemporains aiment Russ Meyer et laiton Tinto a passé les années 70 à mettre en évidence des traits féminins spécifiques (Meyer les seins et Brass les fesses), Metzger faisait de l'art qui comportait parfois la fornication. Ne me croyez pas sur parole, Andy Warhol appelé Le Quatuor Lickerish «Un chef-d'œuvre outrageusement pervers» et l'UCLA a restauré ses tirages de films et organisé des rétrospectives pour mettre en valeur son travail. C’est académique.

Le Quatuor Lickerish commence dans un château européen où une famille aisée regarde un vieux «film bleu» (comme on le fait avec sa famille dans un château), puis ils se rendent dans un cirque où ils regardent des tours de casse-cou. Ils remarquent qu'une motocycliste ( Silvana Venturelli ) ressemble beaucoup à la femme qui figurait principalement dans le film sale qu'ils viennent de regarder. Alors, bien sûr, ils l'invitent à retourner dans leur château, où ils parlent de tours de vélo, lui montrent la vidéo coquine et l'invitent à réaliser chacun de leurs fantasmes, un par un. Pendant ce temps, elle demande à plusieurs reprises, «qui a l'arme» et le patriarche de la famille ( Frank Wolff , qui avait de petits rôles dans les deux Il était une fois dans l'Ouest et Le grand silence ) a des flashbacks sur son temps de guerre. Oui, il y a du sexe et de la musique fantastique loufoque, mais qu'est-ce qui fait Quatuor Lickerish impressionnants - et l'un des rares films du genre où vous pouvez regarder la cinématographie, la conception de l'histoire et de la production tout en conservant votre carte de cinéphile snob - sont les configurations, le montage et les changements de décor imaginatifs (une bibliothèque se transforme en un dictionnaire sale, par example). Vous pourriez avoir chaud, vous pourriez avoir un rire, mais vous vous sentirez aussi mal à propos de la guerre et des parents.

Enquête sur un citoyen au-dessus de tout soupçon (1970)

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Enquête sur un citoyen au-dessus de tout soupçon est le chef-d'œuvre rare dont j'aimerais aussi voir un remake mis à jour. Ses préoccupations gouvernementales sont si intemporelles, si mûres, si tissées dans le tissu passé et futur d'une société gouvernante corrompue. Donald Trump s'est un jour vanté d'être si populaire auprès de sa base qu'il pouvait tirer sur quelqu'un sur la Cinquième Avenue et ne jamais subir de conséquences. Eh bien, c'est comme un film, sauf beaucoup plus intelligent, curieux et préoccupé par ce que signifie réellement cette admission ouverte.

Un citoyen au-dessus de tout soupçon présente le chef de la police romaine ( Gian Maria Volonte ) alors qu'il entre dans l'appartement d'un amant qui lui demande comment il fera semblant de la tuer ce soir, sauf qu'au lieu de se livrer à leur jeu de rôle habituel, il la tue; il laisse exprès un fouillis d'indices, curieux de voir si son statut, qui est ce à quoi la femme était attirée, pouvait réellement le sauver de toute répercussion pour un crime passible de la peine capitale. le Ennio Morricone La partition, qui n'est qu'une composition de thème répétée, comprend un souffle de harpe à mâchoires qui vous permet de savoir qu'il est normal de trouver de l'humour dans tout ce qui se déroule. Mais, bien que le commentaire social et la satire lui-même soient très forts, la vraie maîtrise de Elio Petri 's film est dans la façon dont il utilise les flashbacks entre le chef de la police et la femme assassinée, Augusta Terzi ( Florinda Bolkan ). Nous la voyons se tendre un piège, à son insu, en s'ennuyant une nuit et en appelant ivre le poste de police pour arrêter quiconque répond en se décrivant nue dans son appartement avec un intrus et elle est curieuse de savoir si quelqu'un là-bas pourrait la sauver ou s'ils '' D la laisser simplement être violée et ignorer tout rapport futur. Le chef vient inspecter et intéressé par son pouvoir, elle continue de le pousser à faire des choses pour le frisson d'être trop haut en puissance pour recevoir le moindre coup de poing.

Surtout, bien qu'Augusta soit impliquée dans cette danse du macabre, Petri ne la blâme jamais pour sa disparition. Bolkan interprète Augusta comme une femme qui se rebelle contre la société mais cette rébellion la rapproche des hommes de pouvoir et aussi des hommes du côté révolutionnaire qui veulent étouffer ledit pouvoir; elle est constamment agitée en enfreignant les lois mais tombe immédiatement dans une dépression de conscience, là où il ne le fait pas.

Une distinction importante dans Au-dessus de la suspicion c'est qui est nommé et qui ne le fait pas. La plupart des hommes qui occupent des postes gouvernementaux ne sont pas désignés par leur nom, mais par leur rang, ce qui les rend non pas humains mais l’État personnifié. Ceux qui sont nommés sont soit des victimes, soit des personnes surveillées en raison de leurs tendances communistes. C'est une distinction importante que post-Mussolini, le fascisme italien a été autorisé à continuer, à s'aggraver et à se développer, simplement en raison de la peur que le communisme le remplace. De plus, alors que Petri coupe entre ses tentatives pour être découvert et sa relation passée avec Augusta, nous réalisons que sa perte sociopathique est liée à ce qu'elle est le plus souvent pour les hommes de pouvoir, un coup porté à leur ego sur leur virilité sexuelle. Bien que ce ne soit pas dit, nous avons le sentiment que la raison pour laquelle il commet ce crime est pour qu'il puisse passer au chef de la police politique, pour écouter les révolutionnaires les associant à la préférence sexuelle d'Augusta parce qu'elle se faufile pour faire l'amour. un jeune communiste après l'avoir repoussé sur la plage.

