100 films essentiels que tout fan de cinéma sérieux devrait voir

Quel Film Voir?
 
Si vous avez besoin d'une base de connaissances cinématographiques, c'est un bon point de départ.

Si vous êtes un cinéphile en herbe, il peut être difficile de savoir par où commencer ou même de trouver une base de référence. Le cinéma devient de plus en plus intimidant chaque année à mesure que de nouveaux films sortent et que les vieux films sont réévalués. Dans cet esprit, le personnel de Collider.com a collaboré sur 100 films que nous pensons que chaque fan de cinéma doit voir.

Pour être clair, cette liste n'est pas une fin, mais un début. Il est censé servir de point de départ. Ce n'est pas parce qu'un film ne figure pas dans cette liste de 100 que cela signifie qu'il est `` inessentiel ''. Nous voulions plutôt fournir une bonne base qui susciterait la curiosité d'une personne quant à la prochaine étape. De plus, alors que de nombreux films essentiels ont été réalisés par des réalisateurs blancs et masculins, car ce sont historiquement les personnes qui ont eu le pouvoir, nous ne voulions pas négliger le cinéma international, les cinéastes féminines ou les cinéastes de couleur, et nous avons cherché à inclure leur travail. ici.

Un autre groupe de cinéphiles pourrait proposer leur propre «Essential 100» et en faire un argument de poids. Cependant, nous n'avons pas créé cette liste pour susciter une dispute, mais pour éveiller la curiosité. Si vous considérez cette liste comme un guide plutôt que comme un point final, elle devrait vous mettre sur la voie du renforcement de vos connaissances et de votre appréciation du cinéma.

De plus, il convient de noter que cette liste est organisée alphabétiquement . Nous n'avons pas classé ces films les uns par rapport aux autres, car une partie du but de cette liste est de vous permettre de commencer avec n'importe quel film qui suscite votre intérêt et de voir où cela vous mène.

Vous trouverez ci-dessous un aperçu de notre liste et vous pouvez faire défiler vers le bas pour lire nos justifications pour expliquer pourquoi chaque film est essentiel. Et si vous souhaitez tester vos progrès, voici une liste de contrôle des 100 films. Assurez-vous de nous faire savoir combien vous en avez vu jusqu'à présent!

Et aussi vérifier Bill Hader La liste des films qui l 'ont inspiré, ainsi que notre interview exclusive avec l' acteur / scénariste / réalisateur sur la façon dont il est devenu cinéphile.

8 1/2

Les 400 coups

2001: Une odyssée de l'espace

Avion!

Extraterrestre

Tout sur ma mère

Et tout ça

Amadeus

Image via Universal Pictures

L'appartement

Apocalypse maintenant

Les Vengeurs

Retour vers le futur

Cuirassé Potemkine

Un lendemain meilleur

Naissance d'une nation

Selles flamboyantes

Exploser

Velours bleu

La mariée de Frankenstein

montagne de Brokeback

Le cabinet du docteur Caligari

Maison Blanche

quartier chinois

Citoyen Kane

Cleo De 5 à 7

Désemparés

Créature du lagon noir

Le Chevalier Noir

Le jour où la terre s'arrêta

Jours célestes

Le dur

Faire la bonne chose

Double indemnité

Dr Strangelove

Drunken Master

Soupe de canard

Image via Universal Pictures

E.T. l'extraterrestre

L'empire contre-attaque

Entrez le dragon

Soleil éternel de l'esprit impeccable

La mort diabolique

Fantaisie

Fargo

Fast Times à Ridgemont High

Le général

Sortez

Le parrain

Emporté par le vent

Goodfellas

Le grand dictateur

Sa fille vendredi

Humeur d'amour

Mâchoires

parc jurassique

Le tueur

King Kong

Laurence d'Arabie

Une ligue à part

Le Seigneur des Anneaux: Communauté de l'Anneau

La matrice

Image via USA Films

Société Menace II

Métropole

Monty Python et le Saint Graal

clair de lune

Réseau

Nuit des morts-vivants

Nosferatu

La princesse à marier

Pulp Fiction

Les aventuriers de l'arche perdue

Rashomon

Fenêtre arrière

vacances romaines

Pousser un cri

Les chercheurs

Sept samouraïs

Le brillant

Le silence des agneaux

Chanter sous la pluie

Blanche-Neige et les sept nains

Le réseau social

Certains l'aiment chaud

Enlevée comme par enchantement

Guerres des étoiles

Sunset Blvd.

Superman

Image via Lucasfilm

essoufflement

Mandarine

Conducteur de taxi

Ceci est un robinet lombaire

La chose

Haut-de-forme

Histoire de jouet

non pardonné

vertige

Vidéodrome

Quand Harry rencontre Sally

Pour obtenir des recommandations supplémentaires du personnel de Collider, consultez nos listes pour le meilleurs films comiques du 21e siècle , meilleurs documentaires du 21e siècle, et meilleurs films de guerre du 21e siècle à ce jour .

8 1/2 (1963)

Image via Embassy Pictures

Réalisateur: Federico Fellini

Écrivain: Federico Fellini, Tullio Pinelli, Ennio Flaiano et Brunello Rondi

Jeter: Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Anouk Aimée et Sandra Milo

Pourquoi c'est essentiel: Géant du cinéma italien, il est difficile de savoir par où commencer, surtout avec Federico Fellini , qui a également dirigé Amarcord , La vie douce , et La route . Alors peut-être que le meilleur endroit est celui où Fellini ne savait même pas par où commencer. 8 ½ (le titre faisant référence au film 8 ½ de Fellini depuis qu'il avait précédemment réalisé six longs métrages, deux courts métrages et une collaboration) est l'un des grands films du «bloc de l'écrivain» où Fellini remplace Guido Anselmi ( Marcello Mastroianni ) se bat pour essayer de monter son prochain long métrage tout en étant aux prises avec la pression créative ainsi que les nombreuses femmes de sa vie.

En plus d'être un film essentiel du cinéma italien, les qualités oniriques et autobiographiques de 8 ½ ont été très influentes car nous nageons essentiellement dans le subconscient de Guido (et donc de Fellini) et cela en fait une expérience étrange et unique qui aide à donner un aperçu. dans la filmographie et le processus de Fellini. - Matt Goldberg

Les 400 coups (1959)

Image via Kino Lorber

Réalisateur: François Truffaut

Écrivains: François Truffaut, Marcel Moussy

Jeter: Jean-Pierre Léaud, Albert Rémy, Claire Maurier

Pourquoi c'est essentiel: Le premier critique de réalisateur est devenu auteur François Truffaut Il se trouve également que c'est l'un des films les plus douloureux jamais réalisés et un point de départ distinct pour le mouvement de la Nouvelle Vague française des années 1950. Les 400 coups -un extrêmement traduction littérale de l'idiome français “ faire les quatre cents coups », Qui est plus proche du sens« élever l'enfer »- suit Antoine Doinel, le remplaçant à l'écran de Truffaut ( Jean-Pierre Léaud ), un adolescent troublé qui se fraye un chemin à travers de petits crimes et des parents qui ne comprennent tout simplement pas dans le Paris des années 1950. Il n'y a pas une bouffée de nostalgie dans la vision romancée de Truffaut sur sa propre enfance; Les 400 coups se sent simplement comme déposé dans les souvenirs en noir et blanc de quelqu'un d’autre. Dans cette entreprise, Truffaut a été grandement aidé par le directeur de la photographie Henri Decae , dont l’arrière-plan dans les documentaires se prêtait au regard inébranlable du film vers la solitude palpable d’Antoine. Comme la plupart des films de la Nouvelle Vague, Les 400 coups flotter librement le long de son propre chemin plus qu'il ne raconte un récit central, mais il n'y a pas un seul plan perdu sur l'ensemble de son exécution. L'ambiance entière du film peut être condensée dans les scènes où Leaud - vraiment l'un des plus grands visages tristes et fantômes du cinéma qui a préparé le terrain pour le Timothée Chalamets du monde moderne - se trouve dans une cellule pour répondre aux questions d'un psychologue. Bien qu’il ait embauché une comédienne pour donner la voix du psychologue, Truffaut a choisi de tourner Léaud seul et de laisser au jeune comédien une marge de manœuvre pour répondre aux questions comme il le voulait. La caméra du cinéaste se soucie profondément de son sujet, et Les 400 coups construit une petite révélation par révélation sur l'un des derniers plans rapprochés les plus saisissants de tous les temps. - Vinnie Mancuso

2001: L'Odyssée de l'espace (1968)

Image via Warner Bros.

Réalisateur: Stanley Kubrick

Écrivains: Stanley Kubrick et Arthur C. Clarke

Jeter: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester, Daniel Richter, Leonard Rossiter, Margaret Tyzack, Robert Beatty, Sean Sullivan, Douglas Rain

Deux mots: Stanley Kubrick. Vous pouvez choisir à peu près n’importe quel titre dans le catalogue du cinéaste acclamé et vous aurez vous-même une véritable clinique sur la réalisation de films sur votre écran. 2001: Une odyssée de l'espace en est un excellent exemple, mettant en vedette à la fois les méthodes éprouvées de l'art cinématographique et brisant ces conventions de toutes les manières imaginables. Et pour les fans de science-fiction hard qui aiment un conte raconté avec des faits scientifiques fondés, 2001 est l'un des meilleurs, en grande partie grâce au co-scénariste Arthur C. Clarke qui a participé au voyage.

Dire que 2001: Une odyssée de l'espace est un film ambitieux est de loin le sous-vendre. L'histoire va aux racines de notre existence en tant qu'animaux primitifs et êtres sensibles ridiculement avancés, tandis que la conception du décor s'est efforcée de recréer de manière réaliste l'expérience de voyager dans l'espace à bord d'un navire technologiquement avancé. Alors que le conflit principal du film semble être centré sur la déconnexion entre le supercalculateur défectueux HAL 9000 et les astronautes humains voyageant pour enquêter sur un monolithe mystérieux, le film est, plus largement, une exploration de la connexion de l'humanité à l'univers. De «Dawn of Man» à «Star Child» et à l’étendue inconnue du temps et de l’espace qui vient après, 2001 n’est rien de moins qu’une tentative de raconter l’histoire de l’humanité en quelques heures, renforcée par des effets spéciaux étonnants et de pointe.