C'est un travail tout simplement merveilleux de corruption, de désir et de tendances sociopathiques qui s'entremêlent et sont encouragés par le pouvoir, et deviennent corruptibles. Une salle pleine d'hommes fléchissant le type de pouvoir qui permet à de telles perversions de confiance de se poursuivre. Les hommes sans nom, protégeant les leurs, les victimes et la vérité soient damnés. Semble familier?

Les mélomanes (1970)

Les mélomanes a suscité cette réponse de l'une des plus grandes critiques de cinéma de tous les temps, Pauline Kael: «Vous vous sentez (comme) vous devriez enfoncer un pieu dans le cœur de l'homme qui l'a fait. L'homme qui l'a fait est Ken Russell . Historiquement parlant, Les mélomanes suit les tentatives hétérosexuelles vouées à l'échec du célèbre compositeur Pyotr Tchaïkovski ( Richard Chamberlain ) en s'élevant dans le monde musical en tournant le dos à son homosexualité et en prenant part à un simulacre de mariage. Il s’agit du pouvoir de la musique, mais aussi du caractère destructeur de la rétention du sexe - à soi-même et aux autres.

Après s'être potentiellement présenté aux compositeurs vétérans du célèbre Mighty Five de Russie, Tchaïkovski a choisi sa femme parmi une série de lettres d'amour qu'elle lui avait écrites sans jamais le rencontrer. Dans son esprit, parce qu'elle ne connaissait que sa musique, c'est tout ce dont elle avait besoin pour l'aimer. Mais Antonia (un incroyable Glenda Jackson ) avait besoin de plus que sa musique. Elle avait également besoin de sexe pour se sentir aimée. Cette phrase peut sembler grossière et Russell la présente parfois ainsi, mais elle est aussi déchirante. Il y a de l'humiliation à la fois à refuser quelqu'un pour avoir des relations sexuelles et à être refusé.

Il y a une scène magnifique lors de leur lune de miel où Tchaïkovski a spécifiquement saoulé Antonia dans un train pour qu'il n'ait pas besoin d'avoir des relations sexuelles, mais elle essaie quand même. Elle s'évanouit nue sur le plancher de leur wagon et les bosses des rails font balancer violemment son corps d'avant en arrière; Tchaïkovski regarde avec horreur son corps vulnérable. C’est cette horreur de la sexualité qui a peut-être provoqué la réaction de pieu de Kael. Pour Russell, en tant que réalisateur, c'est tout sauf classique. Lui, comme Tchaïkovski ici, était nouveau sur la scène en 1970. Et il a radicalisé ce qui pouvait être fait avec une épopée historique. Ce n’est pas David Lean. C'est un film qui reproduit les visions que nous créons quand il entend de la musique. Et celui qui considère un asile de fous comme un terreau fertile pour, eh bien, la folie. C'est le film le plus insolite et le plus bruyant à avoir jamais reçu les coups de pinceau généralement réservés aux épopées d'aventures.

Une nouvelle feuille (1971)

Woody Allen et Mel Brooks recevoir la plupart des distinctions pour les comédies américaines des années 70, mais Elaine May mérite d'être mentionné comme leur égal (à juste titre, Allen l'a récemment choisie comme sa femme dans sa série Amazon, Crise en six scènes ). L'enfant brisé est son chef-d'œuvre (et sacrément proche d'un divertissement parfait) mais Une nouvelle feuille était son fantastique début.

Feuille concerne Henry Graham ( Walter Matthau ), un imbécile de fonds fiduciaire qui n'a ni passe-temps ni connaissances réelles. Nous le rencontrons quand il est informé qu’il n’a pas d’argent réel; il a tout dépensé. Dans un dernier effort pour continuer à aller au country club et vivre la haute société, il fait le pari avec son oncle qu'il pourrait être marié à une femme riche dans six semaines. S'il réussit, sa dette sera annulée et finalement il tuera la mariée peu de temps après la cérémonie pour recevoir son héritage. May elle-même joue la future mariée, une femme maladroite et livresque à qui personne ne parle au club de la haute société.

Une nouvelle feuille est un classique Preston Sturges - comédie burlesque inspirée avec une leçon diabolique à la fin de son exécution. La livraison impassible de Matthau est parfaite pour représenter un oaf sans talent mais intitulé et alors que les années 70 ont créé le cadre d'une disparité croissante des revenus, sa folie est plus coupante maintenant. Mais la sinistre tournure satirique que May a dans sa manche est l'idée que la raison pour laquelle les hommes envoient si facilement des femmes et des relations est parce qu'ils recherchent quelqu'un qui leur donnera un héritage. Pour beaucoup, c’est un héritier de diriger une entreprise avec leur nom dessus, mais pour Matthau, c’est une nouvelle espèce de plante qui porte son nom. Un tel geste lui fera-t-il tourner une nouvelle page et penser à quelqu'un d'autre que lui-même?

Le petit ami (1971)

Ken Russell donne Sandy Wilson Smash de Broadway Le petit ami certains films razzle-dazzle. La pièce elle-même parle des années folles et de deux jeunes qui tombent amoureux contre la volonté de leurs parents. Cette adaptation concerne une doublure ( Twiggy ) dans un théâtre londonien des années 1920 en difficulté, qui se lance dans les répétitions après la star (un Glenda Jackson camée) souffre d'une blessure pour la production de, vous l'avez deviné, ce qui deviendra «The Boy Friend». Beaucoup de chansons populaires de Wilson restent ici, avec une histoire parallèle sur un producteur de cinéma qui est dans le public qui cherche à lancer le prochain grand événement, et la doublure commence à tomber amoureuse du rôle principal masculin ( Christopher Gable ) car il contribue à renforcer sa confiance tout au long de la répétition.