Tout comme les histoires de Clarke ont influencé des générations d'écrivains, d'artistes, de créatifs et de scientifiques, l'épopée de science-fiction de Kubrick a également influencé un nombre incalculable de cinéastes qui sont venus par la suite. Il est impossible de regarder 2001 et ne pas voir l'inspiration pour de nouveaux films classiques comme Guerres des étoiles et Extraterrestre , aux vedettes de science-fiction contemporaines comme La gravité , Arrivée , et Ex Machina . L'impact créatif de 2001 au cours des 50 dernières années ne peut être surestimée, mais son influence sur les futurs films est une certitude. - Dave Trumbore

Avion! (1980)

Écrivains / réalisateurs: Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker

Jeter: Robert Hays, Julie Hagerty, Leslie Nielsen, Robert Stack

Pourquoi c'est essentiel: Sûrement, la boule de vis pour finir toutes les boules de vis, Avion! , est une comédie influente et vous seriez tout à fait dans votre droit d’être salé à ce sujet. UNE parcelle de mauvais films ont résulté de la Avion! formule, principalement des films parodiques qui ne croient qu'à la quantité plutôt qu'à la qualité dans leurs plaisanteries, mais qui ne servent qu'à souligner à quel point un miracle Avion! est en fait. Bien sûr, il y a un complot - c'est une parodie de catastrophe qui se déroule sur un avion infecté par un virus qui emprunte principalement au drame de 1957 au visage droit. Heure H! - mais la quantité de one-liners, de zingers, de voyants et de beuglements Jim Abrahams , David Sugar , et Jerry Sugar réussir à s'entasser dans ces 90 minutes suffit à faire tourner la tête. Mais les blagues sont comme des avions: personne ne rira si cette chose n’atterrit pas. Et, dans les lumières ultra-lumineuses de 2019, beaucoup de Avion! Pas les blagues! Mais c’est là que le coup de génie du film entre en jeu; Abrahams et les frères Zucker ont peuplé leur comédie rire une seconde avec certains des acteurs dramatiques les plus distingués que vous puissiez imaginer. Dramaturge de l'âge d'or de la télévision Leslie Nielsen . Gagnant d'un Emmy Robert Stack . Chasse en mer l'homme principal Lloyd Bridges. La liste est longue - dirigée, bien sûr, par le grand Julie Hagerty et Robert Hays - et le résultat est une couche d'or impassible que très, très peu de comédies ont réussi à atteindre depuis. Devoir patauger dans votre Films de catastrophe et ton Rencontrez les Spartiates vaut la peine d'avoir Avion !, une comédie classique de tous les temps et un candidat au premier scrutin dans le Temple de la renommée du film le plus citation. - Vinnie Mancuso

Extraterrestre (1979)

Image via la 20th Century Fox

Réalisateur: Ridley Scott

Écrivain: Et O'Bannon

Jeter: Sigourney Weaver, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, Yaphet Kotto, Ian Holm et John Hurt

Pourquoi c'est essentiel: Ridley Scott fonctionnalité de deuxième année, Extraterrestre est l'un des meilleurs films d'horreur de tous les temps, l'un des meilleurs films de science-fiction de tous les temps et l'un des meilleurs films de tous les temps, sans qualificatif. Conçu avec précision pour créer un monde de classe ouvrière immersif dans l'espace, Extraterrestre présente une vision du futur intemporelle; un voyage à travers l'univers du point de vue des grognards professionnels qui veulent juste faire le travail et rentrer chez eux. Et puis ils rencontrent le Xenomorph; une créature extraterrestre qui se trouve au sommet de l'évolution prédatrice.

Par où commencer même avec celui-ci. Sigourney Weaver est emblématique comme Ellen Ripley, un phare de compétence et de sensibilité dans une crise dévolue. Et sa performance n’a pas seulement changé la donne pour la représentation des femmes au cinéma, elle était aussi tout simplement fantastique. Et elle est jumelée à des artistes comme Ian Holm , John Hurt , et Harry Dean Stanton , qui dotent l'équipage malheureux d'une présence vivante qui rend chaque victime plus durement touchée. Ensuite, il y a H.R. Giger » s design encore inégalé pour la créature, Et O'Bannon ' s script raffiné et leur vision combinée avec celle de Scott, qui crée un cauchemar intergalactique provocateur qui puise dans des sujets encore tabous et livre une histoire puissante de divisions de classe et de genre, de cruauté dans les entreprises et, finalement, de survie. - Haleigh Foutch

Tout sur ma mère (1999)

Image via Sony Pictures Classics

Scénariste / Réalisateur: Pedro Almodovar

Jeter: Cecilia Roth, Marisa Paredes, Penelope Cruz, Antonia San Juan

Pourquoi c'est essentiel: Vous pourriez sans doute étiqueter Pedro Almodovar comme le meilleur cinéaste à sortir d'Espagne, mais la thèse derrière son film le plus décoré, Tout sur ma mère , pourrait contester l'idée d'étiquettes en premier lieu. Vainqueur [souffle profond] de l'Oscar du meilleur film en langue étrangère 1999, du Golden Globe du meilleur film en langue étrangère, du prix BAFTA du meilleur film non en anglais, de la meilleure réalisation et de six prix Goya, Tout sur ma mère est, à tous égards, un film sur l'identité. De l'histoire aux performances en passant par les personnages et les jeux de couleurs, Almodóvar se fraye un chemin à travers ce qui fait de quelqu'un ce qu'il est et les millions de belles contradictions qui accompagnent une personnalité. Notre entrée se fait par Manuela ( Cecilia Roth ), une infirmière argentine dont le fils Esteban ( Eloy Azarin ) est heurté et tué par une voiture alors qu'il poursuit une actrice célèbre ( Image de balise Marisa Paredes ) pour un autographe. À la suite de cette tragédie, Manuela décide de retrouver le père d’Esteban, une femme transgenre nommée Lola ( Toni Canto ) —Une odyssée qui mène Manuela sur les orbites d'une vieille amie travaillant comme travailleuse du sexe (Antonia San Juan) et d'une religieuse enceinte atteinte du VIH ( Penelope Cruz ). Almodóvar se soucie tellement de toutes ces personnes imparfaites et multicouches, et cette chaleur se propage à tout le film, au point que vous ne savez pas comment réagir. C’est évidemment une tragédie profondément mélancolique, mais c’est tout aussi souvent drôle, avec des références à Un tramway nommé désir et Tout à propos d'Eve , et se vantant d'une scénographie remplie des rouges et des jaunes magnifiquement vifs d'une fête. Et tout cela se termine par un dévouement parfait: «À toutes les actrices qui ont joué des comédiennes, à toutes les femmes qui jouent, aux hommes qui agissent et deviennent des femmes, à toutes les personnes qui veulent devenir mères. À ma mère.' - Vinnie Mancuso