Le petit ami est trop long mais possède certains des décors et costumes les plus étonnants de toutes les comédies musicales. Parce qu'il s'agit de Russell, ces créations créent également des rêves éveillés des interprètes, pas seulement de la production. C’est un film éblouissant pour le design. Et Twiggy, le modèle, est tout à fait naturel en tant que star contre nature qui a le facteur informatique recherché par le producteur de films. Russell a dit qu'il avait fait ce film comme un nettoyage de palette pour le tumultueux et l'ingérence en studio Les diables (voir ci-dessous). En tant que tel, il est facile de comprendre pourquoi c'est trop long, car Russell avait probablement juste besoin d'une joie brillante dans sa vie. Fans de La La Land trouvera ici quelques clins d'œil à la scénographie.

Les Diables (1971)

Ken Russell S Les diables est moins oublié et plus vraiment difficile à trouver. Il est constamment demandé à être ajouté à la collection Criterion, mais Warner Brothers semble déterminé à ne jamais lâcher JAMAIS ses droits. Le studio a bloqué la sortie d'un Blu-ray, n'a autorisé BFI à le montrer en Angleterre que s'il est répertorié comme une expérience éducative et que la version que moi-même et de nombreux cinéphiles avons vue, aux États-Unis, provient directement Martin Scorsese Sa propre collection, qu'il prête pour une projection occasionnelle (juste pour vous hype). Pour ajouter à l'intrigue, Guillermo del Toro a accusé WB de plus de 40 ans de censure en ne lui permettant jamais de diffuser des vidéos à domicile. Maintenant, c'est le studio qui a largement publié L'Exorciste - qui comprenait une scène d'une préadolescente possédée poignardant son vagin avec un crucifix puis forçant le visage de sa mère dans ses parties intimes en grognant, «lèche-moi» - à peine deux ans plus tard. Alors à une époque où les catalogues des studios sont largement disponibles, pourquoi ce film est-il sous clé?

Les diables se concentre sur un vain prêtre ( Oliver Reed ) et la nonne bossue ( Vanessa Redgrave ) qui le convoite si profondément qu'elle l'accuse de sorcellerie et d'autres religieuses du couvent se joignent à l'accusation car l'accusation leur permet de se comporter comme si elles étaient sous un charme sexuel et donc elles sont plus libres de pratiquer leurs désirs que l'église le permettra. C’est un chef-d’œuvre loufoque, comme le sont de nombreux films de Russell. Et quand les religieuses se laissent aller, cela fait ressortir le côté anarchique et chaotique de l'auteur. C’est l’une des plus grandes performances de Redgrave et une critique intéressante de la religion et de la suppression du désir. Maintenant, le film est tellement excité par sa propre suppression qu'il semblerait probablement apprivoisé par les normes d'aujourd'hui, ce qui rend le comportement de WB encore plus étrange (dans le mode de pensée de WB, les présentations blasphématoires imposées à un enfant en possession sont plus acceptables pour le public, mais les présentations blasphématoires qui sont truquées par un couvent ne le sont pas).

Notez qu'il y a deux scènes de masturbation qui ont été coupées de l'imprimé théâtral pour recevoir une brève sortie classée X au Royaume-Uni et aux États-Unis, oh j'en ai vu une, et ce n'est pas graphique mais à la fois troublant et sombrement humoristique, remettre en question si tous les chrétiens pratiquent leur religion pour purifier leur cœur ou parce que cela leur donne la capacité de contrôler les autres. C'est peut-être le désir évident de sources cinéphiles extérieures comme la collection Criterion de publier ces images en tant que bonus qui maintient ce film supprimé. Ou peut-être, comme Birth.Movies.Death Remarques , c'est juste un vieil dirigeant d'entrejambe qui a une vendetta personnelle contre le film et nous devons juste attendre que cette personne meure (comme beaucoup d'approches en arrière de la pensée ces jours-ci) et nous pourrons enfin tous décider par nous-mêmes si nous pouvons gérer ce film ou non. Si jamais vous voyez ce film répertorié dans vos listes locales pour une projection d'une nuit, allez-y.

10 Rillington Place (1971)

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À l'attention de: Murderinos, 10 Rillington Place est un conte de tueur en série oublié, fascinant et inconfortable, dans lequel l'homme le plus câlin de notre Jurassic Park / Miracle sur 34erue enfance, Richard Attenborough , gaze les femmes, a des relations sexuelles avec leurs corps inconscients, les étrangle, les enterre dans la cour et encadre quelqu'un d'autre pour ça! Ce qui fonde ce film, plutôt que de sensationnaliser les actes, c'est la façon dont il montre à plusieurs reprises comment la société patriarcale (et la société vénérée par les vétérans) permet au tueur d'opérer avec facilité. Il gagne la confiance grâce à sa voix éduquée et à sa déclaration de pratiques médicinales antérieures. Ses locataires ( John Hurt et Judy Geeson ) sont un jeune couple très pauvre avec un enfant. La femme veut se faire avorter parce qu'elle n'a pas l'argent pour un deuxième enfant parce qu'il est analphabète et le seul capable de rejoindre le marché du travail. John Christie (Attenborough) est leur voisin et il peut ordonner à sa femme ( Pat Heywood ) de partir chaque fois que cela est nécessaire pour son «travail» en tant que fournisseur unique lui-même. C'est son bilan de guerre qui maintient ses précédentes arrestations supprimées. Et c'est le système qui favorise les vétérinaires, les hommes instruits et une force de police paresseuse qui lui permet de continuer même après la découverte de corps.