Tout ce jazz (1979)

Image via la 20th Century Fox

Réalisateur: Bob Fosse

Écrivains: Bob Fosse et Robert Alan Aurthur

Jeter: Roy Scheider, Jessica Lange, Leland Palmer et Ann Reinking

Pourquoi c'est essentiel: Pas seulement l'une des meilleures comédies musicales jamais réalisées, Et tout ça est également l'un des films autobiographiques les plus révolutionnaires de l'histoire. Chorégraphe, metteur en scène et danseur légendaire Bob Fosse tourne la caméra vers l'intérieur alors qu'il raconte l'histoire de Joe Gideon, un metteur en scène et chorégraphe qui jongle avec la mise en scène de sa dernière comédie musicale à Broadway, le montage d'un film qu'il vient de réaliser et sa relation avec sa petite amie, son ex-femme et sa fille. C’est un confessionnal à peine voilé, car Gideon est surchargé de travail, acharné et au bord de la mort, et les numéros musicaux sont entièrement racontés de son point de vue.

En effet, les séquences musicales sont des reflets exagérés de l’agitation intérieure de Joe, et la manière dont Fosse passe de la scène dramatique au numéro musical fait ressortir ce point de vue singulier. Mais le film gonfle également l’ego de Joe - et, par extension, celui de Fosse - vers un point culminant exaltant et existentiel qui présente l’une des séquences musicales les plus emblématiques et les plus émotionnelles jamais présentées. - Adam Chitwood

Amadeus (1984)

Image via Warner Bros.

Réalisateur: Milos Forman

Écrivain: Peter Shaffer

Jeter: F. Murray Abraham, Tom Hulce et Elizabeth Berridge

Pourquoi c'est essentiel: Peter Shaffer La pièce de théâtre originale est une manière ingénieuse de raconter l’histoire de Wolfgang Amadeus Mozart ( Tom Hulce ) tout en racontant l'histoire d'Antonio Saleri ( F. Murray Abraham ) jalousie et envie. Mais Milos Forman l'a rendu cinématographique et époustouflant en ne donnant jamais l'impression que l'action est mise en scène ou claustrophobe. Au lieu de cela, Forman savoure l'intrigue luxuriante du palais et les décors magnifiques non seulement pour souligner les enjeux, mais aussi pour montrer Mozart comme un étranger abrasif, quelqu'un qui ne joue pas vraiment selon les règles selon lesquelles Saleri a vécu sa vie.

Il n'y a vraiment aucune excuse pour qu'un biopic soit aussi posé et prévisible lorsque Forman a montré une approche unique de la vie d'une personne il y a plus de trente ans. Si vous cherchez une récessitation «fidèle» de la vie de Mozart, vous ne la trouverez pas ici. Au lieu de cela, vous trouverez une histoire beaucoup plus riche sur la jalousie professionnelle et la connaissance de vos limites lorsque vous rencontrez la grandeur. Amadeus C'est vraiment l'histoire de deux tragédies: la tragédie de Mozart, mort jeune et trahi par son ami, et Saleri, confronté à son manque de génie. - Matt Goldberg

L'appartement (1960)

Image via United Artists

Réalisateur / scénariste: Billy Wilder

Jeter: Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Fred MacMurray et Jack Kruschen

Pourquoi c'est essentiel: Juste un an après avoir fait l'une des plus grandes farces de tous les temps Certains l'aiment chaud , cinéaste Billy Wilder a créé l'une des meilleures comédies romantiques jamais réalisées: L'appartement . Les stars du chef-d'œuvre de 1960 Jack Lemmon en tant que commis aux assurances nommé Bud qui se mêle aux supérieurs de son entreprise en leur permettant d'utiliser son appartement pour leurs affaires extraconjugales. Il tombe par la suite amoureux de Fran ( Shirley MacLaine ), qui, en fait, a une liaison avec son patron - pas moins dans son appartement.