Attenborough est nauséabond et fascinant, Hurt est magnifique et réalisateur Richard Fleisher ( Le voyage fantastique ) prend bien au réalisme de l'évier de cuisine britannique après que Hollywood l'ait écarté après quelques flops en studio. La tristesse dans la posture d'Attenborough quand il verse un thé empoisonné qu'il ne pourra pas utiliser pour le viol et le meurtre parce que les plombiers sont venus est une si belle attention à la quantité de contrôle que cet homme a l'habitude d'avoir dans sa maison.

Le public n'était pas aussi habitué aux films de tueurs en série en 1971 qu'ils le sont maintenant, donc commencer le film avec un acteur bien-aimé traînant une femme inconsciente au sol pour se frayer un chemin avec elle, était choquant en 1971, il serait donc logique que Fleisher se concentrerait sur deux actes de grizzly et l'erreur judiciaire et ne forcerait pas le public à endurer plus de meurtres de l'histoire vraie. Mais maintenant que nous avons une obsession de tueur en série dans le cinéma / la télévision, ces 10 dernières minutes de justice erronée pourraient être son propre film; comment ce monstre a continué et pourquoi le Royaume-Uni a aboli la peine de mort à cause de cela. Pourtant, même s'il y a une précipitation à travers un essai à la fin, celui-ci est savamment rythmé, nauséabond et magnifiquement exécuté.

Wake in Fright (1971)

Image via United Artists

Australie Réveillez-vous dans la peur est le plus artistique Gueule de bois - un film de style et mon cauchemar personnel: être entouré d'une horde d'hommes dégénérés qui boivent, jouent, se battent, licencient des femmes et tirent sur des animaux pour le sport, sans option disponible pour les laisser derrière. Gary Bond est un instituteur qui fait un mauvais pari de jeu et est ensuite bloqué dans une ville pleine d'hommes ivres et violents (dirigés par Donald Pleasance ) qui tentent de le forcer à être aussi ivre et violent qu'eux.

Cette histoire de malversations masculines est plus effrayante que Délivrance parce que ces hommes sont plus identifiables et que le désir de dominer sexuellement les autres hommes est évoqué plutôt que carrément montré. L'étendue du désert orange est magnifiquement cristallisée. Mais attention, la chasse au kangourou est vomi, ça a l'air réel car réalisateur Ted Kotcheff a utilisé des images réelles qu'il avait trouvées; il s'agissait de confronter son public, avec de plus en plus de chasses illégales au kangourou pour le sport viril, et faisait partie intégrante de la réglementation accrue, mais 40 ans plus tard sans cette conscience de l'heure, c'est incroyablement difficile à regarder, sachant donc qu'avant n'est pas seulement une nécessité avertissement mais aussi nécessaire de connaître les raisons pour lesquelles il a été inclus en premier lieu. Et les traits négatifs des hommes dans les groupes qui font les pires choix encore et encore sont intemporels. Bien qu'il tente de nombreuses manières, l'instituteur ne semble pas pouvoir les laisser derrière lui; c'est comme s'il était dans un globe de sable.

Kotcheff est surtout connu pour avoir dirigé le premier Rambo film, Premier sang , mais il engourdirait ces thèmes de fraternité pour les films de fête américains tels que North Dallas Quarante et Week-end chez Bernie's (!!). Même si les hommes Bernie Je traîne avec un mec mort, je préfère de loin donner un coup de pied avec ces mecs que ces monstres.

Petits meurtres (1971)

J'ai été présenté à Petits meurtres , une satire hilarante de la fièvre du mariage, par le biais d'un ami qui allait se marier. Elle voulait que la personne qui supervisait ses vœux regarde le clip de Donald Sutherland Le pasteur du pasteur, qui présente une introduction au mariage sur la façon dont «l’affaire du mariage» mérite «un abandon du rituel dans la recherche de la vérité». Les sujets dont parle Sutherland en Elliott Gould et Marcia Rodd dans l'attente de se marier, combien de mariages qu'il a présidés se sont soldés par un divorce et les nombreuses raisons pour lesquelles ces mariages ratés ont eu lieu; masturbation, drogues, désintérêt. C'est vraiment une analyse fascinante, hilarante et oui véridique des rituels et du mariage et de la façon dont la raison de se marier pour chacun est «bien», tout comme leurs décisions de partir, car autant nous aimons considérer le mariage comme une fusion de deux identités, c'est la version mensongère.

y aura-t-il une saison 3 de versailles

Regardez le monologue ici et si vous êtes d'accord pour dire que c'est un discours assez groovy, donnez Alan Arkin Les débuts de réalisateur de un spin. C’est plein d’esprit, immensément intelligent, même si cela prend un détour étrange pour le troisième acte, c’est l’un des films les plus drôles d’une décennie qui passait du swing des années 60 à des rituels intemporels. Quant aux meurtres? Comme beaucoup de films de cette liste, c'est une capsule temporelle des années 70 extrêmement dangereuses et crasseuses de New York. Et quant à la future épouse qui m'a fait découvrir le film? Elle est toujours mariée et met la touche finale à un Hal Ashby documentaire cela devrait commencer à être projeté en 2017. Et pour quiconque lit cette liste, c'est un must, car Ashby est peut-être l'auteur majeur le plus oublié des années 70.