L'appartement était assez ambitieux pour la période pendant laquelle il a été réalisé. Le sujet du film couvre les liaisons sexuelles extraconjugales et le suicide, et la compétence avec laquelle Wilder oscille entre la comédie et le drame est merveilleuse. De cette façon, cela s'avérerait influent pour d'autres comédies / drames à venir, car Wilder a montré qu'une comédie pouvait également faire face à des problèmes auxquels les êtres humains sont confrontés dans le monde réel. Cette dimensionnalité rend Bud et Fran d'autant plus compréhensibles, et Lemmon et MacLaine offrent une paire de performances tout-en-un en tant que duo emblématique. - Adam Chitwood

Apocalypse Now (1979)

Image via United Artists

Réalisateur: Francis Ford Coppola

Écrivain: John Milius et Francis Ford Coppola

Jeter: Marlon Brando, Martin Sheen, Dennis Hopper et Robert Duvall

Pourquoi c'est essentiel: Il y a beaucoup de films qui traitent du bilan psychologique de la guerre du Vietnam, mais aucun n'est aussi surréaliste et dérangé que Apocalypse maintenant , un film qui a failli tuer son réalisateur comme le raconte l'excellent documentaire Hearts of Darkness: l'apocalypse d'un cinéaste . Basé sur Joseph Conrad roman Cœur des ténèbres , l'histoire suit le capitaine Benjamin L. Willard ( Martin Sheen ) qui a été chargé de trouver et de tuer le colonel AWOL Walter E. Kurtz ( Marlon Brando ).

Il y a des films qui traitent davantage des faits de la guerre du Vietnam ( Section , basé sur les expériences du réalisateur Oliver Stone) ou la difficulté de rentrer chez lui après cette guerre ( Rentrer à la maison , Né le 4 juillet , Le chasseur de cerfs ), mais Apocalypse maintenant frappe quelque chose de beaucoup plus psychologique et ineffable. C’est une chose de dire que «la guerre est l’enfer», mais pour Coppola et Apocalypse maintenant , la guerre brise l'esprit et l'esprit, créant une abomination impie qui ne peut être facilement expliquée ou recréée. - Matt Goldberg

Les Avengers (2012)

Image via Marvel Studios

Réalisateur / scénariste: Joss Whedon

Jeter: Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Mark Ruffalo, Tom Hiddleston, Jeremy Renner, Cobie Smulders, Stellan Skarsgard et Samuel L. Jackson

Pourquoi c'est essentiel: Les Vengeurs est techniquement juste un grand film de super-héros dans lequel une équipe de héros affronte un redoutable ennemi attaquant la ville de New York, mais ce sont les implications plus larges du film qui en font un élément essentiel de l'histoire du cinéma, en particulier pour le 21e siècle. Le film a marqué un événement culminant pour Marvel Studios, qui a commencé à faire ses propres films de super-héros avec 2008 Homme de fer , et après cela a commencé à enfiler des films autonomes avec des camées et des personnages récurrents, un peu comme une série télévisée (ou, évidemment, une bande dessinée). Après les films Captain America: le premier vengeur et Thor , l'idée était de faire équipe avec les héros individuels un 'film d'équipe' appelé Les Vengeurs . Il y avait des opposants qui pensaient que cela ne fonctionnerait pas, qui supposaient que les gens qui n'avaient pas vu Thor ou alors Capitaine Amérique ou alors L'homme de fer 2 sauterait Les Vengeurs parce qu’ils n’ont pas été «rattrapés». Ils avaient tord.

Les Vengeurs a battu le record du box-office pour le week-end d'ouverture et est passé à 1,5 milliard de dollars bruts dans le monde. De plus, les films individuels après Les Vengeurs ont eu plus de succès que leurs prédécesseurs, et alors que Marvel Studios continuait à se développer et à évoluer vers d'autres films «d'équipe», le taux de réussite - à la fois au box-office et auprès des critiques - ne cesse de s'améliorer.

Les Vengeurs a littéralement changé la façon dont les films ont été réalisés, alors que d'autres grands studios ont examiné ce modèle de Marvel Cinematic Universe et ont tenté de recréer son succès. C'était plus facile à dire qu'à faire, car la version DC de Warner Bros. Ligue de justice et a conduit à une refonte de leur approche, et 'Dark Universe' des films de monstres d'Universal Pictures était une chose faite avec 2017 La momie . Quelle que soit la qualité du film (c'est bien! Mais ce n'est pas l'un des meilleurs films jamais réalisés), Les Vengeurs a solidifié sa place dans l'histoire du cinéma en tant que marqueur important de la réalisation de films dans les années 2010. - Adam Chitwood

Retour vers le futur (1985)

Image via Universal Pictures

Réalisateur: Robert Zemeckis

Écrivains: Robert Zemeckis et Bob Gale

Jeter: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover

Pourquoi c'est essentiel: Jusqu'à ce que les scientifiques trouvent réellement un moyen de voyager dans le temps, Retour vers le futur devra suffire. Ce n’est évidemment pas le premier film à traiter du voyage dans le temps, mais c’est l’une des rares comédies à le faire et à le faire avec style. La DeLorean, plus emblématique en tant que véhicule de cinéma que son homologue du monde réel, constitue un moyen de transport dans le temps plus impressionnant que la machine à voyager dans le temps titulaire de H.G. Wells (oui, même en À chaque fois ), et les tentatives du film d'établir les bases du voyage dans le temps à travers une «science» ancrée dans la terre donnent une impression pratique et réaliste qui est absente des films comme celui de Terry Gilliam Bandits du temps . Retour vers le futur rendu le voyage dans le temps contemporain, immédiat et possible , alors même que nous regardions une voiture de sport gonflée propulsée par une fusée au plutonium traverser le parking d'un centre commercial et disparaître dans un passé pas si lointain.

Retour vers le futur a une prémisse absolument farfelue qui aide vraiment à mettre les singeries de Rick et Morty en perspective. Fondamentalement, des scientifiques excentriques, le Dr Emmett Brown, recrute le lycéen Marty McFly pour le rencontrer sur le parking du centre commercial, ce qui est tout à fait normal, tout comme le fait que Brown ait volé du plutonium à des terroristes libyens (également dans le parking) qui lui ont tiré dessus, forçant Marty à voyager dans le passé pour changer le destin de Doc. Le problème est que Marty est maintenant bloqué en 1955 sans plutonium et sans moyen de retourner… vers le futur.

Bien que le film soit peut-être à 100%, le souhait de se réaliser du début à la fin, où Marty sauve la journée après avoir failli s'embrasser avec sa mère, mais en arrivant à apporter du rock'n'roll des années 80 aux années 50 étouffantes, c'est toujours aussi divertissant. comme l'enfer. Zemeckis a fait sa marque en tant que sorcier des effets spéciaux de pointe et pionnier de la prochaine grande technologie ici, poursuivant une carrière qui a apporté au public et aux cinéastes des réalisations étonnantes. Mais c'est Retour vers le futur Les singeries de la foule, la pseudo-science merveilleusement absurde et l'esthétique de science-fiction convaincante qui en ont fait un film à succès, une franchise et une icône de la culture pop. - Dave Trumbore

Cuirassé Potemkine (1925)

Réalisateur: Sergei M. Eisenstein

Écrivain: Nina Agadzhanova

Jeter: Aleksandr Antonov, Vladimir Barskiy et Grigoriy Aleksandrov

Pourquoi c'est essentiel: Aimez-vous le montage et le montage? Ces piliers du cinéma ont une dette envers Eisenstein et son film de propagande de 1925 Cuirassé Potemkine . L'histoire est basée sur la révolte sur le cuirassé Potemkine où les soldats se sont révoltés contre leurs officiers qui s'attendaient à ce que les hommes mangent de la nourriture avariée. Cet acte de rébellion se répercute sur les gens qui commencent à se battre contre les forces gouvernementales et sacrifient leur vie aux mains de leurs cruels maîtres.

Ne fais pas d'erreur: Cuirassé Potemkine est une propagande socialiste sans vergogne, mais cela ne veut pas dire qu’elle n’a pas fait progresser toute la forme artistique du cinéma. Eisenstein a été le pionnier du genre de dispositifs narratifs et de techniques de montage que nous tenons pour acquis aujourd'hui, et a essentiellement réalisé l'un des premiers films d'action de tous les temps. Ce type de techniques est si essentiel et pertinent que Brian De Palma a à peu près levé la séquence des étapes d'Odessa pour Les Incorruptibles , et si vous voulez voler, volez l’un des films les plus importants de tous les temps. - Matt Goldberg

Un meilleur demain (1986)

Image via Cinema City & Films Co.

réalisateur : John Woo

Écrivains: John Woo, Chan Hing-kai, Leung Suk-wah

Jeter: Ti Lung, Leslie Cheung, Chow Yun-graisse

Pourquoi c'est essentiel: Le film qui a cimenté le partenariat créatif entre réalisateur John Woo et homme de tête Chow Yun-graisse est si influente - et si violente - qu'elle a laissé un trou de balle sanglant à la fois dans le cinéma chinois et à Hollywood. S'écraser sur une scène de Hong Kong qui était principalement composée de films d'arts martiaux caricaturaux à l'époque, Un lendemain meilleur était un film de gangster graveleux imprégné du style de marque de Woo, rempli d'effusion de sang exagérée et de fusillades à double poing que le réalisateur a filmé avec toute la grâce d'une danse chorégraphiée. Vous poumon dirige le spectacle en tant que Sung Tse-Ho, un ancien membre de la Triade forcé de décider entre vivre une vie propre comme son frère policier ( Leslie Cheung ) ou en faisant équipe avec l'ancien collègue criminel Mark Lee - Yun-gros, jouant un personnage tellement cool qu'il réussit à bercer un trench-coat - pour vaincre les imbéciles qui les ont autrefois trahis. Débordant d'émotions authentiques et d'enjeux dramatiques, oui, Un lendemain meilleur aussi - pour utiliser un terme technique de critique cinématographique - fouette une tonne de cul. La marque électrisante de saignée de Woo a non seulement conduit directement à un système de classification des films de Hong Kong, mais elle a également engendré le genre «Heroic Bloodshed», un style de film mettant l'accent sur le gun-fu, les gangsters et la fraternité. (Mais aussi tirer deux armes en même temps.) Cette influence s'est rapidement propagée à Hollywood, pas seulement avec des films dirigés par Woo comme Cible difficile et Face / Off , mais le Wachowski Trench-coat remarquablement rempli Matrice trilogie, la plupart des neuf films de Quentin Tarantino , et le Keanu Reeves -LED John Wick films. - Vinnie Mancuso

La naissance d'une nation (1915)

Image via Epoch Producing Co.

Réalisateur: D.W. Griffith

Écrivains: Thomas Dixon Jr., D.W. Griffith, Frank E. Woods

Jeter: Henry B. Walthall et Lillian Gish

Pourquoi c'est essentiel: Soyons parfaitement clairs: l’intrigue et le message de Naissance d'une nation est absolument répugnant. C'est un film muet de trois heures dont le récit ne peut être décrit que comme incroyablement raciste car il parle des peurs des blancs du pouvoir noir et que la seule façon de mettre les Noirs (tous décrits ici comme des Blancs au visage noir) «à leur place» est par le terrorisme. C’est un film que vous ne voulez regarder qu’une seule fois.