Minnie et Moskowitz (1971)

Minnie et Moskowitz pourrait facilement être rebaptisé «Hommes qui crient à Gena Rowlands À propos de pourquoi ils devraient être un élément ». Mais avec John Cassavetes script, les cris sont amusants. Pièce A, Zelmo Swift ( Val Avery ), un homme riche au nom drôle qui est 'terrifié par les femmes' et un très mauvais causeur de rendez-vous, mais un pur film d'or pour le rendez-vous de l'enfer qui continue encore et encore sur son apparence et à quel point elle est 'formidable' sans jamais lui permettre de parler . Pièce B, le valet à la moustache sauvage, Seymour Moskowitz ( Seymour Cassel , Jason Schwartzman Papa de Rushmore ). Moskowitz sauve Minnie de la fin de cette date, puis essaie immédiatement de l'emmener à un rendez-vous avec un hot-dog. Contrairement à Zelmo, il lui pose des questions mais Minnie répond à peine.

Minnie et Moskowitz présente ses deux personnages principaux pendant qu'ils ont une conversation séparée sur le cinéma. En fin de compte, c'est un aperçu de leur vision du monde. Seymour voit les films comme une évasion et Minnie les voit comme un faux espoir ('Ils vous ont mis en place. Et peu importe à quel point vous êtes brillant, vous le croyez toujours.'). Cassavetes suit la formule de rencontre mignonne / chevalier en armure brillante d'une romance cinématographique, mais a à la place 'le prix' être une femme abandonnée et proche du coma par souci de tout sentiment émotionnel. Minnie représente à quel point le monde peut être laid et à quel point les films peuvent devenir tristes pour donner de l'espoir et Seymour représente à quel point le banal peut devenir vivant avec juste un état d'esprit de recherche de divertissement. L'un est réussi; l'autre est un cran au-dessus d'un clochard (mais il est aussi gentil avec les clochards et un peu méchant pour les gens qui réussissent). La poursuite de Seymour n'est pas vraiment romantique, mais la romance semble possible entre eux et c'est le voyage de ce film: présenter la possibilité d'une romance au lieu de la version du film où la romance est scellée par le générique de fin.

Images (1972)

Robert Altman Le conte claustrophobe de la femme qui devient folle a été rendu un mauvais service par les critiques de cinéma en 1972 et a essentiellement stoppé sa large diffusion. Susannah York a remporté le prix de la meilleure actrice au festival de Cannes cette année-là, mais les plus grands journaux de New York ont ​​refusé de le couvrir et les quelques critiques du Festival du film de New York ont ​​tué ses chances de distribution ultérieure. Il est étrange de penser à quel point les critiques ont accueilli froidement le film d’Altman, mais il venait de faire PURÉE et McCabe et Mme Miller , deux chefs-d'œuvre narratifs simples et implicants et Images ressemblait probablement à un désordre à l'époque. Mais regardez-le maintenant, après que beaucoup d'entre nous aient vu d'autres films de femmes dérangés, tels que Soirée d'ouverture, Mulholland Drive, Black Swan, Queen of Earth et bien d’autres encore, c’est une montre plutôt naturelle et parfaitement exécutée par York, Altman et le directeur de la photographie, Vilmos Zsigmond .

Essentiellement, Images est un récit visuel de Ingmar Bergman S Personne . Dans le film de Bergman, une infirmière avoue un événement sexuel à une patiente muette et sent ensuite que cette patiente a un pouvoir sur elle parce qu’elle connaît son secret le plus sombre. Mais alors que Personne utilisé un long monologue pour cette confession, Images utilise, vous l'avez deviné, des images.

Dans Images , c’est une femme mariée qui sait qu’elle a trompé son mari; le premier homme avec qui elle a triché est mort dans un accident d'avion, et maintenant il la hante dans leur maison d'été de chasse. Un homme qui vit à proximité sent ses dégâts et pense qu'elle envoie des signaux fantastiques de viol, alors il lui rend visite pendant que son mari chasse. Sa retraite d'été est une maison hantée des railleries et des désirs sexuels des hommes (à la fois des morts et des mortels). Elle pense qu'elle les a tous tués, mais quel homme assassine-t-elle réellement?

Il s’agit de l’un des exercices d’humeur et de prise de vue les plus étonnants d’Altman (c’est aussi l’une des partitions les plus étranges et les plus excitantes de John Williams , plein de nerfs tordus). Des têtes de cerfs inquiétantes, une narration chuchotée, des planches de piano, un mouvement de caméra qui montre un meurtre dans son esprit et peut ensuite révéler la vérité dans le même cadre, oui, Images à peine reçu une sortie, mais vous pouvez voir son influence sur les futurs cinéastes comme la tache de sang d'un cadavre traîné hors de la cuisine.

Sondeur (1972)

Martin Ritt L'adaptation du roman symbolique pour jeunes adultes de William H. Armstrong pourrait vraiment utiliser un remasterisation. Dans sa forme actuelle, il a l'aspect et le son d'une ancienne adaptation télévisée, mais ne vous laissez pas écarter le film. Sondeur est un film puissant sur la fine ligne qu'une famille noire doit parcourir pour réussir dans la société. Après une autre chasse infructueuse, un père ( Paul Winfield ) vole du jambon pour ses enfants et est emprisonné et envoyé à un gang de la chaîne et sa femme ( Cicely Tyson ) et fils aîné ( Kevin Hooks ) entendent à plusieurs reprises le commerçant, le shérif et les femmes de la région qui leur envoient leur linge, comment ils se sont «mis en déroute» pour eux en tant que famille. C'est déchirant de voir comment les Morgans sont traités comme s'ils étaient censés ressentir de la honte dans leur travail parce que c'est un privilège perçu pour eux de travailler du tout et donc le désir de gratitude de la ville se transforme maintenant en un désir d'échange en disgrâce. .

Tyson montre une force durable pour être jugée uniquement par son travail, elle ne sermonne pas dans le rôle de matriarche, et Sondeur est discrètement féministe alors qu'elle tente d'inculquer son propre honneur, en dehors de la cellule familiale. Hooks finit par s'enfuir avec son chien de confiance pour localiser le gang de chaînes auquel appartient son père. Il tombe dans une école avec un professeur qui ne le juge pas par le crime de son père et lui propose de l’aider à apprendre à lire. Ce qui rend Sondeur une adaptation réussie d'un livre bien-aimé est l'utilisation du son par Ritt, sa confiance dans les interprètes pour exécuter le non-dit et pour laisser la thèse du livre jamais énoncée carrément, mais au lieu de cela, il se révèle au public avec subtilité. Sondeur est une adaptation très adulte d’un livre populaire pour enfants, traité avec grâce et dignité.

Trafic intense (1973)

Ralph Bakshi De ( Le Seigneur des Anneaux ) Les films d’animation non-sorciers sont difficiles à regarder et à recommander, mais ils sont également essentiels pour quiconque souhaite visionner le New York des années 70 à la poubelle. Fritz le chat a perverti le mouvement de contre-culture et Coonskin est un regard laid sur le racisme urbain, par exemple. Circulation dense est son film le plus personnel, sur un jeune dessinateur errant dans les rues de New York pour sortir de son foyer abusif, et en tant que tel, il n'a pas l'impression d'essayer de provoquer ou d'intimider, mais plutôt d'avouer qu'il a vu beaucoup de merde difficile à son époque mais en quelque sorte encore vécu pendant plusieurs jours. Mais au bout du tunnel, qui regorge de prostituées, de strip-teaseuses, de cagoules et de clochards, il adore sa ville natale. C’est la ville qui ne dort jamais car il y a tellement de stimuli miteux. Considérez-vous averti, ses films n'ont pas de place pour la sensibilité, mais plutôt un test d'endurance. Juste comment il voit sa ville et sa vie à la maison.

Circulation dense est un rêve de fièvre, un Dante des années 70 Enfer , et le regarder, c'est ajouter un contexte supplémentaire à l'observance de Travis Bickel dans Conducteur de taxi que quelqu'un pourrait devenir tellement surexcité par des plaisirs bon marché qu'il demanderait 'qu'une vraie pluie tombe et lave toute cette saleté de la rue'. En fait, quand Martin Scorsese tirait Conducteur de taxi ils ont dû interrompre la production pendant une brève période lorsqu'une manifestation contre Bakshi Coonskin a provoqué l'explosion d'une bombe fumigène dans les rues à l'extérieur du théâtre. Scorsese a envoyé les images à Bakshi qui a déclaré qu'il «ne savait pas s'il fallait rire ou pleurer». Quelque part dans Circulation dense se trouve le cœur battant d'un artiste qui croit que rire tandis que pleurer est le seul moyen de vraiment laver les choses.

Torse (1973)

Image via Interfilm

Torse est un slasher italien qui définit la plupart des règles qui seraient établies plus tard pour les slashers américains. Le regard méfiant des hommes fait de tout le monde un suspect lorsque les corps étudiants commencent à s’empiler et que ce sont les êtres sexuels libres qui sont tués un par un. Il y a tellement de nudité dans la partie de début que Sergio Martino Le film de s ’approche de la misogynie, mais le maître giallo met en place une récompense fantastique. Mais à la fin, après avoir entendu toutes les conversations loufoques de la ville que les hommes de la classe ouvrière ont à propos des étudiantes qui ont loué une villa pour se cacher du tueur qui pirate les femmes lors de fêtes hors campus, l'obsession du tueur pour les pièces de poupée. commence à avoir un sens dans la façon dont les corps féminins sont utilisés.

Son motif est idiot, mais la virilité d'un homme adulte a été retardée dans un moment de jeunesse où il a demandé à jouer à un jeu de Je vais vous montrer le mien si vous me montrez le vôtre, qui est contrecarré par quelque chose de tragique qui se produit avec une poupée. Et sur le campus universitaire, au bordel d'amour gratuit, et à la villa pittoresque, quand il y a beaucoup de nudité, ce sont les femmes qui sont en charge de leur corps: s'associent volontiers avec un amant sur la banquette arrière d'une voiture, dansant en déshabillé dans un hippie dirge, allongé nu sur un canapé permettant aux hommes de se caresser les seins pendant qu'ils fument une cigarette mais leur disant de s'arrêter lorsqu'ils essaient d'aller plus loin et, plus effrontément, lorsqu'ils sont seuls, de se faire bronzer nus sur le dessus de la villa. Et puis tout à coup, lorsque le tueur arrive à la villa, Martino retourne le film sur sa tête et nous donne le scénario ultime de fille avant que la dernière fille ne devienne même un trope.

Dans chaque cas de nudité, les femmes contrôlent leur corps. C'est lorgnant, et oui, la scène lesbienne ressemble plus à un producteur qui dit en donner un au public, mais à la fin, je pense que la nudité excessive est martelée comme ayant un point. Les poupées sont quelque chose avec lequel les jeunes garçons ne peuvent pas jouer à moins que le propriétaire de la fille ne donne la permission. Et ce n'est souvent pas le cas. La nudité allongée a plus à voir avec l'immobilité de leur corps adulte à l'état naturel, réduit à des parties de poupée si un homme les voit dans une telle pose. (Le dernier dialogue des hommes de la ville est que ces belles femmes ne leur parleraient même pas parce qu'elles ne sont pas éduquées; encore une fois, une façon pour les femmes d'avoir plus de liberté d'action à une époque où le sexe prénuptial est la nouvelle norme. mais les rôles des femmes dans les activités romantiques et éducatives changent parallèlement, leur donnant plus de pouvoir).