Mais si vous vous souciez de la façon dont le cinéma s'est développé et de ses techniques de narration, vous devez endurer ce film misérable. D.W. Griffith a essentiellement fait le premier blockbuster avec Naissance d'une nation , et parce qu'il a si bien fait son travail, cela montre que si le cinéma a le pouvoir d'inspirer, il a aussi le pouvoir de corrompre. Nous devons respecter l'art à cause de ce pouvoir et du fait qu'il n'y a vraiment pas de 'divertissement pur' parce que si le public blanc a sûrement trouvé Naissance d'une nation divertissant quand ils l'ont vu en 1915, ils n'ont pas non plus eu de problème avec un film qui a soutenu le Ku Klux Klan comme des héros américains. Les contributions historiques au cinéma de Naissance d'une nation sont indéniables, mais nous devons également équilibrer cela avec le mal de son histoire. - Matt Goldberg

Selles flamboyantes (1974)

Image via Warner Bros.

Réalisateur: Mel Brooks

Écrivains: Mel Brooks, Richard Pryor, Norman Steinberg, Al Uger, Andrew Bergman

Jeter: Cleavon Little, Gene Wilder, Madeline Kahn, Harvey Korman, Slim Pickens

Pourquoi c'est essentiel: Si vous tachez Selles flamboyantes de l'histoire du cinéma, vous effacez littéralement l'un des éléments de base les plus précieux de l'histoire de la comédie: la blague du pet. Oui les amis, Selles flamboyantes mérite sa place dans le panthéon strictement pour être le premier à présenter des flatulences enregistrées à l'écran. Piste- Brûlant , En effet. Il y a aussi, n'est-ce pas, le fait que c'est le maître de la parodie de la blague d'une minute Mel Brooks opérant au sommet absolu de ses pouvoirs, créant un Western qui parvient à emballer la valeur d'un train de wagon de gags juste à côté de quelques commentaires vraiment mordants sur la race et les crétins de dix gallons qui la comprennent mal. Nous sommes en 1874, et le procureur général corrompu Hedley Lamarr ( Harvey Korman ) nomme un cheminot nommé Bart ( Cleavon Little ) shérif de Rock Ridge, sachant que les habitants ne prendront pas trop de bonté envers un homme noir qui maintient la paix. Sans se laisser décourager par un barrage d'insultes de tous les côtés, Bart devient le pire ennemi de Lamarr avec l'aide du flingueur Jim «The Waco Kid» ( Gene Wilder ). À la fois en roue libre et sans peur, Blazing Saddles est tellement chargé de doubles sens, d'anachronismes et de quatrième bris de mur de marque Brooksian, il est facile de rater à quel point ce mouvement est fou face au racisme qui a imprégné les occidentaux et encore plane sur l'industrie cinématographique aujourd'hui. (L'action déborde littéralement dans le backlot de Warner Bros. et dans tout Hollywood Blvd à un moment donné.) Ce n'est pas du tout une surprise. Richard Pryor avait une part si forte dans le script. La férocité de sa comédie combinée à la joie de Brooks de piquer un sujet dans son œil aboutit à l’une des satires les plus vives de tous les temps.

De plus, la scène avec les pets est vraiment drôle. Les grands films contiennent des multitudes. - Vinnie Mancuso

Explosion (1966)

Réalisateur: Michelangelo Antonioni

Écrivains: Michelangelo Antonioni, Tonino Guerra et Edward Bond

Jeter: David Hemmings, Vanessa Redgrave et Sarah Miles

Pourquoi c'est essentiel: Une partie de la raison pour laquelle nous n'avons pas de code de production (un ensemble de règles d'autocensure gérées par qui empêchait le contenu explicite d'atteindre les cinémas afin que les forces extérieures ne censurent plus Hollywood) est à cause de Exploser . Le film d'Antonioni est explicitement violent, sexuel et inclut la consommation de drogue, ce qui peut ne pas sembler un gros problème aujourd'hui, mais ce n'était pas tout à fait banal lorsque le film est sorti en 1966.

Mais la raison pour laquelle le film perdure, non seulement à cause de la façon dont il a bouleversé le code de production, mais aussi à cause de ce qu'il signifie pour le concept du regard masculin et de son pouvoir sur ses sujets. Le protagoniste est Thomas ( David Hemmings ), qui est involontairement témoin d'un meurtre en prenant une photo de deux amoureux. Exploser examine le caractère intrusif de la caméra et la puissance de l'effet Observer dans lequel le simple fait d'observer un acte change cet acte. C’est un film qui se délecte de son ambiguïté et de son ouverture à l’interprétation, et si certains peuvent trouver cette ambiguïté frustrante, Exploser peut certainement stimuler une démangeaison intellectuelle. - Matt Goldberg

Velours bleu (1986)