Mais ce sont les 30 dernières minutes qui font Torse un grand giallo de tous les temps. Les meurtres commencent à se produire hors écran alors que le tueur traque la villa, donc au lieu de scènes meurtrières créant des tensions, c'est une séquence prolongée où chaque grincement de plancher, chaque prise de l'avocat en bois, reçoit un poids immense. C'est l'une des sections les plus intenses d'un film d'horreur que j'ai jamais vues. Et bien que le scénario de Final Girl diffère des règles futures, Martino a d'immenses tours de caméra dans sa manche pour désorienter le spectateur.

La rose de fer (1973)

Image via Les Films ABC

Jean Rollin S La rose de fer est L'ange exterminateur des films de luxure morbide; deux jeunes chaudasses entrent dans un cimetière et n'arrivent pas à s'en sortir. Est-ce une métaphore du mariage? Peut-être.

Deux étrangers français ( Françoise Pascal et Hugues Quester ) se rencontrent après avoir récité un poème macabre lors d'un mariage. Le garçon demande à la fille, la fille dit oui, alors il frappe un arbre par excitation. Ils se rencontrent à la gare de triage le lendemain matin et se poursuivent de locomotive en locomotive. C'est mignon. Il suggère du vin mais la fille ne sait pas qu'il veut que ce pique-nique soit dans un cimetière parce que c'est calme. Contre ses réserves de localisation, ils finissent par s'accrocher dans une crypte, bien sûr, mais après que leur session d'amour ait duré la longueur d'une bougie entière, ils émergent dans l'obscurité, commencent à se chamailler et à se maltraiter jusqu'à ce qu'il frappe une croix de fer, elle se couche sur une tombe et devient peut-être possédée. Pourtant, même si elle dit des choses folles sur le jour de la mort et qu'elle rampe à quatre pattes, le garçon s'embrassera toujours avec une fille sur des crânes et des fémurs si elle le veut.

Le piège est la sexualité et la façon dont les hommes forcent les femmes à ne pas s'amuser sans soucis dans des situations dans lesquelles elles préfèrent ne pas se trouver. Cela pourrait être un film métaphore ou simplement un endroit bon marché. Je pense que c'est les deux. L’humeur macabre de Rollins et les pulls ketchup et moutarde lui confèrent une touche Scooby Doo vibe (décolleté soulevant de côté). Grâce à une belle partition et vous souhaiterez que l'horreur rencontre plus souvent de jolis voyages de la mort.

Belladone de la tristesse (1973)

Image via Nippon Herald Eiga

Dans cette fantaisie pop psychédélique animée de surcharge sensorielle diabolique, un seigneur féodal maléfique attaque une fille du village lors de sa nuit de noces et continue de la ruiner, ainsi que la vie de son mari. Après avoir finalement été bannie de son village, la fille conclut un pacte avec le diable pour acquérir des capacités magiques et se venger de tout le monde. Belladone de la tristesse est à la fois beauté et grotesque et a été extrêmement influent pour les cinéastes japonais alternatifs pour adultes, comme Satashi Kon et Mamoru Oshii, à venir. Qu'est-ce qui fait Belladone unique, c'est qu'il faut quelque chose qui aurait pu être un spectacle d'horreur médiéval et frotte l'obscurité pour permettre à la pièce de se prélasser dans l'extase, ce qui rend les moments d'oppression plus coupants et le sursis d'autant plus un soulagement. C’est vraiment quelque chose que le diable suscite plus de sympathie que les hommes mortels, mais c’est parce qu’au moins il comprend ses désirs et son désir de vengeance. La compréhension est quelque chose que les hommes ne peuvent pas se permettre Belladone de la tristesse.

Il est difficile de décrire cette orgie d’excès sans paraître grossier, alors à la place, je vais simplement utiliser les titres des chansons de Acid Mother's Temple pour conclure ce texte de présentation, car l’aquarelle psychédélique et le rock psychédélique sont les longs cheveux flottants de ce récit; les pastels se dressant devant les ténèbres comme:

«Bonjour mon enfant»

«Sweet Juicy Lucy»

«Troisième œil du monde entier»

«Amour interplanétaire»

«Limonade Pink Lady»

«Au revoir, gros trou du cul»

Oui, cela résume mieux que «loin» ne le pourrait.

Du sang pour Dracula (1974)

Le comte Dracula a toujours été un peu séducteur, mais Paul Morrissey (et producteur Andy Warhol ) nous a donné un Dracula impuissant hilarant ( Udo Kier ) dans Du sang pour Dracula . Le corps de ce Dracula devient incroyablement faible car, après des siècles à se nourrir de cous vierges, il est de plus en plus difficile de trouver des femmes vierges à boire. Son assistant suggère d'aller en Italie où les familles ont encore des valeurs catholiques fidèles et ainsi les femmes seront pures. Le dieu du sexe de Warhol Joe Dallesandro (toujours le bonbon, jamais l'acteur; il brandit un épais accent de Brooklyn en Transylvanie) a pris sur lui de prendre la virginité de chaque femme de la campagne italienne pour affamer Dracula. Du sang pour Dracula donne un sens différent à un pieu en bois qui perce le cœur de Dracula. Ici, le bois du matin tue littéralement le comte.

S'il est facile de rire d'un séducteur impuissant, il y a une certaine tristesse dans la performance de Kier; avec des libertés sexuelles accrues, nous perdons la société classique et le Dracula de Kier est une représentation physique de cette mort lente. C'est un homme qui pourrait vivre éternellement tant qu'il vivrait dans une ère de pureté. Pendant des siècles, Dracula était un sorcier de la sexualité et les hommes devaient le traquer et l'empaler physiquement pour protéger leurs femmes pures. Désormais, tout homme avec des abdos en pack de six peut se frayer un chemin à travers la ville et affaiblir ses pouvoirs.

Céline et Julie vont faire du bateau (1974)

Jacques Rivette Trois heures (plus!) De mastodonte d'art-house, Céline et Julie font du bateau C'est deux choses pour moi, c'est le film le plus réaliste que j'ai jamais vécu (y compris la montée en désintégration jusqu'à la grande finale) et aussi la meilleure représentation du rêve lucide (où le rêveur peut affecter le rêve pour avoir un résultat qu'il veulent, car ils sont conscients qu'ils rêvent).

Céline ( Juliette Berto ) et Julie ( Dominique Labourier ) sont deux femmes qui s'enchaînent dans l'action et leurs identités se confondent. Si l'un lit un livre sur la magie, l'autre est un magicien. Si l'un souligne des passages de livre à l'encre rouge, l'autre peint en rouge. Après une série de nombreux objets et actions liés, les jeunes femmes se retrouvent dans un mystère fantôme-lesbienne-meurtre qui se joue en boucle. Une maison avec un père en deuil est coincée dans les limbes où ses belles-filles reconstituent quotidiennement un meurtre. Céline et Julie vivent cela au premier plan et, comme nous le faisons dans les rêves quand nous sommes conscients que nous ne participons pas à ce que nous voyons, commencent à tester comment elles seront remarquées ou ce qu'elles peuvent faire dans le monde. présence de cette scène.

Ce qui se passe est curieux, drôle et délicieux. Mais qu'est-ce qui aide Céline et Julie pour maintenir l’atmosphère onirique, le spectateur oublie une grande partie de la configuration codée une fois dans la maison. Tout comme un rêve, il ne vous reste plus que les fragments sur lesquels vous vous accrochez et que vous essayez d'expliquer.

Partition (1974)

Oui, c'est classé X, l'intrigue est assez nue et il y a une scène de gode ceinture fille sur fille et une scène de pipe homme sur homme, mais je vous mets au défi de trouver un film plus à l'aise avec les joies de la vie que Radley Metzger S But . Le film parle d’un couple marié qui se balance ( Claire Wilbur et Casey Donovan ) à l'affût pour séduire un couple marié prude pour un échange nocturne de partenaires du même sexe. Même si vous êtes vous-même prude, il y a beaucoup à apprécier dans les capacités cinématographiques de Metzger. La partition est dynamique et vivante. Les performances sont solides. Et sa composition mise en scène est révélatrice. Metzger était un réalisateur fantastique qui n'était pas coincé dans le soft-core, mais il savait plutôt que le soft-core pouvait être une forme d'art. La plupart des portraits accrochés dans les musées depuis des décennies étaient nus. Pourquoi le cinéma ne le présenterait-il pas aussi avec art? Le sexe et la honte peuvent être intégrés à la religion, mais ils ne doivent pas être intégrés à notre art.

But n'est pas destiné à une avance rapide de dix minutes vers «les bonnes parties», car la séduction et les conversations sont en fait les meilleures parties. C’est un beau film de 90 minutes qui présente des conversations intelligentes et pleines d’esprit sur le sexe. Certaines de ces conversations ont lieu pendant que deux femmes parlent entre un aquarium à lampe à lave, car les conversations au cinéma doivent toujours être agréables à regarder. Qu'est-ce qui est vraiment amusant But , cependant, c'est à quel point il est inclusif. Chaque personnage travaille à obtenir l'autre et tout le monde a des sourires et le score est génial. Ne laissez pas la phrase d’introduction vous effrayer; ce film n'est pas très explicite. Si vous pouvez entendre des gens parler beaucoup de sexe et de mariage dans un charmant appartement de style des années 70 dans la villa italienne, puis avoir quelques minutes de sexe, vous allez vraiment vous régaler. Vous sourirez en pensant à ce film. Vous espérez rencontrer quelqu'un d'aussi excité d'être en vie que le nouveau couple réprimé ( Lynn Lowry et Gerald Grant ) sont au moment où ils quittent la villa pour convertir quelqu'un d'autre à leurs nouvelles façons de penser libres. Le sexe peut être amusant. La poursuite peut être amusante. Et But est tellement amusant qu'il n'y a rien du tout dont vous pourriez vous sentir coupable en le regardant.

Temps difficiles (1975)

Les temps difficiles donne un réoutillage néo-occidental de la Grande Dépression standard et du conte de boxe. Il n’y a pas de fille pour arriver à la fin, il n’ya pas de gros prix pour tout remettre en ordre; il y a juste une égratignure supplémentaire et du respect gagné. C'est le directeur de la secte Walter Hill De ( Les guerriers ) premier film et c’est très assuré. Il le présente comme un grand conte classique de l'étranger hors du wagon couvert ( Charles Bronson ) qui peut battre tout homme dans un combat loyal, mais il révèle lentement qu'il n'y a pas grand chose à gagner.

À ce moment-là, Bronson avait déjà été réorganisé en tant que star de la vengeance grindhouse, et on s'attend à ce que ce film soit similaire, mais Hill est plus intéressé par l'aspect commercial des combats illégaux; comment la confiance est renouvelée en gagnant littéralement en argent comptant et non par des représailles violentes. À Bronson, Hill donne 'Speed' (un grand, venteux James Coburn ), un promoteur qui utilisait habituellement sa bouche menteuse pour sortir de ses débuts, une nouvelle méthode pour s’honorer: rester fidèle à sa parole grâce à un travail ingrat.