Image via critère

Scénariste / Réalisateur: David Lynch

Jeter: Kyle MacLachlan, Laura Dern, Dennis Hopper, Isabella Rossellini

Pourquoi c'est essentiel: Choisir De David Lynch 'Le film le plus accessible', c'est comme choisir la partie la plus inflammable de l'océan Atlantique, mais le mystère surréaliste du cinéaste de 1984 Velours bleu agit comme le cours d'introduction parfait à tout ce qui concerne Lynchian pour tous ceux qui cherchent à faire cette course folle. Près d'une décennie éloignée de son cauchemar art-film Tête de gomme , juste après la méga-bombe au box-office qui était le Dune l'adaptation, et à quelques années seulement d'un changement radical de la télévision en réseau avec Pics jumeaux , Velours bleu est Lynch à son plus joliment mystifiant. À la fois conte de passage à l'âge adulte et regard voyeuriste sur le ventre pervers d'une petite ville, le film met en vedette le compagnon constant de Lynch Kyle MacLachlan en tant qu'étudiant au visage frais nommé Jeffrey qui découvre une oreille coupée dans un champ, le conduisant ainsi que la fille d'un détective de police nommée Sandy ( Laura Dern ) dans un terrier de lapin et dans l'orbite de la chanteuse de salon maltraitée Dorothy ( Isabella Rossellini ) et le gangster monstrueux Frank Booth ( Dennis Hopper ). Comme tout le travail de Lynch, cette histoire de surface est juste là pour attirer des émotions inexplicables hors de son public. Velours bleu joue comme quelqu'un rêvant d'une histoire néo-noir classique; vous êtes attiré et finalement repoussé par la descente de Jeffrey dans ce monde souterrain fou, même si vous avez l’impression d’être tiré avec lui. Les deux plus grands bienfaiteurs du style de Lynch sont Rossellini et Hopper, qui ont tous deux connu une sorte de revitalisation grâce à Velours bleu . Rossellini donne chaque once d'énergie qu'elle a à la figure tragique et désespérée de Dorothy, tandis que Frank Booth reste l'une des créations les plus horriblement comiques de toute l'histoire du cinéma. Que David Lynch soit fait ou non pour vous, je peux vous garantir que vous n'effacerez jamais de votre tête le son de Dennis Hopper criant «Bébé veut baiser!» - Vinnie Mancuso

Mariée de Frankenstein (1935)

Image via Universal

Réalisateur: James Whale

Écrivain: William Hurlbut

Jeter: Elsa Lanchester, Boris Karloff, Colin Clive, Ernest Thesiger

Pourquoi c'est essentiel: Si quelqu'un évoque le sujet des meilleures suites de tous les temps sans mentionner Mariée de Frankenstein , ce sont eux qui sont le vrai monstre. Dracula et Frankenstein a peut-être relancé l’ère des talkies-walkies à Universal Studios, mais c'est le suivi du réalisateur James Whale à ce dernier qui est le joyau de la couronne classique des vers de monstres. Chargé de créer une suite appropriée à Frankenstein avec Boris Karloff, Whale et le scénariste William Hurlbut ont emprunté une intrigue à Mary Shelley Roman source et construit le monstre un compagnon. Le résultat a été l'un des morceaux d'iconographie les plus durables de toute l'histoire de l'horreur, le visage aux cheveux longs et aux rayures blanches de The Bride, gravé dans l'histoire à jamais grâce à - et c'est toujours une surprise pour les débutants - un peu plus cinq minutes de visionnage. Alors, qu'est-ce qui fait de la mariée une telle force? Il y a l'incarnation féroce et inoubliable de Elsa Lanchester - qui joue également Shelley elle-même dans un prologue - la conception de la créature, les prothèses, la reconnaissance immédiate qu'épouser un homme monstre est une décision de trash. Comme ces bestioles elles-mêmes, c'est un amalgame de pièces assemblées et secouées par la foudre pour créer quelque chose d'indéniable vivant , dans ce cas, l'un des, sinon le meilleur film monstre jamais réalisé. - Vinnie Mancuso

Montagne Brokeback (2005)

Image via les fonctionnalités de mise au point

Réalisateur: Ang Lee

Écrivain: Larry McMurtry et Diana Ossana

Jeter: Heath Ledger, Jake Gyllenhaal, Michelle Williams et Anne Hathaway

Pourquoi c'est essentiel: Comme beaucoup de films révolutionnaires de l'époque, il est difficile d'imaginer à quel point il est transgressif montagne de Brokeback était dans le contexte de la culture d’aujourd’hui, mais Ang Lee » La romance sublime et tragique a été un tremplin essentiel pour amener le cinéma queer au grand public. Au point que les cinéastes ont répondu aux questions sur l'histoire d'amour centrale: ' répugnant »Après sa création. Avec un cinéaste acclamé comme Lee à la barre et d'anciennes stars de cinéma adolescentes comme Grand livre de la santé , Jake Gyllenhaal , Michelle Williams , et Anne Hathaway en tête, montagne de Brokeback a tenu une cache culturelle comme l'un des premiers films LBGTQ à avoir une influence majeure sur le circuit des récompenses - même s'il a perdu le meilleur film dans l'un des plus grands bouleversements de l'histoire des Oscars.

il y aura une scène d'église de sang

Mais l’impact du film n’est pas dû à son prestige, c’est parce que montagne de Brokeback est une magnifique histoire d'amour mélancolique sur deux personnages fascinants, racontée avec l'élégant sens du détail de Lee et son talent pour des histoires d'une immense empathie. Basé sur la nouvelle de Annie Proulx , montagne de Brokeback est l'histoire de Jack Twist (Gyllenhaal) et Ennis Del Mar (Ledger), deux garçons de la campagne à l'ancienne par ailleurs bons qui tombent amoureux l'un de l'autre. Lee décrit leur passion et leur répression - et les retombées des deux - avec un mélange de tendresse et de cruauté, et le résultat est aussi captivant que dévastateur. Le film a été ajouté au registre national du film des États-Unis à la Bibliothèque du Congrès en 2018, cimentant son héritage en tant que travail de formation. Qui a besoin d'une statue de la meilleure image, de toute façon? - Haleigh Foutch